CARGO Container Aktueller Film
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Dancing with Avatars
Slavoj Zizek über Cameron.
Der zuletzt oft etwas sehr wirre Slavoj Zizek (hier im CARGO Audio-Gespräch) mit einem guten Text wider "Cameron's superficial Hollywood Marxism":
”Avatar's fidelity to the old formula of creating a couple, its full trust in fantasy, and its story of a white man marrying the aboriginal princess and becoming king, make it ideologically a rather conservative, old-fashioned film. Its technical brilliance serves to cover up this basic conservatism. It is easy to discover, beneath the politically correct themes (an honest white guy siding with ecologically sound aborigines against the "military-industrial complex" of the imperialist invaders), an array of brutal racist motifs: a paraplegic outcast from earth is good enough to get the hand of abeautiful local princess, and to help the natives win the decisive battle. The film teaches us that the only choice the aborigines have is to be saved by the human beings or to be destroyed by them. In other words, they can choose either to be the victim of imperialist reality, or to play their allotted role in the white man's fantasy. (Der ganze Text ist hier).
Der Schlussteil ist vielleicht etwas Richtung politische Realität gezwungen; die angesprochenen Vorkommnisse im indischen Bundesstaat Orissa sind aber doch bedenklich (hier der entsprechende Text von Arundhati Roy).
(Via)
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The Hurt Locker
Konsensfilm
Aus aktuellem Anlass noch einmal der Verweis auf Simon Rothöhlers CARGO-Text über The Hurt Locker. Und beim Blick auf unser Jahresrating 2009 muss man wohl sagen: Konsensfilm!
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Oscar für Waltz?
Die Stunde der Knalltüte.
Hinweis auf einen Artikel im Magazinteil. Bert Rebhandl fragt aus aktuellem Anlass danach, wie Christoph Waltz die Rolle des Judenjägers Hans Landa genießbar macht. Und erklärt, warum man die Art, in der er das tut, dubios finden kann.
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Nachtrag Ausblick
Vorwärts und Rückwärts. Rauf und Runter.
Link 1 (dank an Jochen Schwarzer):
Christian Petzold in einem gut zwanzigminütigen Gespräch beim Deutschlandradio über Berlinale-Filme: If I Want to Whistle, I Whistle von Florin Serban, Der Räuber von Benjamin Heisenberg, Thomas Arslans Im Schatten, Dominik Grafs Im Angesicht des Verbrechens - und Genre überhaupt, sowie seine eigenen Festivalerfahrungen. Wie eigentlich immer bei Petzold-Interviews ist das sehr interessant, sehr angenehm, sehr genau.
Link 2
Alexei Popgrebsky, Regisseur von How I Ended This Summer, über die Arbeit mit der digitalen RED-Kamera:
Link 3 (via midnightradio)
Christoph Hochhäusler fährt Aufzug mit Romuald Karmakar und spricht über seinen kommenden Film Unter dir die Stadt
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Bären-Warnung
Verstrahlt.
Nachdem ich nun diesen Artikel gelesen habe, möchte ich meine Bären-Befürchtungen doch noch konkretisieren. Es scheint mir nämlich, wenn ich an Herzog denke, durchaus plausibel, dass Alexei Popogrebskys How I Ended This Summer den Hauptpreis gewinnen könnte. Es gäbe Schlimmeres (die FIPRESCI zum Beispiel hat komplett den Verstand verloren, indem sie ihren Wettbewerbspreis an Pernille Fischer Christensens Nicht-Film En Famille verliehen hat), denn How I Ended This Summer ist immerhin ein Film, hinter dem eine Vision steht. Allerdings eine, die mir extrem unsympathisch ist - oder, weniger persönlich gesagt: Man muss sie wohl teilen, um diesen Film nicht ganz und gar unerträglich langweilig, ja nervtötend zu finden.In gewisser Weise ist er so etwas wie der diametrale Gegenentwurf zu Sharon Lockharts "Double Tide". Wo Lockhart in zwei völlig klaren Einstellungen einen, so schwer die Hände der Heldin auch werden, doch leichthändigen Zusammenhang zwischen Natur und Mensch und Arbeit des Menschen (man muss dazusagen: einer Frau) in der Natur herstellt, da mystifiziert Popogrebsky endlos ins Pseudo-Existenzielle. Männerfreundschaft, Männerfeindschaft, Männerverstrahlung, Männerversöhnung vor einer feindlichen Naturlandschaft, die auf Augenhöhe des Menschen in ihr auf Archaik zielt und so den Menschen als komplett gesellschaftsfrei ins Leben gestellt vorführt. Von der allerletzten Einstellung abgesehen tun die Bilder, die Popogrebsky dafür findet, zwar groß und wuchtig. Sie haben aber, wie die Geschichte, die er erzählt, in sich für meinen Begriff keinen Halt.
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Berlinale: Over and Out
Endstand.
Ich habe in diesem Jahr etwas getan, das ich noch nie getan habe, und - so Gott will - auch nie wieder tun werde. Ich habe jeden einzelnen im offiziellen Wettbewerb der Berlinale präsentierten Film gesehen. Die meisten komplett, manche jedenfalls solange, bis ich mir völlig darüber im Klaren war, was ich von dem Machwerk vor mir genau zu halten habe. (Ich bin natürlich nur bei den Machwerken früher raus und warum ich Submarino bis zu Ende gesehen habe, weiß ich auch nicht mehr. Kann eigentlich nur Masochismus gewesen sein.) Getan habe ich das vor allem, um meine Pflicht als Mitglied der Berliner Zeitung-Kritikerjury zu erfüllen. Spaßeshalber habe ich meine Wertungen einmal auf die Cargo-Punktwertung umgerechnet. (Bei der Berliner Zeitung gibt es nur fünf Stufen, und wenn man es auf Zwanzigerschritte umlegt, haut alles hin. Soll heißen: ich habe nicht das Gefühl, einmal zu gut oder zu schlecht bewertet zu haben.)
Mein Resümee des Wettbewerbs gibt es drüben beim Perlentaucher, wo ich dann Reinhold Vorschneider vollen Ernstes für den Goldenen Bären vorschlage. Naja, in einer besseren Welt. Meine Hoffnungen auf eine vernünftige Jury-Entscheidung sind, bei aller Verehrung für den Großen Irren Werner Herzog, eher gering. Kurzum: das war's und Mann, bin ich froh.
Der Räuber: 82
Caterpillar: 73
Bal: 70
If I Want to Whistle, I Whistle: 62
Jud Süß - Film ohne Gewissen: 40
Greenberg: 39
The Ghost Writer: 37
Mammuth: 35
A Woman, a Gun, and a Noodle Shop: 35
On the Path: 32
The Killer Inside Me: 30 (waren 42)
Tuan Yuan (Apart Together): 28
Howl: 25
En Famille: 25
Puzzle: 24
The Hunter: 18
How I Ended This Summer: 17
Shahada: 15
A Somewhat Gentle Man: 12
Submarino: 8
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Abu Bollywood Khan
Allianzen.
Karan Johars My Name is Khan ist ein in mehr als einer Hinsicht faszinierender Film. Darin, wie er so ziemlich jedes bedeutende US-Ereignis der letzten zehn Jahre (9/11, Katrina, Obama) in die loose-baggy-monster-Form des Masala-Kinos inkorporiert. Und dabei dessen menschheitsumgreifenden Irrsinn - trotz Verzicht auf klassische Song&Dance-Sequenzen - so lange steigert, bis wir alle mit Shah Rukh Khan in einer Kapelle im tiefsten amerikanischen Süden stehen und mit ihm und der afroamerikanischen Gemeinde "We Shall Overcome" singen. (Hier Lukas' Text, dem wenig hinzuzufügen ist.)Sehr viel unauffälliger als die Bollywood-Provenienz kommt etwas anderes daher: der Schriftzug "Imagenation Abu Dhabi" im Vor- und im Abspann. Man horcht spätestens dann wirklich auf, wenn man liest, dass die Weltpremiere des Films nicht in Bombay, nicht in San Francisco (wo er zum größten Teil spielt) und, nein, auch nicht in Berlin stattfand. Sondern zwei Tage vorher, am 10. Februar, eben: in Abu Dhabi, der Hauptstadt der Vereinigten Arabischen Emirate. Und zwar, genau, wegen Imagenation, der Produktionstochter von Abu Dhabi Media.
Die Firma ist jung und braucht kein Geld, sondern hat es. Nicht zu knapp, man startet mit einem zu investierenden Vermögen von einer Milliarde Dollar. Diese Voraussetzungen machen sie für den Westen wie den Osten ausgesprochen attraktiv. Und Imagenation fährt, unter der Leitung des Ex-Disney-Vizepräsidenten Edward Borgerding, eine sehr interessante Investitionspolitik. Sie versteht sich nämlich als Produktionsfirma mit Gewissen: Öko-Gewissen, sozialaktivistischem Gewissen, you name it.
Dazu passt nicht nur der neue SRK-Film, sondern vor allem ein anderer programmatischer Schachzug, nämlich die Partnerschaft mit der US-Produktionsgesellschaft Participant, die eher still und leise ein wichtiger Player eben im - übrigens jederzeit oscarverdächtigen - Gewissenssegment geworden ist, mit Filmen wie Syriana, Good Night and Good Luck, An Inconvenient Truth, Food Inc. und, in diesem Jahr, The Cove. Das ist wirklich ungewohnte Gesellschaft für einen Bollywood-Blockbuster, der von Yash und Karan Johars Dharma Productions produzierte wurde, bis zunächst der seit einigen Jahren existierenden asiatischen, vorerst nur in Indien tätigen Arm der Fox und dann Imagenation einstiegen. (Fox Star Studios wurde interessanterweise ziemlich zeitgleich mit Imagenation im Herbst 2008 gegründet.) Bei genauer Betrachtung sind diese Kooperationen und Partnerschaften zwar immer noch unkonventionell gedacht, erscheinen aber von recht bezwingender Logik. Und sind auch ein starkes Indiz dafür, dass der globale Filmmarkt an Orten und in Segmenten zusammenwächst, wo man es zunächst nicht vermuten würde.
Quellen: Variety, Website Participant, Defamer
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Berlinale 2010: vorab
Tipps.
Zum Berlinale-Start erstens der Hinweis, dass CARGO in nunmehr bewährter Form wieder im Kurznachrichtenformat vor Ort sein wird. Die SMS-Botschaften unseres Berlinale-Teams finden sich, sobald es losgeht, auf der Startseite.
Erlaubt sei auch der Hinweis, dass beim Perlentaucher in einem speziell eingerichteten Berlinale-Blog die CARGO direkt oder indirekt affiliierten Kritiker Lukas Foerster, Thomas Groh und Ekkehard Knörer sehr ausführlich berichten werden. Und beim Freitag finden Sie einen Text von Simon Rothöhler, der sich mit der (vertikalen) Festivalisierung des Films beschäftigt.
Zweitens: Wie nicht jeder weiß, gibt es ja vor Berlinale-Start schon reichlich Presse-Vorabaufführungen aus dem Programm der "Nebenreihen" Forum, Panorama und Generation. Weltpremieren darf man vor der eigentlichen Festivalvorführung auch hier nicht rezensieren. Gegen im voraus publizierte Tipps hat aber sicher niemand etwas. Hier darum jene Filme, die sich anzusehen wir raten. (Und auch der Verweis auf Lukas Foerster, der eine solche Liste in seinem Blog bereits erstellt hat.)
Ekkehard Knörer
Yasujiro Shimazu: The Trio's Engagement, The Lights of Asakusa, So Goes My Love (in aufsteigender Wertschätzungsreihenfolge) (Forum - Special Screenings) - (Wieder)Entdeckung eines ganz unstrengen japanischen Klassikers
Hippolyte Girardot und Nobuhiro Suwa: Yuki & Nina (Generation) - französisch-japanischer Märchenwald-Realismus der unangestrengtesten Sorte
Angela Schanelec: Orly (Forum) - verbindet Genauigkeit und Leichtigkeit aufs Schönste
Dominik Graf: Im Angesicht des Verbrechens (Forum) - fürs Fernsehen entstandenes zehnteiliges Mafiaepos mit Erzählfülle, Milieudichte und großartigen Einfällen von Buch (Rolf Basedow) und Regie
Constantin Popescu: Portrait of the Fighter as a Young Man (Forum) - Politfilm über den antikommunistischen Guerilla-Widerstand in Rumänien; sichtlich Che-inspiriert, faszinierend entdramaturgisiert
Philipp Scheffner: Der Tag des Spatzen (Forum) - geht als Doku-Essay zu Spatzen und Krieg sehr intelligent ins Offene
Thomas Arslan: Im Schatten (Forum) - brillante Stilübung, Berlin- und Genrefilm zugleich
Sharon Lockhart: Double Tide (Forum) - zwei Einstellungen, Muschelsammeln am Strand, ein Mensch-Natur-Arbeitszusammenhang
Jean-Claude Caissy: La belle visite (Forum) - Doku über ein kanadisches Altenheim; Debüt, in dem jede Einstellung von der Filmintelligenz des Regisseurs zeugt(Abraten kann ich dagegen von Sabus Kanikosen, Ishii Yuyas Sawako Decides, Laxmikant Shetgaonkars The Man Beyond the Bridge und tendenziell auch von Jared Hess' Gentleman Broncos.)
Simon Rothöhler
Der Kollege war vorab mal wieder fleißiger, Im Schatten und Im Angesicht des Verbrechens kann ich aber auch nur nachdrücklich empfehlen - fast paradigmatisch, wie hier von zwei entgegengesetzten Richtungen aus einzelne Genre-Module, Schauspieler-Körper, Milieu-Signale und generell «plot-drive» gebaut werden (zentripetal vs. zentrifugal? Missing Link: Eastern Promises). Die museale Retrospektive kann man sich für meine Begriffe in weiten Teilen schenken, sehr schön aber, dass Vittorio De Sicas bester Film Il giardino dei Finzi Contini (1970; mit Helmut Berger und Dominique Sanda) gezeigt wird. Toll natürlich - neben Shimazu - Bill Douglas' Schottische Trilogie (siehe CARGO #3) und Antonio Das Mortes von Glauber Rocha im Forum (wo schon seit einigen Jahren die bessere «Retrospektive» stattfindet).
Bert Rebhandl
Im Forum gibt es einen ruhigen und ein wenig rätselhaften Film aus China mit dem Titel CROSSING THE MOUNTAIN, den ich mir während der Berlinale noch einmal ansehen werde. Laura Poitras (My Country, My Country) ist mit einem neuen Film THE OATH vertreten und überzeugt erneut als mutige politische Journalistin mit Digicam. Mehr und ausführlicher ab morgen auch im Blog.
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Fucking A
Greens Nonne bei den Auteurs.
Film-Hinweis. Bei den Auteurs gibt es jetzt Eugène Greens jüngsten Film The Portuguese Nun (in Locarno letztes Jahr uraufgeführt) zu sehen. Hier habe ich einmal etwas über einen früheren Film von Green geschrieben, der fast etwas wie einer meiner Lieblingsregisseure ist. Sein jüngster ist noch nicht auf DVD erschienen, ja, in Deutschland bislang meines Wissens noch nie und nirgends gelaufen. Selbstverständlich wird er hier auch nie ins Kino kommen. Also vermutlich eine deutsche Erstaufführung. Damit dürfen die Auteurs gerne das Beta aus ihrem Namen streichen. Für 5 Euro bin ich da aber sowas von dabei.
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Interviews
Ramin Bahrani / Liu Jiayin
Kurzer Hinweis auf Interviews mit zwei der interessantesten jüngeren FilmemacherInnen derzeit. Zum einen spricht Colin Marshall bei 3quarksdaily mit Ramin Bahrani (Chop Shop; Goodbye Solo), der als nächstes interessanter Weise einen Western dreht; kurzer Auszug, in dem Bahrani darüber spricht, was ihn als Filmemacher antreibt:
Recently on NPR there was someone who was going across America talking to people about how the recession has impacted them. I’m jealous of these jobs. Why should I make a film about a young guy who likes to read books and make movies? Sounds really boring to me. I love to learn about new people, different experiences. Even the western I’ve been researching for a year – what a joy to learn more about that time period in American history and to visit historical sites and real landscapes and to encounter as many people as possible to talk to them about that time. I feel lucky that I can do that. It’s that curiosity that helps keep me engaged in the story and lights that fire to want to make that film. I can’t wait to see the western, you know?
Und Liu Jiayin, deren Debütfilm Oxhide ein Meisterwerk war (in dieser sehr ernstzunehmenden Liste der besten chinesischen Filme der Nullerjahre auf Platz sieben) und deren Nachfolger Oxhide 2 (Lukas Foerster schrieb für uns aus Locarno darüber) mindestens ebenso interessant klingt. Peter Rist hat sie für Offscreen interviewt:
We tried to shoot everything in strict continuity. The dumplings that are being boiled in the 8th shot and the ones we are eating in the 9th shot, are exactly the same. And they didn’t taste good at all.
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Not Too Bad a Story
The Na'vi Way.
Das folgende "Behind-the-Scenes" ist in seiner Pomposität gleich nochmal unfreiwillig komischer als Avatar selbst ("not too bad a story", "language training"), aber ich binde es hier ein, weil man unter dem ganzen visuell-akustischen Müll doch ein paar interessante Informationen erhält. Insbesondere was das Drehen unter Motion-Capture-Bluescreen-Bedingungen bei avancierten technischen und finanziellen Voraussetzungen angeht (via):
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Lav Diaz Agonistes
Grabung.
Wenn es einen Regisseur gibt, dessen Werk uns in jedem seiner Zustände interessiert, ist das Lav Diaz. Deshalb vermelde ich freudig, dass es vor rund einer Woche zur Aufführung seines neuesten Films Agonistes kam, noch in einer Work-in-Progress-Fassung (hier). Bislang habe ich keine Reaktionen darauf gefunden. Der Film erzählt von zwei Männern, die, hoffnungslos wie sie sind, nach einem Schatz zu graben beginnen. Eine Voraufführung von zwei - von avisierten fünf - Stunden Länge gab es im Oktober. Eine Beschreibung im Blog "persistence of vision", wo es - auch in den Kommentaren - mehr dazu gibt:
Quitting their jobs, they emerge in Bikol one day, purchase digging equipment and get to work. They meet Manoling’s brother who farms the land but whose wife Loleng is terminally ill with a lung disease. As the trenches deepen, Juan and Manoling only manage to turn up rusty metals and an old military boot. Manoling’s brother seems content to live a farmer’s life and jokes in the background about a share of the spoils. At dusk, all of them often – including the bed-ridden Loleng -- gather to watch the magnificent – otherworldly? – sunset.
Philbert Ortiz Dy meinte dazu:
Lav Diaz showed off two hours of his latest work-in-progress Agonistes. It’s difficult to comment on an unfinished film, but those two hours were actually pretty great, and might’ve been able to stand on their own as a feature with just a little tweaking. The movie is about two construction workers who get fed up with their life in Manila and decide to go to the countryside to try and find a treasure supposedly buried by one of the workers’ grandfather. The current full edit of the film is reportedly five hours, so a lot could change in the three hours that we haven’t seen, but what we did see was like Lav Diaz doing his own version of Waiting for Godot. That’s a project worth seeing really, and with any luck, we’ll get to see it soon.
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Im (Schatten/Angesicht des Verbrechens /Forum)
Vorfreude.
Okay, die Pressemail ist raus. Das Berlinale-Forumsprogramm verspricht sehr viel in diesem Jahr. Rezensieren darf ich Angela Schanelecs Orly noch nicht, aber man wird ja wohl sagen dürfen, dass das einer ihrer offensten Filme bisher ist, der ganz großartige Dinge mit dem Raum (der titelgebende Flughafen) anstellt und den Figuren darin. Tolle Dialoge auch, überraschende ... aber Schluss, keine Rezension. Außerdem: acht Stunden am Stück, Dominik Grafs Berliner-Russenmafia-Serie Im Angesicht des Verbrechens, CARGO-LeserInnen schon von Anfang an vertraut. Ist auch super geworden, klassisch, ja, im Vergleich mit KDD-Gewusel geradezu klassizistisch, immer wieder ziemlich atemberaubende Szenen wie ... aber Schluss, keine Rezension. Über Thomas Arslans Im Schatten schreibt in der aktuellen CARGO Lukas Foerster, auf diese Genre-Aneignung des Regisseurs darf man sowieso mehr als gespannt sein. Bereits gesehen habe ich und kann empfehlen: den kanadischen Dokumentarfilm La belle visite von Jean-Francois Caissy über ein zum Altenheim umgebautes Motel am Meer. Außerdem neben vielem anderen: DerTag des Spatzen (der neue Filme von Philipp Scheffner, Regisseur des großartigen Halfmoon Files), Neues von Sharon Lockhart und eine Mini-Retro mit Filmen des dem Vernehmen nach grandiosen japanischen Shomingeki-Regisseurs Yasujiro Shimazu, eine Entdeckung wohl vom Rang Hiroshi Shimizus. Hier der Überblick. Falls LeserInnen zu diesem oder jenem Film mehr wissen: her damit.
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Wiesel Anderson Sagt Danke
Stellvertretung.
Wes Anderson bedankt sich für den Special Achievement Award des National Board of Review, den er für seinen Animationsfilm The Fantastic Mr. Fox erhalten hat. In angemessener Form (via):
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Up in the Air
Press.
Jason Reitman, Regisseur von Juno und nun Up in the Air (mit George Clooney, hier der Trailer), hat seine Pressetour für den jüngsten Film verfilmt. Zweieinhalb Minuten hochenergetisch zusammengeschnittener Stress (via):
Lost In The Air: The Jason Reitman Press Tour Simulator from Jason Reitman on Vimeo.
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Resnais - Marker - David
Einflüsse.
Aus einem tollen Gespräch, das Christoph Huber für Die Presse mit Alain Resnais führte:
Chris Marker ist das Ass, der König der Regisseure! Der wichtigste in Frankreich. Wir sind noch immer gute Freunde, obwohl wir uns nur noch selten sehen. Ich bin kein Fanatiker, was TV-Serien angeht: Ich verfolge ungefähr ein halbes Dutzend treu. Übrigens sollte man diese Serien nicht episodenweise ansehen. Ich schaue sie immer am Stück, und wenn es 80, 100Stunden dauert. Sie sind als kontinuierliche Werke konzipiert, nicht damit man eine Folge hier oder da sieht. Bei „Alias“ oder den „Sopranos“ stelle ich mir vor, dass Filmpioniere wie Erich von Stroheim oder Abel Gance ähnlich ausufernde Visionen hatten: Ein Film wie ein großer Roman. Larry David könnte Les herbes folles beeinflusst haben: Ich bin ein großer Fan seiner Show „Curb Your Enthusiasm“.
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Film der Woche: Gamer
Mein Film - na mindestens - der Woche: Gamer. Ein Science-Fiction-Bildsalat der fortgeschrittenen Art. In vieler Hinsicht das perfekte Gegenstück zur von allen gerade gefeierten Renaissance klassischen Hollywood-Kinos, wie sie Bigelows Hurt Locker darstellt. Für alle, die Lust haben an: Diskontinuität, Exzess, Blut, Sex. Steven Shaviro liest dem gleich eine komplette Theorie der Postklassik ab. Man muss so weit nicht gehen, um sagen zu können, dass aktuelle, dem Videospiel abgeschaute Zeichenproduktion hier formvollendet in die Luft fliegt. Auf YouTube derzeit nur in ganz ausgewaschener Cam-Qualität die sehr schöne Szene, in der das Geballer in Tanz und Gesang übergeht. Wer weiß, dass Michael C. "Dexter" Hall da zentral ist, findet das schnell bei der Suche. (Ich habe die Einbettung wieder rausgenommen, nicht aus Überzeugung, sondern aus Vorsicht.)
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La Voix de Deleuze
Hörenstaunen.
Die Universität Paris VIII stellt schon seit einiger Zeit in einem mustergültigen Großprojekt die Audiodateien von Gilles Deleuzes' Kino-Seminaren ins Netz. Und transkribiert sie. Leider keine englische Übersetzung, aber dennoch. (Links unter Themes geht es zu den Datei-Übersichten.) Mehrere hundert Stunden, die Tonqualität ist, so weit ich reingehört habe, ziemlich in Ordnung. (Mit Dank an Björn Quiring für den Hinweis.)
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Would you care?
US-Indies in Ost-Berlin.
«Unknown Pleasures» heißt eine hiermit empfohlene Reihe des Babylon Kinos, die kommenden Freitag mit dem großartigen Two Lovers von James Gray (siehe Text von Ryland Walker Knight in CARGO #2; dort unerwähnt: die toll komponierte Club-Szene) startet und dann einiges abarbeitet, was in den regulären Kinoverleih gehört, dort aber bekanntlich immer weniger ankommt. Neben dem hier schon gepriesenen Adventureland von Greg Mottola, sind auch zwei Filme von Azazel Jacobs, Vintage Mumblecore (2x Justin Rice) und der von Jonathan Lethem im Film Comment vermutlich dann doch über Gebühr gewürdigte Paradise von Michael Almeyreyda zu sehen (hier ein kurzes Interview mit dem Regisseur: Would you care to shed a little light on the film's four movements?).
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No. No.
Übergänge.
Ist das ein Essayfilm? Narrativ? Dokumentarisch? Oder einfach schizophren? Was wir sehen: Zwei Plansequenzen, Unwirtlichkeit einer Stadtlandschaft, Treppen, Aufgänge, Übergänge. Eins: Ein Blick in Bewegung, die nicht schönen Häuser, die Autos, die Straße, ein Nicht-Ort. Der Aufenthalt ist nicht von Dauer, der Blick geht in die Weite, hält sich nirgendwo fest und scheint doch Anflüge von Souveränität zu behaupten im Rundumgang. (Er kommt aus dem Wasser, er endet auf dem Asphalt). Zweiter Teil, zweite Plansequenz: engerer Gang, gesenkterer Blick, Wände, der Zaun, Grenzen scheinen gesetzt und doch geht es weiter.
Wie passt, das ist die Tausend-Dollar-Frage, die Off-Stimme zum Bild? Unterscheiden wir zwischen Teil eins und Teil zwei. In Teil eins berührt das eine das andere zum Schein kaum. Ein Mann beginnt mit philosophischen Überlegungen zur eigenen - nicht in erster Linie sexuellen - Promiskuität. Er sagt also, aus recht weiter Entfernung zunächst auf sich blickend: Ich. Ums Sich-Binden geht es dann, Fotos von Tätern, die einer (ein anderer) abreißt und Katzen (echter Verlust). Hier, in den Bildern verlorener Katzen, ein Sich-Binden, das ungefähr das Gegenteil wäre jenes Verhältnisses, das man zu Nicht-Orten hat wie denen, durch die die Kamera - wofür und für wen immer sie steht - sich bewegt.
Schockartiger Auftritt eines Datums. Am 11. Dezember. Das Ich und seine Paranoia der Unbesiegbarkeit. Was dieses Ich so alles über sich weiß. Aber warum berichtet es so überaus nüchtern, in beinahe klinischer Sprache von sich und seinen Pathologien? Mit dem Datum schnurrt es zusammen. Eine Erzählung beginnt zu entstehen. Von Bekenntnis und Analyse und Aphorismus zur Tat, die erzählt wird. Drei Monate Gefängnis (vorüber), drohender Jobverlust (Euphorie), Schulden (Vision hoffnungsloser Leere). Es war halbvier Uhr. Das Wollen dessen, was man gar nicht will. Das Gebundensein in die im Ich vergesellschafteten Wünsche. Einmal Nein. Zweimal Nein. "No." "No." Un moment decisif, vielleicht, 8'4'': Das Bild und die Off-Erzählung nehmen expliziten Kontakt auf. Ich öffnete eine weitere Dose und blickte auf die North Circular. (Ich gehe jetzt, von der Suggestion der Verbindung angestiftet, davon aus: Was wir sehen, ist die North Circular.)
Ende Teil eins. Wieder Musik. Eine Kriminalgeschichte nimmt ihren Ausgang und das Verhältnis zwischen Bild und Ton wird nun, im zweiten Teil (über den ich ansonsten schweige) intrikater. Momente klarer Deixis, die zugleich fehlgehen. Man sieht den Zaun, aber nicht den Hund. Referenz, ja, aber wegglitschend. Ein ähnliches Verhältnis zwischen dem Gesehenen und dem Gehörten kenne ich nur von Gerhard Friedl. Ich kann nur davor warnen, diesen Film zu unterschätzen. Er heißt Stonebridge Park, dauert knapp zwanzig Minuten, ist von Patrick Keiller, dessen Robinson in Space sehr berühmt ist, und entstand 1981.
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Danny McBride
Cargo-Update, kind of.
Natalie Portmann in Your Highness
Bei IFC gibt es ein längeres Interview mit Darsteller Danny McBride, das sehr direkt an vieles anschließt, das David Gordon Green im Heftinterview in CARGO #3 so erzählt hat. Kurzer Auszug:
You know, our background is independent film, and I think that spirit is something we will never give way from. We're somehow finding careers in Hollywood that I don't think are typical. A lot of times, we look at each other on these different projects we're on, and it's like: "These people should not have let us come in here and do this."
This summer, we shot "Your Highness," this movie I made with David Green, something that Ben Best and myself wrote. It's a big fantasy movie, we had Natalie Portman and James Franco, and every single day, David and I would look at each other and be like: "It was ten years ago that we were shooting 'George Washington,' and now we're in Belfast making this thing."
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Ein paar Links
Listen, News etc.
*Beim Artforum gibt es zwei Ten Best Films 2009-Listen auch online. Die eine ist von John Waters und reicht von Ulrich Seidl bis Lucrecia Martel mit manch Erwartbarem (Brüno), aber auch Unerwartetem (Baader Meinhof Komplex) dazwischen. Die andere Liste ist von Chrissie Iles, Kuratorin am New Yorker Whitney Museum. Bei ihr ist auf Platz eins das folgende Youtube-Video, in dem der Performer John Kelly in drag Joni Mitchells "Blue" vorträgt (via auteursdailytwitter)
*Martin Hossbach von der Spex unterhält sich mit Stefan Pethke über das von diesem kuratierte Programm des Musikfilmfestivals "Unerhört", das vom 4. bis 6. Dezember in Hamburg, dann vom 10. bis 12. in Berlin zu sehen ist (und dann auch noch in Groningen) - mit herausragenden Filmen wie etwa Klaus Wildenhahns Klassiker Was tun Pina Bausch und ihre Tänzer in Wuppertal? von 1983 und auch dem in der oben erwähnten Artforum-Liste von Chrissie Iles auf Platz drei befindlichen Film The Posters Came From the Walls von Jeremy Deller und Nicholas Abrahams ("A documentary on the enduring adoration of ’80s British band Depeche Mode featuring eyelinered fans from Moscow to Los Angeles, England to Iran.")
*Beim Independent gibt es Auszüge aus einem Buch von Geoffrey McNab, in dem RegisseurInnen erklären, welche Filme für sie ganz besonders wichtig waren. Zum Beispiel Lars von Trier über Barry Lyndon, freilich mit kurzer Abschweifung:
I don't know if Kubrick saw any of my films, but I know Tarkovsky watched the first film I did and hated it! That is how it is supposed to be.
*Der Hollywood Reporter erklärt, warum höchstwahrscheinlich Roman Polanskis Robert-Harris-Verfilmung Ghost auf der Berlinale laufen wird.
*Und dann als Bonus endlich mal wieder der Hinweis auf einen Youtube-Filmfund. W.S. van Dykes nicht auf DVD erhältlicher Pre-Code-Krimi Guilty Hands (1931) mit Lionel Barrymore und Kay Francis. Hier die ersten zehn Minuten, die weiteren Abschnitte dann im Anschluss:
Update: Gerade sehe ich, dass es zu Jeremy Dellers und Nick Abrahams oben gleich zweimal erwähnter Depeche-Mode-Fan-Doku The Posters Came From the Walls eine ganz aktuelle lesenswerte Kritik von Owen Hatherly bei Sight and Sound gibt. Kurzer Auszug:
It’s worth comparing this uncomfortable, funny, and melancholic film with, say, Jonathan Caouette’s All Tomorrow’s Parties. This recent music-festival documentary shares a similar formal approach – a montage of fan footage and professional work – to The Posters Came from the Walls. But it’s all about the music, and the eventual effect of this is a deadening of all the things that make music for the masses interesting. The dreams, political, sexual or personal, that are projected on the pop band are all replaced with a curatorial assemblage of Good Music and cheerful hedonism. Deller and Abrahams’ film argues that pop music is, at its best, about almost everything but the music itself.
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This is not America
Zu «Vegas: based on a True Story» von Amir Naderi
Noch ein Film des Jahres: Vegas: based on a True Story von Amir Naderi, über den Lukas Foerster hier schon berichtet hat. Da gräbt einer seinen Garten um und befördert einen ganzen mythologischen Strang der amerikanischen Filmgeschichte an die Oberfläche: Die Goldsuche, die Gier, die Wüste, das Geld der Anderen, die Bilder hinter den Bildern. Ein Film mit einer Pointe, die so zynisch ist, dass die Erzählung einfach weitergeht, als sei die Wahrheit zu unerträglich, um damit einen Film zu enden, der dann aber doch kein anderes findet. Was der «Casino-Kapitalismus» aus der Sicht derer sein könnte, die buchstäblich zum Spielball werden, zeigt dieser Film wie kein zweiter: realistisch und allegorisch in der gleichen Bewegung - Rien ne va plus und in der Ferne glitzert die nächtliche Stadt.
Vegas: based on a True Story (Amir Naderi) USA 2009
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Hundejahre
Eine Familie als Gefangene in einer perversen Zeichenordnung
Eine Familie sitzt zu Tisch. Der Vater, die Mutter, zwei Töchter, ein Sohn. Die Kinder sind beinahe erwachsen, die Mutter sagt nicht viel, der Vater ist eindeutig der Herr im Haus. „Kannst du mir einmal das Telefon reichen?“ Selbstverständlich. Die Mutter reicht den Salzstreuer weiter. In der Welt dieser Familie haben die Begriffe oft andere Bedeutungen als in der Welt des Publikums. Das ist, nicht nur in der Szene beim Essen, die erste Voraussetzung, die der griechische Regisseur Yorgos Lanthimos in Kynodontas (Dogtooth) deutlich macht. Die fünf Menschen, die hinter einem hohen Zaun in einem geräumigen Haus mit großem Garten zusammenleben, teilen mit der Außenwelt nur bestimmte Dinge. Sehr bald wird klar, dass die drei Kinder eine Sondersozialisation durchlebt haben müssen, denn sie legen alle Zeichen der Weltfremdheit an den Tag, stattdessen sind sie in einer Privatmythologie befangen, in die sie wohl der Vater gezwungen hat. (Die Mutter legt Anzeichen einer Depression an den Tag.)
Der Eckzahn (Hundezahn) ist in dieser Privatmythologie von entscheidender Bedeutung, denn erst wenn dieser ausfällt, dürfen die Kinder nach draußen, und auch dann nur in dem Mercedes, in dem der Vater täglich zur Arbeit in einer großen Fabrik fährt (die ihm vielleicht sogar gehört), und von wo er manchmal eine Pförtnerin mitbringt, die sich für die Autofahrt die Augen verbinden muss und dann dem Sohn sexuell zu Diensten ist, später sich von einem der Mädchen das Geschlecht (sch)lecken lässt. Diese Christina bringt auch Videokassetten ins Haus, und damit neue Eindrücke, und neue Fragen: Was ist eine Pussy? Eine Pussy ist ein Lichtschalter, antwortet die Mutter. So funktioniert Gegenaufklärung.
Kynodontas bezieht seine Spannung aus der erzählerischen Offenheit. Es wird nie auch nur in Ansätzen klar, wie der Vater auf dieses Familienexperiment verfiel, warum er seine Kinder wie in einem Käfig hält, wovor er sie schützen oder zurückhalten möchte. Er wirkt ein wenig wie ein Wiedergänger der Hauptfigur aus Marco Ferreris Dillinger è morto, dort bleibt der von Michel Piccoli gespielte Mann einen ganzen langen Abend mehr oder weniger mit sich und seinen seltsamen Spielchen allein. Kynodontas wirkt nun wie eine Erweiterung ins Soziale der planvollen Regression bei Ferreri.
Den Film beherrscht ein Moment der Dressur, das durch eine spezifische „Tierwerdung“ verstärkt wird: Die Kinder müssen lernen, wie Hunde zu sein, weil die Katze vorgeblich den (von Beginn an abwesenden) Bruder zerfleischt hat. In einer großartigen Szene versucht sich eine der Schwestern, die gerade einen Rocky-Film mit Sylvester Stallone gesehen hat, vor dem Spiegel als Rocky Balboa. Die Deformationen ihrer Gesichtszüge sind umso grotesker, als sie absichtlich und ohne Einwirkung der Fäuste eines Gegners zustande kommen, und das ist dann auch das Zentrum des Schreckens in Kynodontas: es gibt kein Gegenüber. Wir blicken in eine geschlossene Situation, die allmählich aufbricht, aus der Yorgos Lanthimos aber den einen Ausweg nicht anbietet, der allein für Beruhigung sorgen könnte: den einer Erklärung. Kynodontas bleibt bis in die perfekt gesetzte letzte Szene ein hermetisches Universum, aus dem nur ein Name hinausführt, den sich eines der beiden Mädchen irgendwann gibt: Es heißt nun „Bruce“. Nach wem? Diese Selbsttaufe ist der erste Schritt in eine Korrespondenz zwischen Begriffen und Dingen, Namen und Menschen, die nach Kynodonthas plötzlich unerwartet attraktiv ist und gar keiner Dekonstruktion zu bedürfen scheint. Ist das vielleicht der eigentliche Horror dieses Films?
Kynodonthas (Dogtooth), Griechenland 2009, Regie: Yorgos Lanthimos
Heute, Samstag 28. November bei Around the World in 14 Films im Babylon Mitte, Berlin, vorgestellt von Stefan Krohmer
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Murder, My Sweet
Zu «Accident» von Cheang Pou-Soi
Ein Film über sorgfältig geplante Auftragsmorde, die als Unfälle getarnt werden. Hier wird niemand hinterrücks erschossen oder im Fahrstuhl erwürgt. Man kann auch an einem elektrisch geladenen Kinderdrachen sterben. Toll an Accident ist, dass der Film die Grenzen seines Genres so genau kennt, dass er sie nie vollständig übertreten muss, um von Außen auf sie zu blicken. Déformation professionelle bedeutet hier: in jedem Unfall eine mörderische Choreographie ablaufen zu sehen. Alles eine Frage der Perspektive, des parallax view, der infizierten Wahrnehmung. Wer etwas sieht, kann sich getäuscht fühlen. Damit spielt das Kino immer. Schlimmer als jede Paranoia ist aber der Verdacht, dass etwas tatsächlich einfach nur zufällig passiert ist, also nicht nur anders hätte sein können, sondern keinen eigentlichen Grund hat. Davon handelt dieser fast rein visuell erzählte Film: Der Unfall als Grenze der Sinnstiftung. Ein metaphysischer Thriller, der nicht einfach ein Genre zerlegt (who cares), sondern die dazugehörigen Erzählroutinen als Regelwerke vorführt, die sinnlosen Ereignisketten eine Bedeutung verleihen. Das Finale von Accident macht deutlich: Wenn die selbstverständlichen Verknüpfungen wegbrechen, schauen die Menschen geblendet und schicksalsergeben in den Himmel, weil sie die Zeichen nicht mehr deuten können. Genrekino ist diesem glasklaren Film: ein System der Unfallvermeidung.
Yi ngoy / Accident (Cheang Pou-Soi) Hongkong 2009
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TIFF Liste
Top 50.
Nein, keine Angst, ich habe nicht vor, jetzt jede neu auftauchende Top-Liste mit Filmen der Nullerjahre hier zu verlinken. Eine aber geht auf jeden Fall noch, weil sie nämlich sehr interessant ist. Ermittelt ist sie nach einer Umfrage des Toronto International Filmfestival bei den wichtigsten Filminstitutionen weltweit. Die Top Ten gleich hier unten aufgelistet, den Rest kann man bei Indiewire nachlesen. Diese Liste ist ziemlich genau das Gegenstück zu der kürzlich erwähnten der London Times - also: quasi nur Filmkunst und Arthouse drauf. Kein einziger richtiger Hollywood-, kein Bollywoodfilm. Zu meiner eigenen Irritation stelle ich fest, dass ich eigentlich sehr einverstanden bin mit der Auswahl (Russian Ark, ein Film, der mich schrecklich genervt hat, ist für meine Begriffe der schlimmste Missgriff unter den Anwesenden; Pan's Labyrinth hat mich auch schwer gelangweilt; so richtig definitiv vermisse ich auf Anhieb aber nicht viel - Tiraden in den Kommentaren freilich sehr willkommen).
1. Syndromes and a Century (Apichatpong Weerasethakul, Thailand) – 53 votes
2. Platform (Jia Zhang-ke, Hong Kong, China/China/Japan/France) – 49 votes
3. Still Life (Jia Zhang-ke, China) – 48 votes
4. Beau travail (Claire Denis, France) – 46 votes
5. In the Mood for Love (Wong Kar-wai, Hong Kong, China) – 43 votes
6. Tropical Malady (Apichatpong Weerasethakul, France/Thailand/Germany/Italy) – 38 votes
7. The Death of Mr. Lazarescu (Cristi Puiu, Romania) – 35 votes
Werckmeister Harmonies (Béla Tarr, Hungary) – 35 votes
8. Éloge de l’amour (Jean-Luc Godard, Switzerland/ France) – 34 votes
9. 4 Months, 3 Weeks, 2 Days (Cristian Mungiu, Romania) – 33 votes
10. Silent Light (Carlos Reygadas, Mexico/France/Netherlands) – 32 votes
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Carax Lavant Tokyo
Clip.
Ich habe schon mancherlei - vor allem Verstörtes - gelesen insbesondere über Leos Carax' Episode im Drei-Episoden-Film Tokyo (neben Carax noch: Michel Gondry und Bong Joon-Ho), in der Carax seinen Fetisch-Darsteller Denis Lavant auf Tokio loslässte. Jetzt kann ich mir aber auch ein Bild machen, das freilich nichts in Richtung Eindeutigkeit klärt (via shadowplay):
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James Benning im Gespräch
Neu in unserem Webmagazin: Ein Audio-Gespräch mit James Benning, das Cristina Nord geführt hat:
Zum ersten Mal in seinem Leben hat James Benning außerhalb Nordamerikas gefilmt, zum ersten Mal mit einer Digitalkamera. Das Resultat heißt Ruhr, hat sechs je zehnminütige und eine einstündige Einstellung und kann sich nicht sattsehen am gelben Wasserdampf, der aus dem Kühlturm einer Kokerei quillt. Cristina Nord begegnete Benning im Rahmen der Duisburger Filmwoche und sprach mit ihm über seine Herkunft aus einer deutschstämmigen Arbeiterfamilie, den Niedergang seines Viertels in Milwaukee und über die Sichtbarkeit von Zweigen, die aus dem Bildkader springen.
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Liverpool-Dreh
clips.
Für wie bedeutend ich den argentinischen Filmemacher Lisandro Alonso halte, habe ich noch nicht abschließend mit mir geklärt (Los Muertos fand ich durchaus beeindruckend). Auch habe ich seinen neuen Film Liverpool, da leider beim WCF-Spotlight tübingenhalber verhindert, noch nicht gesehen. Klar ist aber, dass Alonso als eine der wichtigen neueren Stimmen des Festival-Weltkinos gilt. Und so hier als Vorgeschmack auf Liverpool für all jene, die ihn auch noch nicht gesehen haben, zwei Making-of-Clips zum Film (via Hot Splice):
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Levinson Haneke
Barry Levinson hat für den US-Bezahlsender Showtime einen Doku-Essay mit dem Titel Poliwood gedreht, über die Conventions der Republikaner bzw. Demokraten 2008. Alessandra Stanley hat für die New York Times eine unfreundliche Kritik zu Levinsons Film geschrieben. Und Barry Levinson lässt sich das nicht gefallen. In der Huffington Post - ausgerechnet, könnte man sagen - schreibt er ausführlich zurück. Die einzelnen Argumente finde ich, solange ich den Film nicht kenne, nicht so interessant, sehr viel mehr schon das, was er grundsätzlich dazu schreibt, wie sich MacherInnen und KritikerInnen zueinander verhalten:
As I write this, I realize I am about to do something that, for the most part, is never done. I am going to criticize a critic. Filmmakers are never supposed to respond to a critic about their work. It's an unspoken rule of engagement.
Mag schon sein, dass das eine Regel ist; aber dann ist sie blöd. Ich jedenfalls bin sehr dafür, von FilmemacherInnen zurückkritisiert zu werden. Klar, zu Schlammschlachten soll sich sowas nicht auswachsen, aber hinter dieser ganzen Idee, dass man über Kritik drüber stehen sollte, steckt eine Konsens- und Harmonie-Ideologie, die Diskurse nicht befördert, sondern im Keim erstickt. Ich hab auch schon zu hören bekommen, dass man die Namen von KritikerInnenkollegen, mit denen man uneinverstanden ist, nicht nennt. Ich halte von solcher Vornehmheit jedenfalls nichts. Und mag Widerspruch, auch der unfreundlichen Art, schon deshalb, weil ich selbst ja nur in den seltensten Fällen wirklich zu hundert Prozent meiner eigenen Meinung bin. Im Erkennen der teilweisen Uneinverstandenheit mit sich selbst wird man doch allemal nichts als schlauer. (via scannersblog)
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Und hier noch, wo ich schon einmal einen Eintrag aufgemacht habe, ein Zitat aus einem interessanten Interview, das Alexander Horwath mit Michael Haneke für den amerikanischen Film Comment geführt hat. Und zwar genau zur Frage, wie sich die Lektüre- und Denkarbeit zwischen Filmemacher und Zuschauerin verteilt:I always look for the places in a story where leaving things open can become really productive for the viewer. I often compare filmmaking with building a ski jump; the actual jumping should be done by the audience. For the filmmaker, this is pretty hard—it’s much easier to do the jump yourself, to do it for the viewer. Because there’s always the fear of frustrating them. What do I have to indicate? What do I leave out? How much can I not spell out when constructing a film and still not frustrate the audience? Such strategies have become widely accepted in modern literature, but much less so in cinema. That’s a bit sad.
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Assayas: Carlos (Cargo Update)
FRA, US.
Unser Gespräch mit Olivier Assayas in CARGO #2 drehte sich zu nicht unwesentlichen Teilen um seine mehrteilige Verfilmung der Geschichte des Terroristen Carlos. Jetzt gibt es Neuigkeiten zu Sendeterminen, Verkäufen etc. Variety meldet, dass die Ausstrahlung auf dem produzierenden Fernsehsender Canal Plus in Frankfreich für "early next year" geplant ist. Die US-Rechte sind auch schon verkauft, IFC bringt die kürzere Kinoversion im Herbst heraus, die Mini-TV-Serie läuft auf dem Sundance Channel. Über die Aussichten für einen deutschen Kinostart ist mir noch nichts bekannt. Bewegtbilder von den Dreharbeiten gibt es hier bei Arte.
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Super To Be Number One
Blindlings.
Ah, Haneke-Soundbite der Woche:
It’s super to be number one, I’m very happy. I am surprised Caché was a success because it wasn’t an easy film. Perhaps audiences aren’t as stupid as mainstream film-makers often think.
Nee, klar. Gute Gelegenheit, auf Carsten Zorns Kommentar zur Haneke-Debatte beim Perlentaucher hinzuweisen, dem ich sehr zustimme, was jetzt niemanden wundern wird, der mir aber so prinzipiell wichtig scheint, dass ich ihn länglicher zitiere:
Ich meine den Umstand, dass es ja zunächst so scheint, als könnten beide sich im Grunde auf einen gemeinsamen Grundsatz, Anspruch und Ausgangspunkt einigen. In den Worten von Wolfram Schütte: "Ich gebe zu, dass ich mich … in der Kultur besser aufgehoben und animiert sehe, wenn ich mich als (Mit)Produzent … angesprochen sehe & fühle." Tatsächlich kann man unter dieser allgemein gewünschten, und immer wieder gern geforderten Möglichkeit zum 'Mitproduzieren' aber eben sehr Unterschiedliches verstehen. Nimmt man seine Ausführungen zusammen, so meint etwa Wolfram Schütte damit, so fürchte ich, eigentlich nicht viel mehr, als dass ein Film, ein Werk, ein Produkt der Popkultur dem Rezensenten ein bisschen Arbeit abverlangen sollte – und darunter dann vor allem die Rekonstruktion der darin waltenden Konstruktionsprizipien sozusagen. Oder böse gesagt: Es geht dann allein um die Bestätigung gelungener Bildungsbürger-Biographien – dadurch dass man immer wieder erfährt und erlebt, dass man den Herausforderungen gerecht wird, die ein Werk an sein 'Verstehen' stellt.
Der Anlass ist aber ein anderer, besondererer: Die Londoner Times hat mal wieder eine Liste gemacht, und zwar der hundert wichtigsten, besten oder wasauchimmer Filme der Nuller Jahre. Auf Platz eins landet, eben, Michael Hanekes Caché ("It's Super to be Number One"). Der Rest ist die erwartbare Mainstream-Arthouse-Kacke. Ein paar tolle Filme drunter, viele okaye und noch mehr bescheuerte. Aber von den wirklich wichtigen Sachen natürlich nichts, insbesondere ist das natürlich eine kapitale Asien-Blindheit: kein Apichatpong, kein Hong, kein Tsai, kein Lav Diaz, kein Jia, aus Deutschland nur, auch klar, Das Leben der Anderen, Der Untergang, aus Österreich nur Haneke, dafür mehrfach, das französische Kino ist in seinen relevanten Teilen völlig weggeblendet, von Gus van Sant ausgerechnet Milk etc. etc. Das Traurige ist nur, dass sich in dieser Liste etwas wie justament der Konsens zusammengerottet findet, gegen den Projekte wie CARGO oder natürlich auch Revolver auf sehr peripherem Posten stehen. (Wobei es zugegebener Maßen bei Revolver mehr Haneke-Fans gibt als hier.)
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Keine vergangene Woche
Stand der Dinge, resp. Zukünftiges.
Da ich in Tübingen war und damit etwas aus der Welt - und der Online-Welt schon gar mit einer so lahmarschigen wie wackligen Internet-Verbindung im Hotel -, nur ganz kurz zwei Hinweise auf interessante Sachen der vergangenen Woche.
Zum einen berichtet die Los Angeles Times über eine Aktion des Super-Agenten Ari Emanuel (s. Starsystem in CARGO #1), der für Panik in Hollywood eher keinen Anlass sieht, weil er im Jahr 1970 eine Präzedenz erkennt - es folgt ein spannender Artikel über den Moment, auf den der Durchbruch der neuen New-Hollywood-Talente folgte:
But guess what? This ain't the first time that Hollywood has tried to get tough and dump all that expensive talent baggage. That's the message that WME boss Ari Emanuel delivered to his troops recently, sending out to all his agents a copy of a 1970 Life magazine that detailed Paramount Pictures' efforts to revamp its business by jettisoning most of its costly star talent... What finally got the studios back in business, as the '60s ended and the '70s began, was something in short supply today -- a willingness to take risks on new filmmakers and adventuresome material.
Derzeit geht die Entwicklung, wenn man dem Wall Street Journal glauben darf, allerdings in eine etwas andere Richtung:
Toys now are receiving the same A-list treatment that any bankable movie star here has come to expect. That includes top billing and contracts with special perks. They even have their own talent agents.
Und ganz etwas anderes, oder jedenfalls fast: Christoph Hochhäusler träumt in seinem Blog davon, wie das Filmemachen aussehen könnte, gäbe es nicht die Zwänge zum Beispiel der Produktion. Eigentlich geht es ihm aber um eine grundsätzliche Befreiung der Kino-Ästhetik:
Wonach ich mich aber sehne, durchaus im Sinne von Coppolas Idee, technisch weniger hochgezüchtet vielleicht, wäre ein sukzessives Arbeiten an einem Film. Ich würde gerne Prototypen von Szenen bauen, sie überprüfen, verbessern, verwerfen (mit verschiedenen Schauspielern zum Beispiel, verschiedenen Kameraleuten etc), also so vorgehen, wie in jedem anderen Designprozess auch. Ich hätte gerne die Möglichkeit, an dem einen Problem geduldig und in kleinen Schritten zu arbeiten, das andere aber spontan und roh zu bearbeiten.
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Die Vergangene Woche (KW 44)
Highlights.
Still aus Norodom Sihanouks Spielfilmdebüt Apsara
Vor nicht allzu langer Zeit hat Tilman Baumgaertel, Filmwissenschaftler und Kritiker, die Philippinen verlassen - und lehrt jetzt an der Royal University of Phnom Penh. Das war zwar einerseits ein herber Schlag für die Berichterstattung über das philippinische Kino - im Moment eines der spannendsten der Welt -, andererseits ein großer Gewinn für diejenigen, die sich fürs kambodschanische Kino interessieren. Baumgaertel bloggt nämlich fleißig weiter und berichtet im Moment gerade von einer Retrospektive mit demTitel Golden Reawakening (ein dazugehöriges Blog). Im jüngsten Eintrag - übrigens taucht in einem der vorigen aus heiterem Himmel Detlev Buck auf - geht es um die Filme des international bekanntesten kambodschanischen Filmemachers, Norodom Sihanouk. Bekannt ist der natürlich weniger als der produktive Regisseur, der er war, denn als König. Baumgaertel weist darauf hin, dass man auf der Website von Sihanouk selbst Ausschnitte aus seinen Filmen sehen und downloaden kann. Er schreibt dazu:
A longer analysis of his films has to wait for the time being, so it needs to suffice here to say that his films were subject of some controversy when they were released. While much of the monarchist press praised them for obvious reasons, others were less enthralled. While some argue that these films were a way of reaching out to an audience that was often illiterate and knew little about the history of their own country, other see them as self-indulgent self-portraits of a tiny upper class that lived a live of luxury very detached from the realities of the average Cambodian.
Zum Thema philippinisches Kino passt wiederum die Nachricht, dass Quentin Tarantino an den von uns kürzlich video-interviewten Regisseur Brillante Mendoza einen Brief (hier im Wortlaut) geschrieben hat, in dem er dessen in Cannes gezeigten Film Kinatay lobt.
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Vor ein paar Tagen ist hier in Berlin das 2. Asian Women's Film Festival zuende gegangen. Es ist mir aus Zeitgründen nicht gelungen, auch nur einen der Filme des hoch interessanten Programms zu sehen. Was ich aufrichtig bedaure. Besonders spannend schien der Einblick, den man dabei in die nordkoreanische Filmproduktion erhielt, die natürlich aus auf die eine oder andere Weise propagandistischen Filmen besteht. Momus hatte in seinem Blog schon vorausgeblickt, und kommt in einem anderen Kontext noch einmal darauf zurück:
I must say I'm enjoying immensely the North Korean films at the Asian Women's Film Festival (ongoing here in Berlin). What I find so refreshing in these films is precisely their propagandistic intent. Rather than disrupting or engaging in dialogue, they lay out as didactically as Brecht's Lehrstücke the ideology of the party. They also transform this ideology into a code of ethics to live by, and a system of family, work and community relations.
Bei Momus verlinkt ist auch ein Ausschnitt aus einem der gezeigten Filme, The Flower Girl, nach einer Oper, geschrieben vom großen Führer King Il-Sung:
Lukas Foerster hat auch ein paar der Filme gesehen, aber bisher leider nur kurz getwittert dazu ("a bellflower: nordkoreanisches propaganda-melo, sehr evokativ, die farben des real existierenden konfuzianistisch-faschistischen sozialismus")
Und, zum Thema passend: Eine Bildergalerie von recht trostlosen Eindrücken aus einer nordkoreanischen Videospiel-Arcade.
Weitere Links, Hinweise etc.
Der Manny-Farber-Gesammelte-Filmtexte-Band der Library of America ruft weiter Reaktionen hervor: Duncan Shepard schreibt über Manny Farbers Schreiben, während Glenn Kenny die sehr schöne Idee hatte, sich einmal Farbers erklärte Lieblingsfilme des Jahrs 1951 anzusehen - und zu erproben, wie haltbar die Urteile nach mehr als einem halben Jahrhundert sind. Er beginnt mit Charles Marquis Warrens Little Big Horn.
Wiederum Glenn Kenny hat ein zweites Mal Spike Jonzes Boxoffice-Anführer Where The Wild Things Are gesehen - und mag ihn noch weniger als beim ersten Mal.
Sascha Westphal porträtiert für die Welt den zwischen deutschem Fernsehen (Tatort) und amerikanischer Independent-Szene und eigenen kriminalliterarischen Werken sowie zwischen Los Angeles und Berlin aufs Ungewöhnlichste pendelnden Regisseur und Autor Buddy Giovinazzo.
Das Blog Bioscope berichtet ausführlich - und in Gestalt eines anonymen Gastautors - vom Stummfilmfestival im italienischen Pordenone. Hier der jüngste Eintrag, unten die Links zu den vorhergehenden.
Screendaily erklärt, warum der japanische Markt für ausländische Independent-Filme (wie in geringerem Maß auch für Hollywood-Filme) mehr oder weniger zusammengebrochen ist.
Janko Roettgers beim immer lesenswerten NewTeeVee mit einer aufschlussreichen Interpretation von Statistiken, die darauf hinzuweisen scheinen, dass Streaming (von YouTube bis zShare) dabei ist, Filesharing als beliebtestes Instrument des Online-Bewegtbildkonsums abzulösen.
National Geographic hat eine Bildergalerie mit Aufnahmen des für seine Kriegsfotografien weltberühmten Fotografen James Nachtwey zum Thema Islam in Indonesien. (Problematisch wie alles von Nachtwey, finde ich. Aber sehen Sie selbst.)
Update: Ah, glatt vergessen, wollte ich aber auf jeden Fall noch verlinken. Christoph Hochhäusler freut sich auf kommende Filme, auf die wir uns mindestens ebenso freuen.
Und noch was: Bei Movies & Sports eine interessante Liste der gesamteuropäisch erfolgreichsten Filme des Jahres. (Dort auch, sehe ich jetzt, der Tarantino-Brief an Mendoza im Scan.)
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Nationalpsychose
Ob Herr Knörer unter einer «deutschen Psychose» leide, fragt Wolfram Schütte in seiner Replik auf den Haneke-Text des Kollegen beim Perlentaucher - nachlesen und mitdiskutieren kann man hier.
Update: hier
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Jackass mit Ratte
Seppuku.
Regisseur Spike Jonze hat mit der Kinderbuchverfilmung Where The Wild Things Are der höchst turbulenten Vorgeschichte zum Trotz die amerikanischen Kinokassen erobert; die 32 Mio $ Einspiel sind sogar deutlich mehr, als sich Optimisten erhofft hatten. Und nun taucht ein auch schon länger angekündigter Kurzfilm auf, verspätet, dafür aber umsonst und draußen, nämlich auf Vimeo. Und nun auch bei uns. Das ganze ist eine Art Musikvideo, mit Kanye West (jüngst von Barack Obama als "jackass" tituliert), zu einem Remix seines Songs "See You In My Nightmare". Der überall sonst zu lesende Hinweis, dass das Durchhalten - bis ins Badezimmer - lohnt, ist berechtigt und sei auch hier wiederholt.
Update: Tja, und da war's wieder weg. Das Netz gibt, das Netz nimmt - und irgendwann gibt es auch wieder. Wir halten die Augen offen.
Nochmal Update: Habe es jetzt durch die noch vorhandene Youtube-Version ersetzt:
Nächstes Update: Und, schwupps, wieder weg.
Aber hier, zwar nicht mehr einbett- aber noch ansehbar.
(via)
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Henckel Tourist Jolie
Besetzungscouch.
Kleine Nachricht aus der großen Welt: Es sieht so aus, als hätte Deutschlands bedeutendster Henckel nun in Hollywood nach langem Suchen die passende Tasse gefunden. Der Topf, auf den der Henckel gerüchteweise als Deckel passt, heißt The Tourist und als hauptdarstellende Interpol-Agentin figuriert Angelina Jolie, die zuvor Charlize Theron beiseite geräumt hat. Etwas mehr dazu hier.
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Weltuntergang in Hollywood
Exitus.
Etwas oder es geht zuende in oder mit Hollywood. Das Geld geht aus. Studiobosse werden gefeuert. MGM und Paramount vor dem Exitus. Ein Weinbauer namens Coppola führt das große Wort, irgendwo draußen vor der Tür und des Guardian Mann in LA schreibt mit. Die Fakten: Im nächsten Jahr ein Drittel weniger Filme, eher 400 als 606. In der Welt am Produkt weniger Interesse, in Japan steigt die Quote einheimischer Filme von 5 auf 65 %. In Zukunft nur noch Harry Potter. Oder Kino als Live-Konzert, glaubt jedenfalls der Weinbauer namens Coppola. Nachzulesen ist das apokalyptische Szenario in diesem Artikel: "The cinema as we know it is falling apart".
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Die Vergangene Woche (KW 43)
Rogues, No Film School
Der Fall Polanski und kein Ende. Nun melden sich, streng und scharf urteilend, Alice Schwarzer und, Elisabeth Bronfen die moralischen und auch die Altersgrenzen des Erotischen verunklaren lassend, Rüdiger Suchsland zu Wort. Die Welt hat einen Text des Autors Martin Amis aus dem Jahr 1979 ausgegraben, in dem er Polanski interviewt. Amis eröffnet mit einem Zitat des Regisseurs, das einen schnurstracks Alice Schwarzer in die Arme treibt:
"Als ich vom Hotel zur Polizeiwache gefahren wurde, war im Autoradio schon die Rede davon. Die Nachrichtenleute haben bei der Polizei angerufen, noch bevor ich verhaftet wurde, um rauszukriegen, ob sie die Nachricht als Erste bringen könnten. Es war nicht zu fassen. Ich dachte, ich würde gleich aufwachen. Wenn ich jemanden umgebracht hätte, wäre das für die Presse nicht so spannend gewesen, verstehen Sie? Aber... Ficken, verstehen Sie, und die jungen Mädchen. Richter wollen junge Mädchen ficken. Geschworene wollen junge Mädchen ficken – alle wollen junge Mädchen ficken! Nein, da wusste ich, das wird wieder eine richtig große Sache.“
Weitere Links, Hinweise etc.
1450 Dollar übrig, Lust, 25 Dollar gleich zu Beginn schon mal auf Sieg zu setzen? Dann nichts wie bewerben zu Werner Herzogs "Rogue Film School". In LA findet die Veranstaltung im Frühjahr 2010 erstmals statt, die üblichen Regeln gelten nicht, dafür andere, siehe hier (und ein Auszug):
Related, but more practical subjects, will be the art of lockpicking. Traveling on foot. The exhilaration of being shot at unsuccessfully. The athletic side of filmmaking. The creation of your own shooting permits. The neutralization of bureaucracy. Guerrilla tactics. Self reliance.
Related, but more reflective, will be a reading list: if possible, read Virgil's "Georgics", read "Hemingway's "The short happy life of Francis Macomber", The Poetic Edda, translated by Lee M. Hollander (in particular the Prophecy of the Seeress), Bernal Diaz del Castillo "True History of the Conquest of New Spain".
Michael Mann dreht mal wieder ein Biopic und verfilmt - für seine Verhältnisse wohl eher Low Budget - das Leben des Kriegsfotografen Robert Capa, unter besonderer Berücksichtigung des Spanischen Bürgerkriegs und auch von Capas Liebesbeziehung mit der Fotografin Gerda Taro. Wie es um die schon länger angekündigte Don-Winslow-Verfilmung Frankie Machine steht, die eigentlich das Public-Enemies-Anschlussprojekt zu sein schien, ist auf die Schnelle nicht zu eruieren. Keine neuen Nachrichten sind da aber eher schlechte Nachrichten, vermute ich.
Interessante Besprechung der ersten großen Robert-Altman-Biografie in der New York Times.
Dass man die Namen Jackie Chan und Jia Zhang-ke einmal in so großer Nähe nebeneinander sehen würde, wie zum Beispiel in diesem Satz hier, war vor ein paar Jahren auch eher nicht vorstellbar. Nun aber hat Jias Produktionsfirma X Stream Pictures eine Road-Movie-Komödie mit dem Titel Flying Duck angekündigt, in der die Hauptrolle zu spielen Jackie Chan offenbar ernsthaft erwägt. (Jia wird aber nicht Regie führen.)
Wir hatten das vor fast einem Jahr schon mal gemeldet, aber die Sache macht gerade wieder die Runde: Breat Easton Ellis schreibt ein Drehbuch zur tragischen Doppelselbstmord-Geschichte von Theresa Duncan und Jeremy Blake. Das ganze beruht auf dieser höchst lesenswerten Vanity-Fair-Reportage - und der Grund, aus dem das alles jetzt noch einmal Nachrichtenwert hat: Auch Gus van Sant ist - wenngleich noch nicht offiziell als Regisseur - nun mit an Bord.
Das Magazin Salon.com hat Leute wie James Toback und Mary Harron, aber auch die Blogger Glenn Kenny und Aaron Hillis nach ihrem Lieblings-Coen-Brothers-Film gefragt.
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Zukunft des Kinos
The Greenaway Version.
Von der Zukunft des Kinos macht sich ja jeder so seine eigene Vorstellung. In einem lesenswerten Artikel bei Moving Image Source erklärt Leo Goldsmith, wie Peter Greenaway dazu kam, das Kino, wie wir es kannten, für tot zu erklären - und mit der Zukunft, wie er sie sieht, weiterzumachen. Einen etwas verwackelten Eindruck davon kann man sich auch auf Youtube machen. Da nämlich ist ein VJ-Set zu sehen, bei dem Greenaway selbst seine Film-Trilogie The Tulse Luper Suitcase zum nonnarrativen Multi-Screen-Live-Event umgestaltet.
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(Eigen) Werbung II
Noch'n Hinweis.
Wo ich schon mal dabei bin. Zwei Wochenenden später findet an der Evangelischen Akademie Schwerte eine Tagung unter der Überschrift "Im Angesicht des Verbrechens" statt. Der Titel ist von Dominik Grafs gleichnamiger Fernsehserie geborgt, die im Herbst 2010 in der ARD ausgestrahlt werden wird. Es geht auf der Tagung nicht (direkt) um diese Serie, aber unter anderem sehr wohl um Dominik Graf. Nämlich seinen Film Süden und der Luftigitarrist (mehr dazu) nach der Romanvorlage und nach Drehbuch von Friedrich Ani. Ani wird ebenso wie Graf auf der Tagung anwesend sein. Außerdem eher Wissenschaftliches zu Krimi-Fernsehfragen. Anmeldung jederzeit möglich. Überblick hier, genaues Programm hier als pdf und hier von Google freundlicherweise in HTML übersetzt.
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Schanelec Orly
Dreh.
Symbolfoto
Wer etwas bzw. Neues wissen will über Angela Schanelecs nächsten Film Orly, Poem 1-4, der kann sich diesen Arte-Beitrag ansehen: da gibt's ein Statement der Regisseurin und Bilder vom Dreh. Der Film besteht aus Episoden in Dialogen, verzichtet auf jede künstliche Beleuchtung, schmiegt sich und seine Figuren in den Alltag des Flughafens, ist auf Französisch gedreht und mit dabei sind Emile Berling (Sohn von Charles), Natacha Régnier und Bruno Todeschini.
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Hugo "Call Me Joe" Boss
Preiswürdig.
Es gibt also einen Hugo Boss Prize, den die Solomon R. Guggenheim Foundation vergibt. Er hat keine Alters- oder Nationalitäten- oder Kunstspartenbegrenzung. Tacita Dean (2006) und Emily Jacir (2008) waren die letzten Preisträgerinnen. Dotiert ist er mit 100.000 Dollar. Nominiert für 2010 sind: Cao Fei (die chinesische Künstlerin wird in diesem arte-Beitrag vorgestellt), Hans-Peter Feldmann (alter Hase mit Sammeltrieb), Natascha Sadr Haghighian (mehr zu ihr bei arsenal experimental), Roman Ondak (Begrüner des slowakischen Pavillons bei der Biennale in Venedig in diesem Jahr), Walid Raad (Lecture-Performer, Autobombenforscher, Atlas Group) - und kein anderer als Apichatpong Weerasethakul (hier keiner Vorstellung bedürftig), um dessen erste große Anerkennung im Kunstbetrieb es sich dabei meines Wissens handelt. Bekanntgabe des/r Gewinners/in: Herbst 2010. Belohnung: Solo-Ausstellung im Guggenheim-Museum, New York. (via)
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Die Vergangene Woche (KW 42)
Rückblick.
Manny Farber
Bereits letzte Woche hatte ich ein wenig populisches Grummeln angesichts der angeblich zu cinephilen Auswahl fürs New York Film Festival (NYFF) erwähnt. In dieser Woche zielte eher überraschender Weise auch A.O. Scott von der New York Times in diese Richtung. Scott ist sicher kein Populist und wenn ihm jemand etwas vorwirft, dann höchstens - unsinnigerweise - mangelnden Stallgeruch, weil er von der Literatur zum Film kam. Man kann seine Bedenken, die er auf den Begriff des "Festivalismus" bringt, also nicht einfach abtun. Das Argument, bzw. die Argumentkette, ist ziemlich konsistent, ich zitiere etwas ausführlicher, um darauf eingehen zu können:
What was once a wide and crowded middle ground between popular taste and high art has eroded, and that territory has frequently been demarcated and defended by institutions like the Film Society. Ideally and at its best, the kind of high-minded middlebrowism represented by the New York Film Festival could provide a bridge for curious patrons, a path from the familiar and the fun toward the rarefied and the difficult, as well as a yearly sampling of world cinema in all its protean abundance.
But festivalism lives in a high castle, surrounded by a moat not entirely of its own construction. Today’s festival system, which assiduously scouts new locations and sponsors despite economic trouble, promotes a transnational fraternity of directors, journalists and, well, festival programmers. This is not a bad thing, but it is a mixed blessing. The festival world is gratifyingly cosmopolitan — so many movies from so many places! — yet it can also feel narrow, small and self-regarding.
Erstens konstatiert Scott, dass sich die gesamte Stratifizierung der Filmszene verändert hatte: aus einem dreigliedrigen in ein weitgehend zweigliedriges System. Mit dem "Mittelbereich", von dem er spricht, meint er wohl kaum die bestenfalls nicht weiter schmerzhaften, in aller Regel aber doch sehr uninteressanten Arthaus-Filme, die in deutschen Großstädten die Programmkinos füllen und vor allem dadurch auffallen, dass sie keinerlei ernsthafte Kunstanstrengungen unternehmen. (Das ist die eine Sorte Film, die bei uns im Ranking nicht auftaucht.)
Eher meint er, so würde ich es jedenfalls verstehen, Filme von Regisseuren, die den interessierten Teil eines nicht speziell kinobegeisterten Publikums ansprechen. Das, was zuletzt vielleicht Kaurismäki und Almodóvar und früher noch Woody Allen einmal waren (bevor sie zur Marke und etwas langweilig wurden), vielleicht auch noch Kiarostami, in den späten Neunzigern: Autoren, die einen mittleren Grund mit gemeinsamem Nenner für Cinephile und allgemein Kulturinteressierte bildeten.
Und ich glaube, er hat da in einer Hinsicht nicht unrecht. Dieser gemeinsame Nenner existiert kaum noch. Pedro Costa, Bruno Dumont, Bong Joon-Ho, sogar Claire Denis und auch Jacques Rivette (alle beim NYFF dieses Jahr) sind - nicht nur in Deutschland - Namen, die außerhalb sehr überschaubarer Zirkel keinem (mehr) etwas sagen. Die Ursache sind aber weniger diese Filme, denke ich - denn keiner wird sagen können, dass das Werk von Michelangelo Antonioni oder Ingmar Bergman per se "zugänglicher" war; und keiner wird sagen können, dass Maren Ades Alle Anderen sonderlich unzugänglich ist (in Deutschland war er übrigens vergleichsweise recht erfolgreich - US-Verleih hat er aber nach wie vor keinen). Die Ursache liegt vielmehr darin, dass es ein größeres Publikum, das im Ernst für Kunstanstrengungen aufgeschlossen ist, nicht mehr gibt. (Und zwar weder eines bildungsbürgerlichen noch popkulturellen Zuschnitts. Und schon gar nicht eines Zuschnitts, der beides selbst noch einmal zu vermitteln verstünde.)
Obwohl ich die Diagnose also in einer Hinsicht teile, glaube ich, dass der "Festivalismus"-Vorwurf das Pferd von der falschen Seite her aufzäumt. Festivals sind die Orte, an denen solche Filme gezeigt, gesehen, diskutiert werden genau deshalb, weil man sie anderswo kaum noch zu Gesicht bekommt. Schuld sind nicht diese Filme, Schuld ist jene Schrumpfung eines an diesen Filmen, den an sie angekoppelten Diskursen etc. interessierten Publikums. Eine Entwicklung, die natürlich auch ein Projekt wie CARGO, das sich das Kino als wie auch immer ausdifferenzierte und zerstreute Form eines großen Ganzen vorzustellen versucht, bei allem Widerstreben am eigenen Leib spürt.
Links, Hinweise, etc.
In den USA ist soeben in der Library of America - also einem allerdings viel offener angelegten Äquivalent der französischen Pleiade oder des deutschen Klassiker-Verlags - ein fast tausendseitiger Band mit den gesammelten Texten Manny Farbers zum Film erschienen. Ausführliche Rezensionen gibt es bislang schon von Jonathan Rosenbaum und im Blog "The Phantom Country". Auch Glenn Kenny schreibt darüber und verspricht mehr. Im jüngst erwähnten iranischen Blog "Notes on Cinematograph" stellt Ehsan Khoshbakht übrigens regelmäßig Farber-Texte ins Netz. (Mehr zu Farber dann in CARGO #4.)
Die Los Angeles Times berichtet über die gewaltige Krise, in die die Hollywood-Studios geraten sind.
Daniel Kasman interviewt die Avantgardefilmerlegende Ernie Gehr (Auteurs), David Hudson mit einer Linkliste von Filmblogs etc., (wir danken für die Aufnahme; auch bei den Auteurs)
Bei newfilmkritik schreibt Rainer Knepperges über den Hollywood-Regisseur Leo McCarey
Lukas Foerster ist begeistert vom Film Bioscope des indischen Regisseurs K.M. Madhusudhanan und findet das selbst etwas verdächtig (Dirty Laundry)
Die ausgewiesene Israel-Kritikerin Vanessa Redgrave sowie Julian Schnabel und Martin Sherman haben an die New York Review of Books einen Protestbrief geschickt, in dem sie gegen die Proteste gegen den Tel-Aviv-Schwerpunkt des Festivals von Toronto protestieren (Michael Sicinski hatte in diesem Blog darüber geschrieben)
Gerade heute reingekommen: Lars von Trier möchte jetzt ein Disaster Movie drehen, Titel Planet Melancholia. Wahlspruch: “No more happy endings!” (Hab' ich da zuletzt bei Antichrist was falsch verstanden?) Gedreht und postproduziert wird wieder, da wird sich der deutsche Kulturnationalismus freuen, in Deutschland und Schweden.
Roman Polanski sitzt noch immer in einer Gefängniszelle in Zürich.
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Paul Schrader goes to Bollywood
Xtreme!
Kein Scherz. Paul Schrader, legendärer Autor (Taxi Driver) und gelegentlich herausragender Regisseur (Light Sleeper), ist mit seinen beiden jüngsten Filmen, in den USA sang- und klanglos untergangen. Ziemlich zu Unrecht mit The Walker. Adam Resurrected dagegen, naja. Und was tut man als Legende des Westens, wenn das Publikum nichts mehr von einem wissen will? Klar, man geht nach Bollywood und dreht dort, nach allen Regeln der Kunst, einen Bollywood-Film. Also auch: Mit Song and Dance. Titel: Xtreme City. Besetzung steht noch nicht fest. Mehr dazu bei The Playlist.
Und hier noch das Video (Teil 1) von einem Auftritt Paul Schraders bei der New York Film Academy im letzten Jahr:
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Twin Peaks, Empty Rooms
Menschenleer.
So sähe Twin Peaks aus, wenn es Candida Höfer fotografiert hätte. Etwas unheimliche Bildserie mit Snapshots der Räume in Momenten, in denen kein Mensch im Bild ist. (via)
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Haneke Hochhäusler
Diskussion.
Glatt an mir vorbeigegangen ist die Veranstaltung am Samstag in der Akademie der Künste, bei der sich Christoph Hochhäusler mit Michael Haneke über dessen jüngsten, in Cannes mit der Palme ausgezeichneten und schön anzusehenden, aber leider reichlich dummen Film Das weiße Band unterhielt. Das war aber nicht weiter schlimm, stellt sich heraus, weil es das Gespräch jetzt auch bei YouTube zu betrachten gibt. In drei Teilen und der erste ist hier.
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Brillante Mendoza
CARGO-Video.
Neu in unserem Webmagazin: Sense of Place - Brillante Mendoza im CARGO-Video-Gespräch mit Lukas Foerster.
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Die Vergangene Woche
Rückblick.
Szenenfoto aus: Roman Polanski The Ghost - der Film ist abgedreht, aber die Postproduction liegt erst mal auf Eis
(Ich nehme mir vor - sage ich ganz vorsichtig -, ab sofort am Freitag jeder Woche einen Blick zurück zu werfen auf das, was in den vergangenen sieben Tagen wichtig war. Mal kürzer, mal länger, je nachdem, wie viel Stoff - und wie viel Zeit - ich dafür finde, je nachdem auch, was in den Tageseinträgen jeweils hinten runter gefallen ist.)
Das Thema, das alles andere in den Hintergrund gedrängt hat in der vergangenen Woche war natürlich die Verhaftung Roman Polanskis. Die Schweizer Polizei griff am letzten Samstag zu, als Polanski gerade in Zürich gelandet war, um sich auf dem dortigen Festival für sein Lebenswerk feiern zu lassen. Die Fakten sind in der Angelegenheit, ich fasse nach bestem Wissen zusammen, diese: Vor mehr als dreißig Jahren hat Polanski ein dreizehnjähriges Mädchen im Haus des abwesenden Jack Nicholson betrunken gemacht und hatte dann Sex mit ihm. Einzelne Umstände des Geschehens hat Polanski damals vor Gericht geleugnet, den Sachverhalt insgesamt aber zugegeben. Alles sah damals danach aus, dass er sehr glimpflich davon kommt (vgl. diesen Spiegel-Artikel). Den gefundenen Deal hat der Richter dann allerdings aufgekündigt - angeblich, als er ein Zeitungsfoto des unterdessen fröhlich auf dem Oktoberfest zechenden Regisseurs sah (die Umstände sind wiederum umstritten). Daraufhin flüchtete Polanski und hat nie wieder einen Fuß in die USA gesetzt, auch Länder gemieden, die ihn mutmaßlich ausgeliefert hätten. Darüber, warum die Schweiz, in der Polanski sogar eine Villa besitzt und deshalb oft gewesen ist in den letzten Jahren, ihn nun gerade jetzt verhaftet hat, gibt es Spekulationen. Dass das rechtlich in Ordnung ist, scheint freilich unumstritten.
Im letzten Jahr hatte ein HBO-Dokumentarfilm mit dem Titel Wanted and Desired (auf DVD in den USA, als Torrent überall) die ganze Angelegenheit noch einmal neu aufgewirbelt, auch weil das damalige Opfer - inzwischen in einem Zivilprozess mit einer Summe in unbekannter Höhe entschädigt - dafür plädierte, die Sache endlich ruhen zu lassen. Polanskis Hoffnung, das Verfahren würde auch in seiner Abwesenheit stillschweigend beerdigt werden, erfüllte sich nicht. (Inzwischen hat der wohl wichtigste Zeuge dafür, dass es bedenkliche Verfahrensfehler gegeben hat, eine entscheidende Aussage, die er im Film machte, zurückgezogen.) Das 36 Seiten umfassende Protokoll der Grand Jury ist inzwischen öffentlich und findet sich hier.
Die Faktenlage ist also eigentlich recht klar: Polanski hat ein dreizehnjähriges Mädchen vergewaltigt und sich dem Gerichtsurteil durch Flucht entzogen. Umso erstaunlicher, dass der darauf losbrechende Sturm zunächst einhellig diesen Zugriff verurteilte und Polanski in Schutz nahm. Mit Argumenten, die eigentlich wenig zur Sache tun: Er sei ein großartiger Regisseur, seine Mutter wurde in Auschwitz ermordet, seine zweite Frau Sharon Tate von der Manson-Sekte getötet. Alle Welt schien sich zu solidarisieren. Lang ist die Liste der KünstlerInnen, die eine Petition unterschrieben, die die seltsame Idee verbreitet, Filmfestivals seien "extraterritoriale" Ereignisse und der Zugriff mithin illegitim. Hier ist die Liste, auf der von Olivier Assayas bis Michael Mann, von Fatih Akin bis Wim Wenders, von Woody Allen (autsch) bis Tom Tykwer wenig fehlt, was Rang hat und Namen in der Szene. Auch Bernard-Henry Lévy präsentiert namhafte Polanski-Verteidiger, von Paul Auster bis Salman Rushdie.
Inzwischen formiert sich allerdings auch Widerstand gegen den Widerstand, formuliert etwa von Kate Harding im amerikanischen Online-Magazin Salon. Nicht dass es viel zur Sache tut, aber ich neige zur Ansicht, die Cristina Nord in der Angelegenheit in der taz so zusammenfasst:
Es gibt vieles, was an Polanskis Verhaftung merkwürdig ist. Warum erfolgte sie erst jetzt? Verhielt sich der Richter 1978 in Los Angeles korrekt oder voreingenommen? Wem nützt der internationale Haftbefehl, und wem, außer Polanski, schadet er? Das ändert nichts daran, dass man zwei Dinge in seinem Kopf zusammenbringen muss: Roman Polanski ist ein herausragender Filmemacher. Aber 1977 hat er etwas getan, wofür er sich bisher nicht verantwortet hat und wofür er sich verantworten muss.
Kurz zusammengefasst ein paar weitere Hinweise::
Beim New York Film Festival ( NYFF), das in diesem Jahr für seine sehr cinephile Auswahl kritisiert und gefeiert wird, war auch Maren Ades Berlinale-Erfolg Alle Anderen zu sehen. Der Village Voice gab sie ein Interview, bei Indiewire gibt es eine Kritiker-Notenübersicht zu allen Filmen des traditionsreichen Festivals, das sich als Best-of des bisherigen Jahres versteht - und Alle Anderen gehört zu den am besten kritisierten Filmen. (Übrigens gibt es beim NYFF auch eine Retro - und die ist in diesem Jahr dem großen indischen Regisseur Guru Dutt gewidmet.)
Mein bisheriger Lieblingsfilm 2009, Jacques Rivettes 36 vues du Pic Saint-Loup ist auch zu sehen und Daniel Kasmans Kritik bei The Auteurs kann ich Wort für Wort zustimmen. (Der Rivette-Film wird insgesamt allerdings kaum beachtet. In Deutschland wird er vermutlich nie ins Kino kommen. Schlimmer noch, selbst in Frankreich interessiert sich das Publikum für dergleichen kaum noch. In der ersten Woche, las ich, sahen ihn gerade mal rund 6000 Leute.)
Und zuletzt noch Links zu ein paar lesenswerten Texten der Woche (Ergänzungen in den Kommentaren hoch willkommen):
Thomas Wörtche (epd film) über Kriminalliteratur und Kriminalfilm (mit der mir sehr einleuchtenden Beobachtung, dass Public Enemies sich stark an die Ästhetik des Comic anlehnt)
Dazu passend: Ignatiy Vishnevetsky folgt einer Michael-Mann-Retrospektive in Chicago und hat dort als ersten Film Thief gesehen (Auteurs)
Mark Siemons (FAZ) über den panchinesischen Historienversöhnungsschinken Die große Leistung der Gründung (über diesen und andere patriotische Jubiläumsfilme auch Matthias Messmer in der NZZ)
Interview mit Bruno Dumont über seinen neuesten, von Cannes und Venedig offenbar abgelehnten, in Toronto aber recht freundlich aufgenommenen Film Hadewijch (Auteurs)
Updates:
Die neueste Ausgabe des australischen Online-Filmmagazins Senses of Cinema ist online (neues, deutlich verbessertes Design!). Unter anderem mit einem spannenden Terry-Gilliam-Interview und einem arg umständlichen, aber verdienstvollen Großtext zu den Left-Bank-Filmemachern Marker, Resnais, Varda, Demy.
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Um einen kleinen Berg
Bestirnter Himmel.
Ich war in den Bergen und sie waren nicht hoch. Ich saß im Garten eines alten Weinguts unter einer Zeder zwischen Hügeln und las. Hinter einem der Berge, die alle geschwungen eher als schroff sind, lag ein anderer Berg, ein Charakterkopf, oder vielleicht eher eine Hakennase ohne Kopf, in der Landschaft. Das ist der Pic Saint-Loup und, wenn man von Montpellier nach Lauret fährt, bewegt man sich etwa im Halbkreis um ihn herum. Er gerät dann, nach und nach, aus dem Blick. In Lauret, einem Dorf, zu dem auch Cazeneuve gehört, das alte Weingut, lebt, wenn er keine Politik macht und wenn er nicht in Frankfurt ist, Daniel Cohn-Bendit. Ich habe ihn nicht gesehen, in Lauret. Dafür war er Stargast einer Talkshow, in die ich ein paar Tage später zappte, im Hotel, in Béziers. Das erwähne ich nur der Vollständigkeit halber. Nichts sonst zeichnet Lauret vor anderen Dörfern aus. Nur einmal am Tag fährt der Bus von Montpellier hierher. Und während Montpellier eine sehr lebendige Stadt ist, werden in den südfranzösischen Dörfern darum herum eher ruhige Kugeln geschoben, denkt man. (Der Vollständigkeit halber sollte ich vielleicht auch erwähnen, dass, während ich etwas später in südfranzösischen Dörfern an Marktplätzen saß und Balzacs "Verlorene Illusionen" las, in meinem Gymnasium in Ansbach ein Amokläufer mit Molotow Cocktails und Axt auf Mitschülerinnen und Lehrer losging. Ich weiß gar nicht, was ich mir dabei denken oder was ich dabei fühlen soll.)
Die Kamera schwenkt und im Hintergrund sieht man, eine Hakennase in der Landschaft, den Pic Saint-Loup. Auf einer Nebenstraße steht ein Auto und fährt nicht mehr weiter. Die Kühlerhaube ist geöffnet, Jane Birkin steht ratlos davor. Ein schwarzer Porsche fährt vorbei, Jane Birkin macht dem Fahrer Zeichen, aber er hält nicht an. Ein wenig Zeit vergeht. Dann kommt aus der anderen Richtung der schwarze Porsche zurück. Sergio Castellito steigt aus, macht sich an verschiedenen Kabeln des Motors des Autos von Jane Birkin zu schaffen, sagt kein Wort, das Auto springt an, er geht zurück zu seinem Porsche und Schnitt.
Ein winziger fahrender Zirkus als Schauplatz. Eine kleine Zirkusfamilie, man sieht ihr eine lange gemeinsame Vergangenheit an, in die die verstoßene Tochter nach dem Tod des Vaters zurückkehrt. Alles scheint überschaubar, eine Vorgeschichte und eine Gegenwart, aus der diese Vorgeschichte, das sieht man auch, nicht wegzudenken ist. Was gar nicht groß signalisiert werden muss, denn man spürt es ganz einfach. Seelenruhig wirft Jacques Rivette wie Bälle, mit denen er jongliert, seine Bilder in die Luft und natürlich fällt keins je zu Boden. Im Hintergrund gar nicht so oft, aber gelegentlich doch der Pic Saint-Loup und vielleicht besteht der Film, der für Rivettes Verhältnisse sehr kurz ist, tatsächlich aus nicht mehr als 36 Einstellungen. Das soll jemand anders zählen, zum Beispiel David Bordwell. In den Einstellungen zu sehen sind Dörfer, die aussehen wie die Dörfer, durch die wir fuhren mit unserem hübschen Fiat Cinquecento (Mietwagen, Montpellier, Europcar), sind Plätze in diesen Dörfern, die aussehen wie die Plätze, an denen wir in unserem Urlaub saßen und eine Orangina tranken oder einen Café Crème.
Wenn ich nach meinem Lieblingsregisseur gefragt werden, antworte ich in der Regel: Jacques Rivette. Es ist letzten Endes nicht wirklich zu erklären, warum man mit den Werken bestimmter Künstler so glücklich, so einverstanden ist, dass man niemals genug von ihnen bekommt. Hong Sang-Soo, den ich auch sehr liebe, hat mir in einem Interview einmal gesagt, der Künstler, bei dem für ihn alles stimmt, sei Cézanne. Und zwar, weil in dessen Bildern das Verhältnis von Abstraktion und Konkretion für sein Gefühl genau richtig sei. "Als ich zum ersten Mal Bilder von Cézanne sah", sagte Hong, "wusste ich sofort: Ja, das ist es!" So erging es mir von Anfang an mit Rivette. Genau so, wie er die Welt zeigt, in den vollkommenen und auch in den nicht so vollkommenen seiner Filme, genau so, wie er Menschen in ihnen zeigt und vor allem das Verhältnis, in das sie sich zum Leben, zur Welt setzen, genau so will ich die Welt sehen. Was ich aber erst erfahren habe, als ich sie so das erste Mal durch Rivettes Augen sah. Es ist das Glück, etwas zu finden, das man zuvor nicht einmal richtig zu suchen verstand. Und wenn ich in einem Satz sagen sollte, was dieses Glück genau ausmacht, so lautete dieser Satz: Immer geht es in seinen Filmen ins Freie.
Auf Plätzen in Dörfern, im Freien, aber immer wieder auch im winzigen Zirkuszelt sehen wir in Kleidern von Armani den Mann mit dem Porsche, er heißt Vittorio, aber Namen sind Schall und Rauch, sehen wir Kate, die mit der energischen Verzagtheit Jane Birkins an ihrer Vergangenheit laboriert. Vittorio und Kate umkreisen einander und Jacques Rivette wirft die Dialoge von Pascal Bonitzer und die Improvisationen seiner Darsteller mit einer Leichtigkeit in die Luft, da kann man nur staunen. (Ich habe den Film in Paris gesehen und mein Hörverständnis des Französischen lässt zu wünschen übrig. Man versteht aber alles sehr gut, gerade weil Jane Birkin und Sergio Castellito keine Muttersprachler sind. Sie sprechen ein in jeder Hinsicht akzentuiertes Französisch.)
Alle Rivette-Filme sind von Membranen durchzogen. Sichtbaren und unsichtbaren. Sichtbar ist hier der Zeltstoff, der zwischen die südfranzösische Außenwelt und die Zirkus-Innenwelt wie ein Vorhang fällt. Und im Innern des Zelts noch der Vorhang, durch den für ihren Auftritt die Artisten treten und vor allem die Clowns. Deren Sketch, der wirklich an nichts so sehr wie an etwas von Beckett gemahnt, ist ein Herzstück des Films, dessen Struktur darin besteht, die Dialoge immer wieder von Auftritten unterbrechen zu lassen. Oder vielleicht darf man gar nicht von Unterbrechungen sprechen, denn das eine gleitet zwischen das andere wie ein Molekül durch Membranen von einem Milieu in ein andres, verwandtes. Und dann gleitet es wieder zurück, manches bleibt in der Schwebe. Denn eigentlich sind es eher Zustände des Zwischen, die die Atmosphäre in Rivette-Filmen ausmachen. Zwischen: Fiktion und Realem; Leben und Auftritt; Gehen und Tanzen; Sprechen und Singen; Ernst und Spiel. Und in diesem Zwischen, in diesen Leben mit und in Membranen, ist alles das eine und das andere zugleich und etwas anderes, drittes, sehr eigenes auch. Ja, dieses sehr eigene, dieses unnachahmlich Rivette-Artige vor allem. (Manny Farber, von dem ich viele Texte gelesen habe unter der Zeder von Cazeneuve, sagt, ich zitiere aus dem Kopf, dass es um eine Zentrumslosigkeit geht bei Rivette, darum, die Dinge an den Rand zu bewegen, am Rand in den Blick zu bekommen und so auch den Rand selbst. Auch das scheint mir wahr. Das Zwischen und der Rand sind einander verwandt und vertraut. Die Geschichten und Figuren von Rivette-Filmen sind Glossen ohne Text; und zwar so, dass man den Text nicht vermisst. Im Gegenteil wünscht man sich, dass die Idee des Texts überhaupt aus der Welt verschwände und alles nur Glosse wäre immerzu.)
Einmal nachts gingen wir von Cazeneuve nach Lauret. Keine Laternen an der Seite der Straße, ein Hügel, der das Dorf noch eine Weile, während man geht, gegen den Blick schirmt. Es ist sehr finster um einen herum und man kann gar nicht anders, als in den Himmel zu blicken und seine Bestirntheit anzustarren, eine abertausendfache Bestirntheit, die einen als Städter geradezu bestürzt. Man fühlt sich geborgen oder schutzlos oder beides oder etwas dazwischen. Dann geht man über den Hügel, sieht die Lichter vor einem von Lauret. Ich habe gehört und gelesen, dass es Jacques Rivette nicht sehr gut geht. Wahrscheinlich ist "36 vues du Pic Saint-Loup" sein letzter Film. Es liegt ein Abschied, eine Wehmut in seiner Geschichte - obwohl sie eigentlich eine Erlösungsgeschichte ist und unendlich leicht -, die einen anstecken kann. Am Ende treten die Darsteller in kleinen Auftritten durch die Zelttür wie durch einen Vorhang. Die Geschichte endet in diesem Fortgang. Ein kleines Schluss-Rondo. "Around a Small Mountain" lautet der englische Titel des Films. Erst dachte ich, es würde darin die Ehre des Pic Saint-Loup doch etwas gekränkt. Aber er ist wirklich nicht hoch. Und es ist dies zwar ein ganz großer Film, aber auch und gerade, weil er so klein ist.
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TIFF 2009
Notizen vom Toronto International Filmfestival 2009.
Un Prophete (Jacques Audiard, Frankreich)
Malik, ein arabischer Franzose, kommt ins Gefängnis, wird dort brutal initiiert und lernt sich allmählich zu behaupten. Audiard erzählt im Grunde den sechsjährigen Gefängnisaufenthalt von Malik (mit wichtigen Freigängen) als Einübung in einen großkriminellen Lebensstil und als Rearabisierung des anfangs ethnisch gleichgültigen Protagonisten. Ein definitives chef d’oeuvre, auf das wir noch ausführlich zurückkommen werden.
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Hotel Atlantico (Suzana Amaral, Brasilien)
Ein Mann in mittleren Jahren, Typ Jesus mit langen Haaren und Bart, den Menschen des Films anscheinend bekannt aus dem Fernsehen, läuft vor sich selbst davon (das geht aus einer markanten Szene vor einem Spiegel in einem Hotel hervor) und gerät auf eine Reise durch das südliche Brasilien, auf der sich seltsame Dinge begeben. Die Logik von Tagträumen bestimmt Hotel Atlantico, alles ist möglich, alles ist seltsam, ein Ziel kennt die Erzählung nicht.***
Backstory/Cinema Museum (Mark Lewis, Kanada)
Zwei Kurzfilme des kanadischen Künstlers (siehe CARGO 03). In Backstory erzählen zwei auf Rückprojektionen spezialisierte Hollywood-Professionals vor rückprojizierten Bildern aus ihrem professionellen Leben. In Cinema Museum führt eine Frau durch eine filmmuseale Sammlung. Der zweite dieser beiden mittellangen Filme hat mich vor allem als Horrorfilm überzeugt – so sieht eine Cinephilie aus, die an den Bildern des Kinos nicht das Auslangen findet, sondern sich auf die Objekte konzentriert (Plakate, Projektoren, Tand, Tand, Tand) und alles aufhebt. Ich habe auch viel Zeug, aber das geht zu weit.***
Petropolis: Aerial Perspectives on the Alberta Tars Sands (Peter Mettler, Kanada) Luftaufnahmen von der Ölsandgewinnung in den Wäldern des nordwestlichen Kanada: Der Film wurde von Greenpeace produziert, setzt dabei die politische Argumentation (die vor allem auf den ungeheuren Energie- und Umweltkosten aufruht, die diese Form der Ölgewinnung mt sich bringt) voraus und apokalyptisiert diese durch mondlandschaftliche Bilder von Pipelines, aus denen übles Zeug kommt, rauchenden Schloten und vor allem den giftigen Baggerseen, in denen unter anderem 1600 Enten einen Tod gefunden haben, über den zur Zeit in Kanada prozessiert wird. Mich würde dagegen einmal ein Film interessieren, der beide Ende einer Pipeline zeigt und von mir aus auch deren Verlauf, ein Film also, der einen Zusammenhang zeigt und nicht gleich agitiert.
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Independencia (Raya Martin, Philippinen) Schwarzweiß und im Studio gedreht, erinnert Independencia an den Beginn der amerikanischen Besatzung der Philippinen, überformt von naturmythischen Bildern – ein interessantes Nationalkinoexperiment als späte Rückgewinnung eines frühen Kinos, das die Philippinen nicht hatten.
***Waterfront Follies (Ernie Gehr, USA)
Stellvertretend für das Avantgarde-Programm Wavelength 1, in dem auch der großartige Hotel Roccalba von Josef Dabernig lief (dazu an geeigneter Stelle mehr): Drei Sonnenuntergänge im Brooklyn Harbour als drei Variationen auf einen Vorgang, der jeden Tag gleich abläuft und doch jedesmal eine spezifische Erzählung ergibt, wobei die drei „Erzählungen“ dann auch noch jeweils Antworten auf Fragen enthalten, die sich in einer der beiden anderen Einstellungen ergeben. Das Wort „Follies“ im Titel lässt sich auf das Technicolor mancher Musical Follies wie auch auf Trickfilm-Spässe beziehen, die Farbe ergibt einen weiteren wichtigen Aspekt in diesem heiteren Alterswerk des großen US-Avantgardisten (Eureka, Serene Velocity).
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Vincere (Marco Bellocchio, Italien)
Für mich ein potentieller Film des Jahres: Bellocchio erzählt die Geschichte des italienischen Faschismus als politisches Melodram mit seria- wie buffo-Elementen aus der Perspektive der ersten Ehefrau von Mussolini, die einen Sohn mit ihm hatte und von ihm in dem Moment, in dem seine Karriere Momentum bekam, verstoßen wurde – die verdrängte Frau ist unser Organ für die historische Bewegung. Formal in jeder Einstellung riskant, theoretisch kühn, und voller Überraschungen: Vincere ist ein Triumph. (Hoffentlich hält diese Einschätzung beim zweiten Sehen.)
***Accident (Soi Cheang, Hongkong) Ein Team aus vier Leuten (das Hirn, der Onkel, der Fette, die Frau) lässt Auftragsmorde wie Unfälle aussehen. Als ein Unfall einen Auftragsmord durchkreuzt, stellt sich die Frage: War es ein Unfall? Daraus entwickelt sich ein großartig paranoider Thriller.
***Tales from the Golden Age (Cristian Mungiu, Rumänien) Episodenfilm mit „Legenden“ aus den späten Jahres des rumänischen Kommunismus unter Ceauscescu: Ein bisschen verspätete Regimekritik, interessanter aber gerade auch mit Blick auf die doch deutlich andere Nachgeschichte der DDR in Deutschland als Anschluss an eine untergründige, subversive Erzähltradition. Dazu demnächst mehr in unserer Reihe Cinema Jormania.
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Collapse (Chris Smith, USA) Interviewfilm mit einem einsamen Bescheidwisser: Michael Ruppert hatte und hat der Welt alles Mögliche zu sagen (zum Beispiel zur Weltfinanzkrise), hat dazu aber kein anderes Mandat als seine Empörung und seine private Weise, das Wissen zu ordnen. Collapse erinnert unweigerlich an Arbeiten von Errol Morris und stellt auf eine anscheinend simple Weise zahlreiche entscheidende Fragen über alle möglichen kognitiven Dissonanzen.
***White Material (Claire Denis, Frankreich) Isabelle Huppert als eingeborene Kolonialfranzösin in einem auseinanderfallenden zentralafrikanischen Staatswesen: Mythisch und literarisch resonant, aber auch gewohnt „physisch“ sucht Claire Denis nach einer Möglichkeit, Afrika als Rohstoff und Projektionsfeld zu filmen. Großartig, auch dazu wird es noch viel mehr zu sagen geben.
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Klassikaner
Margarethe von Trottas «Vision».
Ein Moment auf dem Toronto International Film Festival 2009: Die Pressevorführung von Margarethe von Trottas Vision - Aus dem Leben der Hildegard von Bingen. Kurios, weil Heino Ferch, der in Der Untergang Albert Speer war, hier einen Mönch namens Volmar spielt, der Hildegard von Bingen konspirativ ein paar Bücher «aus der Reisebibliothek des Bischofs von Uppsala» zuspielt. Die schweren Dinger brauchten damals sicher ein eigenes Packpferd. Bruder Volmar weiss aber genau ihren Wert. Es sind «antike Klassiker», der Physiologus ist dabei, und ein paar Sachen von Aristoteles. Ich bin mir nicht sicher, ob man im frühen Hochmittelalter schon diese Formulierung verwendet hätte (ist die Antike nicht eigentlich ein Konzept der Neuzeit? und sind Klassiker nicht das Produkt eines Ordnungsbedürfnisses auf einem Buchmarkt, der um 1150 noch zu überschaubar war, um diesen Ausdruck wirklich zu rechtfertigen?). Sicher aber weiss ich, dass Heino Ferchs Gesichtsausdruck in dem Moment, als er Hildegard die «antiken Klassiker» überreicht, kein Bewusstsein von der Geschichtlichkeit des Wissens erkennen lässt, sondern ein vages Wissen um die Regallandschaft in einer durchschnittlichen deutschen Grossbuchhandlung. Der sprachliche Anachronismus verrät die Herkunftslinie dieses Films, der Bilder zu lebenshilflicher Literatur (bei welchem Leiden hilft die Schafgarbe?) sucht und dabei auch nicht davor zurückscheut, das innere Auge mit der Kamera zu penetrieren. Die Sonne wird dann zur Pupille Gottes, der mit satten Strahlen auf die Welt schaut und vor allem eine Frau erleuchtet, die auch schon viel erlebt hat: Barbara Sukowa, Star des Neuen deutschen Films, aber auch in M. Butterfly (1993) von David Cronenberg und Office Killer (1997) von Cindy Sherman. Dass sie für Margarethe von Trotta die Ordenstracht angelegt hat, ist auch ein Anachronismus.
Vision - Aus dem Leben der Hildegard von Bingen startet am 24.9. 2009 in den deutschen Kinos.
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Rating
Diese Woche neu im CARGO-Rating: Funny People (Judd Apatow), Up (Peter Docter, Bob Peterson), Disgrace (Steve Jacobs) und Katyn (Andrzej Wajda).
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Funny People: Judd Apatow im Gespräch
Neu in unserem Webmagazin: Ein Audio-Gespräch mit dem Spiritus Rector der US-Komödienlandschaft Judd Apatow, anlässlich des Starts von Funny People - ein großer, reifer, offener Film, ein absolutes Highlight des Kinojahres, if you ask CARGO.
Dazu in unserer Printausgabe CARGO 03: Ein Gespräch mit David Gordon Green und ein Text von Ekkehard Knörer zu Funny People.
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Notizen aus Toronto: Lebanon
161 Plaetze hat der Saal 4 im Varsity Kino in Toronto. Entsprechend groß war am Sonntag der Andrang zur Pressevorfuehrung des Films Lebanon von Samuel Maoz, der am Tag davor in Venedig den Goldenen Löwen gewonnen hatte und nun auch dem Publikum des TIFF 2009 (Toronto International Film Festival) vorgeführt wurde.
Wir bringen unseren ersten Bericht zu Lebanon hier als weitere Folge unserer Reihe Israel verstehen.
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Up to the skies
Abenteuerland.
Coming of Age im Abenteuerland der Achtziger bedeutet: von Falco zu Lou Reed zu flüchten, den Autoscooter für eine echte Rückbank einzutauschen. «I’m so surprised I’m making out with you» - «Me too!». Währenddessen verlieren die Eltern ihre Jobs und Reagan perfektioniert das Genre der Fernsehansprache. Unverdrossen: Martin Starr, der sich in eine antisemitische Katholikin verliebt (Starr, mit einem Gogol-Buch unterm Arm, protestiert «But I’m more like a pragmatic nihilist»). Satellite of Love: Kristen Stewart, die in David Gordon Greens Undertow Pearl Harper spielt. Der deutsche Verleih konnte mit dem Film vor einigen Wochen so wenig anfangen, dass er ihn mehr oder weniger nur in Ulm und Stuttgart gestartet hat. Einen total einleuchtenden sentimentalen Tonfall hat Mottolas Superbad-Nachfolger: Dazed and Confused, 10 Jahre später, gelassen im Gerüst der Konventionen ruhend. Satellites gone / Up to the skies / Things like that drive me / Out of my mind
Adventureland (Greg Mottola) USA 2009
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Lars von Trier im Gespräch
Neu in unserem Web-Magazin: Ein ausführliches Audio-Gespräch, das Cristina Nord mit Lars von Trier geführt hat: über Misogynie, schamanisches Reisen, Angstzustände und innere Bilder.
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24 Berlin - Im Netz
Stream.
Was immer die Doku selbst taugt: In der Vielfalt ihrer Distributionsformen ist Volker Heises 24h Berlin auf jeden Fall ein spannendes Ereignis. Parallel zur Fernsehübertragung auf Arte und RBB und den diversen Event-Vorführungen (Zeughaus, Technikmuseum) wird der Film nun - mit englischen Untertiteln und Erzähler - auch beim Online-Programmkino The Auteurs gestreamt. Auch eine Premiere für das Portal, so viel ich weiß. (Ich sehe und höre das gerade nebenbei am Rechner. Christiane Peitz schrieb, dass sich das mit seinen ganzen überflüssigen Kommentaren anhört wie für Marsianer gemacht. Das ist schon richtig, ich würde es aber anders beschreiben: Es richtet sich an die ferne Zukunft. Zukünftiges Nicht-Verstehen alles aktuell Geschehenden ist bereits eingepreist. Ich weiß nicht, ob das eine gute Idee ist. Eine faszinierende ist es auf jeden Fall: als merkwürdiger V-Effekt.)
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Jelinek, Göttler, Kehlmann
Jetzt online in der SZ.
Fritz Göttler heute in der SZ über die Antichrist-Texte von Elfriede Jelinek (CARGO) und Daniel Kehlmann (ZEIT). Obwohl, Kehlmann kommt nur sehr am Rande drin vor. Kurzer Auszug:
Wie die Gewalt der Männer den Frauen gegenüber zusammenhängen mag mit dem Erzählen, der Fabrikation von Fiktionen, hat Jelinek bereits phantastisch durchgespielt in einem Text zu ihrem Lieblingsfilm „Vertigo“, der auf ihrer Homepage zu lesen ist – man sollte den neuen Text zu „Antichrist“ als eine Art Fortschreibung dieses Textes lesen. Von allen unseren Autoren ist Jelinek jene, die das Kino am meisten liebt, am meisten braucht fürs eigene Schreiben, in dessen rastlosem Holterdipolter der Fluss der Filmbilder zu spüren ist.
Und zum erwähnten Vertigo-Text geht es hier entlang.
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NEU am Bahnhofskiosk: CARGO 03
«Und bist du nicht willig, so brauch ich Gewalt»: Unter diesen Titel hat Elfriede Jelinek einen großen Text zu Lars von Triers Antichrist gestellt, der den Auftakt zur dritten Ausgabe von CARGO bildet. Agnès Varda hat uns für ein vielfältiges China-Dossier (Interview mit Jia Zhang-ke, Werkporträt Wang Bing) exklusiv Fotografien aus den 50er Jahren zur Verfügung gestellt. Zudem bietet CARGO 03 ein ausführliches Gespräch mit David Gordon Green über seine ungewöhnliche Hollywood-Karriere, ein Schwerpunkt zum Thema Netzkino (von der You-Tube bis zu UbuWeb), Texte zu Glauber Rocha, Bill Douglas, Arnaud Desplechin, Warren Oates, Mark Lewis u.v.m.
... zum Inhaltsverzeichnis von CARGO 03
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SMS aus Venedig
Festivalberichterstattung in nuce.
«Terasse hotel excelsior. Meer, wind, vollmond. Ein bier ein spritz 18 euro. Da weiß man gleich woran man ist», schreibt Michael Althen in einer seiner ersten CARGO-SMS aus Venedig. Auch Cristina Nord und Dominik Kamalzadeh sind wie schon in Cannes vor Ort und schicken Textnachrichten von den Filmfestpielen, die Sie ab jetzt hier lesen können (neu: auch als RSS-Stream abonnierbar). Darauf ein bier ein spritz!
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White Chicks Can't Dance
A thousand miles.
Freunde, die den diese Woche in den Kinos anlaufenden Dance Flick gesehen haben, versichern glaubwürdig, dass man das nur tun sollte, wenn man in irgendeiner Form Geld dafür bekommt. Schade, denn die Wayans-Brüder hatten 2004 eine ziemlich smarte Cross Dressing-Komödie vorgelegt. Unbestreitbar ist zumindest, dass White Chicks den Konnex Hamptons-WASP-Vannesa Carlton ziemlich gut im Blick hat (Terry Crews Karriere hat sich bis heute nicht erholt):
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PanelPicker
Stand der Dinge.
Das Musik- und Filmfestival SXSW, das jedes Frühjahr in Austin, TX stattfindet, ist mehr als nur ein Musik- und Filmfestival. Ein riesiges Event, das die ganze Stadt zum Konzert-Venue macht: das etwa auch. Ans Festival angegliedert ist außerdem eine Konferenz, zu Film-, Musik- und Interactive-(also: Internet im weitesten Sinn)-Themen. Die Panels des nächsten Jahres stehen im Moment (und noch ein paar Tage) basisdemokratisch zur Auswahl. Man konnte, wie bei einem wissenschaftlichen Call For Papers, Vorschläge zu Vorträgen/Diskussionen einreichen. Und du und ich können nun darüber abstimmen, was von Interesse ist.Die Übersicht über die - bislang 148 - eingereichten Vorschläge des Filmpanels ist eine spannende Sache. Es bildet sich darin ja durchaus etwas wie der Reflexionsstand der Dinge in Sachen Indie-Film und Film/Online-Zusammenhänge ab. Ganz basale Fragen tauchen auf wie: "Why Filmschool?" (Michael Chaney) - aus dem Text: "Are film schools cranking out hacks, skilled at the art of regurgitating formulaic content, or are there havens for the development of original artistic voices?" Am anderen Ende des Spektrums möchte Duncan Jones, Regisseur des viel beachteten Moon (und, ja, Sohn von David Bowie) erklären: "How to successfully make an indie sci-fi film": "Duncan Jones will discuss all aspects of his production Moon, from his early meetings with Sam Rockwell and finding a budget to shooting, post-production and finding distribution."
Irgendwo dazwischen liegen Vorschläge wie "The Intersection of Hollywood and Porn" oder "Legal and Business Issues in Film and Filmmaking". Aber auch und gerade um das Interface von Film/Filmkritik/Online geht es recht häufig: Der Filmblogger Chuck Tryon möchte über "Film Blogs as Contagious Cinephilia: Amateur Criticism and Movie Culture" diskutieren. Erik Childress adressiert ein Problem mit "Hyperbole in Film Criticism & Analysis". Und, aus meiner Sicht vielleicht der spannendste Vorschlag: Efe Cakarel, Gründer der Auteurs, würde gerne über seine Erfahrungen als Online-Programmkino-Betreiber berichten: "Nobody wants to watch your film: realities of online film distribution."
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Nochmal: Tarantino
A German Fantasy.
Vielleicht dann doch nochmal der Hinweis auf einen neueren Text, der eine nicht unplausible Kritik an Inglourious Basterds relativ weit zu Ende denkt: John Rosenthal: Inglourious Basterds: A German Fantasy, Not a 'Jewish' One. (via)
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4 Vues du Pic Saint-Loup
Extraits.
Der Trailer zu Jacques Rivettes Venedig-Beitrag 36 Vues du Pic Saint-Loup hier, drei kurze Ausschnitte da.
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Cineaste
Neue Ausgabe.
Das jüngste Heft der Filmzeitschrift Cineaste ist raus. Und manches davon ist online, etwa Rahul Hamids Porträt des iranischen Filmemachers Mohsen Makhmalbaf und die Besprechung eines Bandes mit den gesammelten Texten des 1984 verstorbenen Filmkritikers Andrew Britton. Sehr interessant nicht zuletzt die Web Exclusives, etwas das Interview mit Bertrand Tavernier. Dessen exzellenter jüngster Film In the Electric Mist läuft übrigens (etwas absurder Weise) gerade beim Fantasy Film Fest. Ebenfalls lesenswerte Online-Texte: David Sterritt über die DVD mit Chris Markers Grin Without a Cat und die Besprechung eines Sammelbandes zur Geschichte der Filmwissenschaft - rezensiert vom hochgeschätzten, auch für CARGO schreibenden Michael Sicinski. Er schwärmt darin sehr von einem Artikel von Markus Betz über "Little Books" - den selbst gibt es zwar nicht im Netz, aber, als Download (ganz unten) auf seiner Website beim Londoner King's College immerhin einen selbst schon sehr hilfreichen bibliografischen Appendix von nicht weniger als 24 Seiten.
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Rachefantasien
Die Basterds nochmal.
In der englischsprachigen Blogosphäre werden weiterhin kluge Text zur Verteidigung von Quentin Tarantinos Rachefantasie Inglourious Basterds verfasst. Es gibt keinen Grund, darauf nicht hinzuweisen. Da ist zum einen Geoff Klock, Autor eines akademischen Buches mit dem schönen Titel "How to Read Superhero Comics and Why", der sich in offenen Briefen an einzelne Kritiker wendet, unter anderem an David Denby vom New Yorker und Dana Stevens von Slate. Dank für den Hinweis an Franz Fuchs. Kurzer Auszug:
"Is the best way to work through the atrocities of the 20th century really to dream up ironically apt punishments for the long-dead torturers?"
Yes.Jim Emerson von Scanners stellt seine Überlegungen zum Film in den Rahmen einer umfassenderen Untersuchung des Tarantinoverse und seines Verhältnisses zum Rest des Universums. Neben interessanten Erwägungen gibt es da auch einen sehr schönen Bugs-Bunny-Cartoon zu sehen. Kurzer Textauszug auch hier:
Tarantino's is the cinema of wish-fulfillment. That is their only reason for being. He makes movies about what he would like to see -- in movies, or if he were in a movie, or what he imagines he might do in "real life," which can only be properly defined in terms of other movies. François Truffaut famously asked if movies were more important than life. Tarantino's movies reject the distinction. When movies are the blood of life, the question makes no sense.
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Basterds: Erfolg
Zur Zukunft der Weinsteins.
Quentin Tarantinos Inglourious Basterds ist mit mehr als 37 Mio Einspiel an den US-Kinos ein großer Erfolg - und der am besten gestartete Tarantino-Film aller Zeiten. (Die Zahlen aus Deutschland sind im Moment noch nicht raus. Ich werde in einem Update informieren, sobald sie bekannt werden.) In einem sehr ausführlichen Bericht hatte die New York Times zuvor allerdings schon über die Zukunftsaussichten der Weinstein Company spekuliert. Im Wall Street Journal findet sich heute dann ein Artikel, der Zweifel streut, ob der Tarantino-Erfolg fürs Überleben der Weinsteins ausreichen wird.
Update: Et voilà. Auch in Deutschland sind die Basterds auf Platz eins der Charts gelangt. Mit 350.000 Besuchern in 400 Kinos (zweitbester Start nach Kill Bill 2 mit 380.000) haben sie sogar Hape Kerkeling und seinen Horst Schlämmer besiegt. (Quelle: Blickpunkt Film)
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Hinweis: Männer ohne Frauen
Kurzer Hinweis: In der CARGO-Artikel-Abteilung Anmerkungen zu Sharhnursh Parsipurs Roman "Women Without Men". Mit einem kurzen Seitenblick auf die vorab gesehenen Kapitel aus Shirin Neshats im Wettbewerb von Venedig gezeigter Verfilmung.
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Hinweis: Two Lovers bei Auteurs
Und als DVD.
Ryland Walker Knights CARGO-Text über Two Lovers, James Grays exzellenten jüngsten Film (Deutschlandstart: Fehlanzeige) ist in leicht veränderter (d.h. nicht zuletzt etwas längerer) englischer Originalfassung nun im Notebook der Auteurs nachzulesen. Dazu passt, dass der Film jetzt immerhin im richtigen Regionalcode hierzulande greifbar ist. Als Import aus Großbritannien auch bei Amazon.de.
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My Son, My Son What Have Ye Done
Unermüdlich: Werner Herzog.
Hatte ich zwischenzeitlich wieder vergessen, dass das Bad Lieutenant-Remake nicht das aktuellste Projekt von Werner Herzog ist, sondern der von David Lynch produzierte Horrorthriller My Son, My Son What Have Ye Done, in dem es offenbar um einen Mann geht, der seine Mutter mit einem Schwert tötet, weil er sich für einen antiken Gott (oder so ähnlich) hält. Wieder mit einem Star-Cast (Shannon, Dafoe, Sevigny und dem unvermeidliche Udo Kier). Hier ist der Trailer (via):
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Thome hier, Thome da
Thome überall.
Ich habe ja mit meiner Wertschätzung für Rudolf Thomes Pink bisher nicht hinterm Berg gehalten und schreibe gerne ausdrücklich noch mal, dass das mit ziemlicher Sicherheit der beste deutsche Film dieses Jahres nicht nur ist, sondern auch bleibt. Ab Donnerstag ist das hinreißende kleine Meisterwerk in deutschen Kinos zu sehen, in ein paar davon jedenfalls. Ich zitiere kurz noch aus Lukas Foersters neuer Kritik zum Film bei Critic.de:Rudolf Thome dreht solche Filme seit gut vier Jahrzehnten: Kleine Fabulierstücke voller erzählerischer Leichtigkeit und freischwebender, in nichts weiter als der menschlichen Natur geerdeter Fantasie, echtes Kino in Äquidistanz zu prätentiösem Kunstwillen und den Mechanismen des kommerziellen Filmschaffens.
Und aus Peter Körtes Kritik in der Sonntags-FAZ:
Und nach all den Thomefilmen, die immer einfach, klar und einleuchtend fotografiert waren, die nie malerisch sein wollten und auch nicht dokumentarisch, ist „Pink“ der Film, dessen Farben intensiver leuchten, dessen Lichtsetzung schöner ist als sonst, weil die Bilder „durchkomponierter“ wirken, ohne mit dieser geleckten Hochglanzoptik zu prahlen. Natürlich muss man sie mögen, diese scheinbare Naivität, diesen unbekümmerten Alltagsmärchenton von Thome. Es sieht so simpel aus, so anstrengungslos, es ist auf eine so diskrete wie charmante Weise ein wenig durchgedreht, wie das nur Thome kann.
Allen in Berlin Lebenden, die die Wieder- oder Erstbegegnung mit den Filmen des Regisseurs suchen, sei die Thome-Reihe im Lichtblick-Kino (pdf) ans Herz gelegt. Dort werden, beginnend am Samstag um 22.45 mit Pink in Anwesenheit von Hannah Herzsprung und Rudolf Thome, frühe Klassiker wie Rote Sonne und Berlin Chamissoplatz ebenso gezeigt wie der aufs Angenehmste relaxte Paradiso, sieben Tage mit sieben Frauen mit Hanns Zischler sowie Rauchzeichen aus der Hannelore-Elsner-Phase. (Die Sonnengöttin, die auch zu sehen ist, gehört mit ihrem arg esoterischen Einschlag, vorsichtig gesagt, nicht zu meinen Lieblings-Thomes.)
Auch noch einmal hingewiesen sei bei der Gelegenheit auf den von Ulrich Kriest herausgegebenen Thome-Band "Formen der Liebe", der zum 70. Geburtstag des Regisseurs im November bei Schüren erscheinen wird. (Darin, full disclosure, ein Text von mir zu Pink.)
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Jews Turned Nazis
Literalsinn.
Quentin Tarantinos Inglourious Basterds ist eine Rachefantasie, daran lässt der Autor und Regisseur selbst keinen Zweifel. In einem Artikel in Newsweek erklärt Daniel Mendelsohn, warum daran beides, die Rache wie die Fantasie, in seinen Augen höchst problematisch ist. Mendelsohn ist der Verfasser von "The Lost. A Search For Six of Six Million", einer Form autobiografischer Geschichtsschreibung: Mendelsohn forscht darin dem Schicksal einer Familie aus seiner näheren Verwandtschaft nach, die von den Nazis geötet wurde. Jüngst war zu hören, dass Jean-Luc Godard über eine Verfilmung (bzw. ganz sicher: "Verfilmung") dieses Buches nachdenke.
Hier das wohl zentrale Zitat aus dem Newsweek-Artikel (auf den ich, dank theauteursdaily, über einen Eintrag in Jonathan Rosenbaums Blog kam, der das Verdammungsurteil gegen den Tarantino-Film mit Begeisterung unterschreibt):
Tarantino, the master of the obsessively paced revenge flick, invites his audiences to applaud this odd inversion—to take, as his films often invite them to take, a deep, emotional satisfaction in turning the tables on the bad guys. ("The Germans will be sickened by us," Raine tells his corps of Jewish savages early on.) But these bad guys were real, this history was real, and the feelings we have about them and what they did are real and have real-world consequences and implications. Do you really want audiences cheering for a revenge that turns Jews into carboncopies of Nazis, that makes Jews into "sickening" perpetrators? I'm not so sure. An alternative, and morally superior, form of "revenge" for Jews would be to do precisely what Jews have been doing since World War II ended: that is, to preserve and perpetuate the memory of the destruction that was visited upon them, precisely in order to help prevent the recurrence of such mass horrors in the future. Never again, the refrain goes. The emotions that Tarantino's new film evokes are precisely what lurk beneath the possibility that "again" will happen.
Rache und die Befriedigung, die man daraus zieht, sind, so Mendelsohns Argument, an und für sich faschistisch. Beziehungsweise, diese entscheidende und um einiges radikalere Zusatz-Implikation formuliert er nicht: Nicht nur die tatsächliche Rache, sondern schon die Rachefantasie ist es. Der Rachewunsch ist per se faschistisch - nur, wenn man das so eindeutig formuliert, kann man zur These gelangen, eine fiktionale blutige Rache (und ihr Bejubeln) mache trotz aller sonstigen Differenzen einen Juden und dann auch den realen Bejubler der blutigen Taten mehr als nur quasi zum Nazi. Nun könnte man schon über die mögliche Rechtfertigung realer Racheakte unter bestimmten - und natürlich gerade den historisch hier verhandelten - Umständen streiten. Das Ausleben allein schon von Rachefantasien aber für ethisch verwerflich zu erklären, ist kaum weniger als die moralische Absage an die abendländische Kulturgeschichte.
Das Argument, das man gegen Tarantino (hier und grundsätzlich) machen kann, wäre und ist ja auch, dass er intellektuell und moralisch und sonstwie über die Adoleszenz nie hinausgelangt ist. Dass die Wünsche, die er in seinen Filmen inszeniert, Nerd-Fantasien sind. Dass man auf erwachsenere Weise über Schuld, Rache, Gewalt und Geschichte nachdenken kann, als er das hier und überhaupt tut. Schon das ist eine sehr zweischneidige Angelegenheit, weil Tarantino in seinen besseren Momenten adoleszente Fantasien, wie wir alle sie kennen und haben - bewusst oder nicht - gerade in ihrer äußersten Ambivalenz und Zweischneidigkeit vorführt. (Es reduziert sich selten auf reine Wunscherfüllung. Darum ist in Inglourious Basterds die Hans-Landa-Figur als Generator von Ambivalenzenergien so wichtig.) Mit Mendelsohn müsste man aber sagen: Der Nerd in mir ist ein Nazi. Und das scheint mir dann doch in einer Weise übertrieben, dass es schon keine Übertreibung mehr ist, sondern gefährlicher Blödsinn.
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Herzog über Bad Lieutenant
Strange Laughter.
Werner Herzog über seinen mit viel Spannung - und beträchtlicher Skepsis - erwarteten Nicolas-Cage-Film Bad Lieutenant (demnächst im Wettbewerb von Venedig; via auteursdaily)
BAD LIEUTENANT: PORT OF CALL NEW ORLEANS - Werner Herzog Interview from Millennium Films on Vimeo.
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Sorkin: Social Network
Fincher?
Aaron Sorkin erklärt, wie er zu seinem aktuellen Film-Drehbuch-Projekt, dem Facebook-Movie The Social Network, kam. Nicht weiter aufregend, aber schön, Aaron Sorkin mal im bewegten Bild zu sehen. Das Drehbuch beruht auf der Gründungsgeschichte von Facebook, wie sie im Buch "The Accidental Billionaires" - diese Woche im Economist besprochen - geschildert wird. (Regie für den Film steht noch nicht fest, aber David Fincher ist, so weit ich weiß, noch im Gespräch):
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Höllen-Fahrstuhl
400!
Zur Hölle, was ist das denn? Von Marco Brambilla, von dem ich seit dem auf seine Weise ganz aparten Demolition Man nichts mehr gehört habe Hier eine Erklärung, worum es sich bei diesem Schrecknis handelt:
Civilization is a video installation we created with artist/director Marco Brambilla for the elevators Standard Hotel in NYC. It's comprised of over 400 video clips and it takes elevator passengers on a trip from hell to heaven as they go up or from heaven to hell as they go down.
Civilization by Marco Brambilla from CRUSH on Vimeo.
[via st_ultstwitter]
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Hinweis: Locarno III
Jetzt online: Der dritte Teil von Lukas Foersters Locarno-Berichten. Zum Jeonju Digital Project mit neuen - kurzen - Filmen von Hong Sang-soo und Lav Diaz.
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Jobless Men / The Hurt Locker
Keep on Running.
2 kurze Hinweise:
(1) Neu in unserer Depressions-Reihe Jobless Men ein Text zu William A. Wellmans Hobo-Film Wild Boys of the Road von 1933. (Derzeit übrigens bei Veoh verfügbar.)
(2) Jetzt auch online ein Text aus unserer aktuellen Printausgabe zu Kathryn Bigelow und ihrem grandiosen Film The Hurt Locker, der diesen Donnerstag endlich in Deutschland in die Kinos kommt.
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Philippinen
Wazak!
Im Tagesspiegel ist heute ein sehr schöner Text von Axel Estein über den Zustand der Film- und der politischen Szene der Philippinen. Estein (früher unter dem Pseudonym -MAERZ- unterwegs) ist einer der besten Kenner des asiatischen Kinos hierzulande und pendelt seit ein paar Jahren zwischen Berlin und Manila. Kurzer Auszug (ja, Sie ahnen es, Lav Diaz kommt wieder vor):
Der Regisseur und Musiker Lav Diaz ist einer, der weiß, was gespielt wird. „Cool, man! Rock’n’Roll, man! Wazak!“ Das ist ebenso aufrichtige Lebenshaltung wie Taktik, die unzumutbaren Verhältnisse auszuspielen. Zum Beispiel mit dem Genrefilm „Jesus, Revolutionary“ (2002), einer der wenigen politischen Utopien, die bislang auf den Philippinen gedreht wurden. Und sein Riesenwerk „Death in the Land of Encantos“, das 2007 auch auf dem Festival von Toronto lief, hat dazu beigetragen, dass nun Vertreter des Mainstreams wie der Regieveteran Mel Chionglo offene Kritik üben mit Filmen wie „Bente“ (2009).
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Auf nach Dresden
Digitale Avantgarde nur im Osten.
Hier eine traurige Mitteilung für Freunde werktreuer Aufführungen, die aber trotzdem nichts mit Daniel Kehlmann zu tun haben wollen: Auf Nachfrage bestätigt der Verleih, dass Public Enemies nur in einem einzigen deutschen Kino digital projiziert wird und zwar in Dresden, im Rundkino. Erstaunlich und bedauerlich ist das schon, zumal alle Pressevorführungen auf Michael Manns Direktive hin digital waren und das in dem Fall kein gradueller sondern ein kategorialer Unterschied ist. (Gegen Dresden spricht allerdings, dass der Film dort in der deutschen Fassung gezeigt wird, was ja meistens auch mit ziemlich groben Eingriffen in die Tonarchitektur einhergeht, von den Synchronstimmen usf. mal ganz abgesehen).
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Michael Mann: Nike Commercial
High Definition: Test.
Um die Sony CineAlta F23 auszuprobieren - die Kamera, mit der er Public Enemies drehen wollte und dann auch drehte -, hat Michael Mann einen Nike-Werbespot gemacht. Kamera auch hier geführt von: Dante Spinotti. Der Spot ist hier (bitte unbedingt auf HQ schalten - es gelingt mir nicht, das direkt einzubetten):
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Civic Life, Helen
Herangehensweisen.
Diese Leiche taucht auf im zweiten Drittel des Films, der aus einer einzigen, neun Minuten langen Einstellung besteht. Die Kamera bewegt sich durch einen Park. Man sieht Menschen, die ganz normale Dinge tun, man sieht in der Draufsicht einen Mann in einem Ruderboot, am Rollstuhl eines anderen Mannes ist eine britische Flagge befestigt, man sieht ein seltsames Tier unter einem Baum, man sieht Kinder, all dies während sich die Kamera langsam und durchaus majestätisch zu Musik von Vaughan Williams durch diesen Park bewegt. Dann kommt die Leiche ins Bild.
Der Film heißt Who Killed Brown Owl? und es steckt kein Filmfördergeld drin. Was zum einen damit zu tun hat, dass seine Macher, das aus Irland stammende Paar Christine Molloy und Joe Lawlor (Bandname: "Desperate Optimists"), aus der experimentellen Theaterszene kommen und ihre Filme, die nicht von Drehbüchern her gedacht sind, große Schwierigkeiten hätten, Gelder von den für Film zuständigen Stellen in Großbritannien oder Irland zu erhalten. Zwar schießt die britische Kulturstiftung Arts Council etwas zu. Die größeren Summen der kleinen Budgets aber kommen aus sehr unerwarteter Quelle: von den Gemeinden, in denen die Filme entstehen.
"Civic Life" heißt die Serie von sieben Filmen, zu der Who Killed Brown Owl?, der 2003 gedreht wurde, nun gehört. Die sechs im Jahr 2005 folgenden ergaben sich erst nach dem Erfolg dieses ersten. Sie folgen demselben Prinzip. Alle in 35mm gedreht, alle als Plansequenz, alle mit Laien vom Standort, an dem die Filme entstanden. Mehr dazu gibt es auf der Website zum Projekt zu erfahren. Dort kann man auch die DVD kaufen. Wer Lust hat, den mehrfach preisgekrönten Who Killed Brown Owl? in - ich übertreibe nicht - Briefmarkengröße zu bewundern, der kann das auf dieser BBC-Seite tun.
Im Mai diesen Jahres kam Helen, der erste Spielfilm von Christine Molloy und Joe Lawlor in die Kinos. Wieder steckt kein Filmfördergeld drin. Die Geschichte, die Helen erzählt - und dann offenbar doch nicht im engeren Sinne erzählt -, ist die eines Mädchens, das verschwindet. Die Polizei bittet, zur Rekonstruktion des Geschehens, eine Klassenkameradin der Verschwundenen, deren Rolle in verschiedenen Situationen, die dem Verschwinden vorangehen, einzunehmen. Das klingt, finde ich, faszinierend. Jonathan Romney, einer der vielleicht klügste britische Filmkritiker, schreibt nahezu begeistert über den Film.
In einem Interview mit der sehr guten britischen Filmzeitschrift Vertigo erklären Molloy und Lawlor ihr Verfahren, bei dem die Arbeit an Kamerabewegung und Raum sehr bewusst an erster Stelle steht, um dann mit den Performances der - auch hier wieder - LaiendarstellerInnen konfrontiert zu werden. (Die Arbeit an Bewegung und Raum ist penibel, der Umgang mit den DarstellerInnen extrem unkontrolliert und offen.) Ich würde Helen sehr gerne sehen, erst einmal aber gibt es nicht mehr als den Trailer:
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Was macht Tom Ford in Venedig?
A Single Man.
Durchaus viel versprechend, das Lineup für Venedig. Hier eine Übersicht bei Variety, ein paar weitere Kommentare zu einzelnen Filmen vielleicht später. Auf das Phänomen, das Vertreter (eher noch: Vertreterinnen) der Bildenden Künste neuerdings Spielfilme drehen, hatte ich schon hingewiesen. Im Wettbewerb ist jetzt Shirin Neshat mit der Verfilmung des iranischen Romanklassikers "Frauen ohne Männer" von Sharnoush Parsipur vertreten. Es ist die Fortsetzung eines Projekts, das im Raum der Bildenden Kunst seinen Ausgang nahm - und wer mag, kann hier nachlesen, warum ich da sehr skeptisch bin. (Pipilotti Rist ist mit Pepperminta, von manchen auch im Wettbewerb erwartet, in eine Nebenreihe verbannt worden.)Der im Kontext unerwartetste Name ist dann aber doch der von Tom Ford. Ja, genau, der Tom Ford, langjähriger Erfolgsdesigner bei Gucci, längst eine eigene Marke, bisher bekannt als großer Architekturkenner, weniger aber als Filmexperte und schon gar -Regisseur. Er hat jetzt aber tatsächlich einen Film gedreht, mit geringem Budget, aber großer Besetzung (Colin Firth, Julianne Moore). A Single Man ist die Verfilmung eines Christopher-Isherwood-Romans nach eigenem Drehbuch von Ford und die Inhaltszusammenfassung liest sich so:
The single man is middle-aged, an expatriate, an Englishman, a professor of English at a California university. He is a man of intellect and humor, impassioned, gentle, with a benign sense of mischief, an enjoyer and a pessimist. Consumed with grief over the recent death of the young man he has lived with, he resolutely persists in the routine of his daily life. This is one day of that life, from morning and his first moments of consciousness until night and sleep.
Auf der Website, von der dies Zitat stammt, kann man weiteres zu dem Projekt und dem Film nachlesen und, ehrlich gesagt, das klingt insgesamt eigentlich sehr interessant.
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Public Enemies bei CARGO
Neu im Magazin.
Am 6. August kommt Public Enemies in die Kinos. In dem neuen Film von Michael Mann, einem der innovativsten Hollywood-Regisseure der letzten Jahre, geht es um den legendären Bankräuber John Dillinger, der während der Depressionszeit zum «öffentlichen Feind» avancierte und dabei einer Institution zur Geburt verhalf: Hoovers FBI. Ein Film mit Starbesetzung - Johnny Depp spielt Dillinger, Christian Bale seinen Verfolger Melvin Purvis - und einer spektakulären High Definition-Ästhetik: Nach Collateral (2004) und Miami Vice (2006) ist Public Enemies die dritte Arbeit, die Mann als High Budget-Experimentierfeld des digitalen Kinos realisiert. Bert Rebhandl hat sich mit dem selbstsicheren Regisseur unterhalten, Simon Rothöhler denkt über einen neuen Bildtypus nach und verweist auf zwei ältere Filme von John Milius und Marco Ferreri, in denen es auch heißt: Dillinger is dead.
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TV-Hinweis
Madonnen.
Hat mir damals gut gefallen, dieser Wunsch, aus den sauberen Kadrierungen auszubrechen, mit einem Film, der sein Heil in Fluchtbewegungen sucht, keine Angst hat vor dem Unfertigen, der Hysterie und dem Kleinbürgerlichen. Zu sehen heute um Mitternacht im ZDF: Madonnen (2007) von Maria Speth.
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Regierungsnah
Faustische Pakte.
Zwei Projekte, die auf den ersten Blick wenig miteinander gemeinsam haben. Auf den zweiten aber sieht man, dass es um zwei Filmemacher geh, die unter den Bedingungen lupenreiner Volks- und anderer Demokratie Großes leisten wollen:
FAUST
Alexander Sokurov dreht in Island, Tschechien, Deutschland und im Vatikan einen Faust. Mit Hannah Schygulla. Gedacht als vierter und letzter Teil seiner Tetralogie der Politik auf problematische Weise verfallener Männer (Moloch: Hitler, Taurus: Lenin, The Sun: Hirohito). Keine Goethe- oder Thomas-Mann-Verfilmung, aber ein Werk, das auf den Mythos und seine literarischen Ausgestaltungen Bezug nimmt. Dass das ganze als Allegorie auf den Künstler gemeint ist, der seine Seele einem Mephisto namens Vladimir verkauft, ist eher nicht anzunehmen.
Wäre aber wohl angebracht. Der einst im eher Obskuren arbeitende Sokurov ist inzwischen tatsächlich zum Staatsregisseur aufgestiegen, was man am atemberaubenden Budget von 10,9 Millionen Dollar merkt. Und das mit dem Staatsregisseur ist keine Redensart, denn ausdrücklich ist in der Meldung von "Putin's fervent blessing" für das Projekt die Rede. Eine mit Sicherheit geldwerte Begeisterung, denn im Westen eher unbeachtet hat sich Vladimir Putin seit Ende letzten Jahres die massive Förderung der russischen Filmindustrie auf die Fahnen geschrieben. Sehr konkret: Er ist Vorsitzender der Regierungskommission zur Förderung der heimischen Kinematografie, die als Propagandaabteilung zu bezeichnen sicher kein Fehler ist. (Variety berichtete, via karinalongworthtwitter.Mehr hier und hier. Wer sich ansehen will, wie neue russische Propagandafilme aussehen, kann sich bei der 20-Millionen-Dollar-Nostalgie-Produktion Admiral übrigens ein Youtube-Bild davon machen. )
IN THE QING DYNASTY
Über Jia Zhang-kes hasenfüßigen Rückzug vom Festival in Melbourne hatten wir berichtet. Er war dem Auftreten der uigurischen Widerstandskämpferin Rebiya Kadeer geschuldet. In wenig zweideutiger Weise war seiner Erklärung zu entnehmen, dass er keine Lust hat, es sich mit seinen chinesischen Geldgebern zu verderben. Inzwischen ist auch klarer, was das wiederum konkret zu bedeuten hat.
Jia, einst der wichtigste Underground-Regisseur des Landes, hat nämlich seinen ersten Kung-Fu-Blockbuster-Film angekündigt. Kein Witz: In the Qing Dynasty wird ein Historienfilm. Genaue Zahlen zum Budget gibt es noch nicht, aber davon, dass eine ganze historische Stadt nachgebaut wird, ist bereits die Rede, das gibt eine Ahnung von den Dimensionen. Produzieren wird übrigens Johnnie To, auch er inzwischen einer der wichtigen Player in der sich formierenden, Hongkong und Festlandchina gemeinsam umgreifenden panchinesischen Filmlandschaft. (Mehr dazu in unserem Star System zu John Woos Red Cliff in CARGO #2.)
Finanziert wird das ganze von Hongkong aus, und zwar über die Firma Media Asia, die anspruchsvolle Mainstream-Filme produziert, aber über ein Verleih-Joint-Venture auch eng mit der höchst einflussreichen staatlichen chinesischen Filmproduktionsfirma China Film Group verbandelt ist. Jia versichert, dass er nicht den Weg des Zhang Yimou in Richtung Staatsfrömmigkeit gehen möchte: "I decided to make a commercial film because I want to change the status quo — to infuse a more humanistic message besides commercial elements." Es gibt freilich keinen Grund, nicht äußerst skeptisch zu sein.
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Gondry Hornet Rap
Human Beatbox.
Die Comic-Verfilmung Green Hornet, die im nächsten Jahr in die Kinos kommt, wird mit Sicherheit etwas vom Seltsamsten. Das Projekt, das einmal in den Händen von Kevin Smith lag, hat dann, als Smith verunsichert vom großen Budget aufgab, Seth Rogen in die Hände genommen: als Hauptdarsteller, Drehbuch-Koautor. Mit dabei auch Nicolas Cage und Cameron Diaz. Der unberechenbarste Faktor ist aber sicher der Regisseur: Michel Gondry. Der lässt es, wie man auf dieser kurzen Aufnahme von der Comic-Con sehen kann, auf sympathische Weise am sonst für nötig erachteten Ernst fehlen [via boingboing]
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Rivette cont.
36 Vues Venedig.
Auf der Website von Films du Losange steht es bereits klipp und klar: Jacques Rivettes neuer - und mit 84 Minuten kürzester je gedrehter - Film 36 Vues du Pic Saint-Loup wird im Wettbewerb von Venedig zu sehen sein. Der Film - wie gehabt nach Drehbuch von Pascal Bonitzer, Christine Laurent und Rivette selbst - erzählt die Geschichte einer Zirkustruppe, deren Chefin unmittelbar vor Saisonbeginn ums Leben kommt. Auf dringende Bitten springt ihre Tochter für sie ein, die mit dem Zirkusleben eigentlich lange schon abgeschlossen hat.
Auf der Website auch ein Foto von den Dreharbeiten, Jacques Rivette mit Jane Birkin:
Und bei Youtube hat jemand Amateuraufnahmen von den Dreharbeiten reingestellt - Jacques Rivette ist darauf nicht zu sehen [via danielkasmantwitter]
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Venedig Spekulationen
Kommende Attraktionen.
Die Spekulationen für Venedig (das Festival findet Anfang September statt) werden langsam aber sicher seriöser. Eine Woche vor der offiziellen Line-Up-Verkündigung ist jetztnämlich das wichtigste Branchenblatt Variety ins Prognosengeschäft eingestiegen.
Hier ein paar Kommentare: Dass Steven Soderberghs jüngster Film, die Matt-Damon-Spionage-Komödie The Informant beim Festival ihre Weltpremiere erlebt, hatten wir ja bereits vermutet. Ebenfalls erwartet wird mit Spannung und Bangen und Hoffen Werner Herzogs Abel-Ferrara-Remake-oder-Wasauchimmer Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans (der Film war von Cannes abgelehnt worden). Außerdem aus den USA: John Hillcoats Cormac-McCarthy-Verfilmung The Road und Todd Solondz schon seit ewigen Zeiten angekündigte Happiness-Quasi-Fortsetzung Life During Wartime.
Als ungewiss handelt Variety den Start der offenbar aber in jedem Fall eingereichten neuen Filme von Wes Anderson (Stop-Motion-Roald-Dahl-Adaption, Titel: Fantastic Mr. Fox - aber vielleicht geht sprechender Fuchs nach Lars von Trier gar nicht mehr) und den Coens, die mal wieder eine bitterböse Komödie gedreht haben, Titel A Serious Man. Und: Mike Judge hat was gedreht, mit Jason Bateman und Mila Kunis.
Die jüngste Tendenz zum Spielfilm vom Künstlern (vgl. Steve McQueens Hunger) wird zum richtigen Trend durch zwei für Venedig erwartete Filme. Einer nämlich von Pipilotti Rist mit Namen Pepperminta und einer - Gott behüte - von Shirin Neshat, Titel Women Without Men. Sam Taylor-Wood dreht grade noch und wird mit Nowhere Boy dann im nächsten Jahr hier oder da auftauchen.
Aus Frankreich voraussichtlich: Jacques Rivettes zu großen Teilen in Cinecitta gedrehter Film 36 vues du Pic Saint Loup und Patrice Chereaus Dreiecksgeschichte Persecution mit Cannes-Gewinnerin und -Selbstverstümmlerin Charlotte Gainsbourg. Und, eigentlich auch schon für Cannes erhofft: Claire Denis seit Jahren in Arbeit befindlicher neuer "großer" Film White Material, mit dem sie nach Afrika zurückkehrt. Aus Deutschland: Bisher nix. Aus Österreich vielleicht Jessica Hausner neuer Film Lourdes.
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Public Enemies cont.
Nothing We Know.
Drei der interessantesten jüngeren US-Filmkritiker unterhalten sich über Michael Manns Public Enemies. Da dies der Film des Sommers ist und sicherlich der Hollywood-Film des Jahres (sagt die CARGO-Redaktion im Verhältnis 2:1), wird noch manches darüber auch an dieser und anderer Stelle bei CARGO zu lesen sein. Aber zum Auwärmen schon mal dies, bei den Auteurs, von Ryland Walker Knight, Daniel Kasman und Ignatiy Vishnevetsky. Von letzterem als kurzer Teaser dies Zitat:
I will say that video makes the historical more vivid and also more mysterious, and not for pseudo-documentary reasons. It's simply because HD looks like nothing we know. It's like rediscovering the image. It doesn't look like our experience of the world, but neither does 35mm. It's just that 35mm has a tradition.
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Great Too
Past Present.
Arnaud Desplechin antwortet Steven Soderbergh, quasi:
Everyone is always pessimistic about cinema, and always thinks that the good old times are long past. No, here we are, and we should admit that we’re experiencing a fascinating moment in cinema. The past was great, and the present is great too.
Außerdem ist er sehr begeistert von Wes Anderson, von der Kleidung mal abgesehen. Und lobt Woody Allen. Und staunt über Jia Zhangke. Und hält Michael Mann für einen Regisseur mit einer Vision. Anderes versteht er nicht und auf Scorsese wird er, denke ich, noch lange warten müssen. In jedem Fall: Herr Desplechin ist ein Mann, für den Eklektizismus erfreulicherweise kein Four-Letter-Word ist.
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Elfriede Erzsébeth Ulrike Isabelle & Tilda
Blut.
Aus der Rubrik "Filme, auf die wir dann doch einigermaßen gespannt sind": Ulrike Ottinger dreht nach einem Drehbuch, an dem auch Elfriede Jelinek mitgeschrieben hat, mit Tilda Swinton und Isabelle Huppert ihre Version der Geschichte von Blutgräfin Erszebeth Bathory (vgl. Julie Delpy, Die Gräfin). Mit dabei auch Veruschka, Sophie Rois, Peter Kern und Irm Hermann. Offiziell klingt das so:Mit Ungeduld von ihrer treu ergebenen Zofe Hermine erwartet, steigt Gräfin Erzsébeth Báthory, La Comtesse Sanglante, Tigerin in Menschengestalt, hinauf ans Tageslicht. Eine rasante Schnitzeljagd auf den Spuren der Ahnen führt das Damen-Gespann durch ein schaurig-schönes Wien.
Die Entourage: Ihr Neffe Bubi, ein aus der Art geschlagener, vegetarischer Vampir, sein Therapeut, zwei enthusiastische Vampirologen, Corps-Studenten der schlagenden Verbindung Vampiria, eine Damenkapelle u.v.a. „Wiener Blut“ fließt in Strömen und die Herzen der Habsburger und Wiener schlagen höher. Eine aberwitzige Reise zu den Wurzeln des ungebrochen starken Mythos vom Vampyre Empire! Und schließlich Showdown im Wiener Prater – beim Mitternachtssoupé im Riesenrad.
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Jameson über Kluge
Marx + Montage.
Ein Paar seidene Strumpfe—art.
Ein Paar seidene Strumpfe—morality.
Ein Paar seidene Strumpfe—commerce and competition.
Ein Paar seidene Strumpfe—Indian women forced to incubate the silk cocoon by carrying them in their armpits!Fredric Jameson, Marx and Montage, in New Left Review, Juli/August 2009
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Schreibtagebuch
Schon vier Frauen.
Übrigens: Rudolf Thome hat gerade angefangen, an seinem dann übernächsten Film zu schreiben. Titel, möglicherweise: "Ins Blaue". Alles weitere auf der Schreibtagebuchseite.
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Soderbergh Update
Schlechte Aussichten.
Nächste Woche startet bei uns der zweite Teil von Steven Soderberghs Che-Biopi. Vor kurzem wurde er aus dem ambitionierten Brad-Pitt-Projekt Moneyball gekickt (angeblich soll Aaron Sorkin das Buch jetzt umschreiben, für einen anderen Regisseur). Sein zuletzt angelaufener Low-Budget-Film The Girlfriend Experience hat in Deutschland keinen Starttermin. Zuletzt fertiggestellt hat Soderbergh allerdings The Informant mit Matt Damon - und da der Film für das Festival in Toronto als Nordamerikanische Premiere angekündigt ist, deutet viel darauf hin, dass die Weltpremiere in Venedig stattfindet. Also: Soderbergh ist wie immer hier und dort und überall, nirgends richtig einzuordnen.
In einem Guardian-Artikel klingt er allerdings sehr pessimistisch. Zeigt sich unglücklich mit Che. Sieht in einem als Folge der Finanzkrise deutlich risikoscheueren Umfeld kaum noch eine Zukunft für sich, bzw. auch einen wie ihn. (Allzu ernst nehmen sollte man das - außer als Symptom - vielleicht nicht. Anwandlungen dieser Art hatte Soderbergh öfter schon.) Hier Zitate aus dem Artikel [via aboutworldfilm-Twitter]:
"In terms of my career, I can see the end of it," he says. "I've had that sensation for a few years now. And so I've got a list of stuff that I want to do – that I hope I can do – and once that's all finished I may just disappear." "Three or four years worth of stuff," says Soderbergh.
It's said with resignation, not desperation. With the voice of someone who has gradually realised what Guevara might not have – that some systems are just too big to beat.
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Hinweis
Marco Bechis.
Neu in unserem Magazin: Ein ausführliches Audio-Gespräch mit dem Regisseur von Birdwatchers (Kinostart: 16. Juli) Marco Bechis. Über ethnische Authentizität, die Wahrheit des Kinos, die Ansprüche der Landlosen - und über Werner Herzog.
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Iranischer Film: Mohammad Shirvani
Kleine Materialsammlung.
Die letzte Einstellung: Der alte Mann schiebt sein Fahrrad vor steil in die Höhe ragenden Bäumen von links nach rechts. Hinten auf dem Rad die rote Fahne, die Gottes Hilfe und den Sieg verspricht. Mit dem versprochenen Sieg allerdings ist nicht zu rechnen. Mir Ghanbar ist 74 Jahre alt, er lebt weit weg von Teheran im iranischen Norden und er unternimmt im Jahr 2004 nicht den ersten Versuch, sich zum Präsidenten des Iran oder wenigstens ins Parlament wählen zu lassen. Mehr als ein paar Stimmen waren ihm bisher nicht beschieden; mehr als ein paar mehr als die paar, die er bisher gewann, werden es ganz sicher auch diesmal nicht.
In seinem Film mit dem nicht ganz unironischen Titel President Mir Ghanbar beobachtet Mohammad Shirvani seinen Helden beim Wahlkampf. Und nicht diesen Helden allein, sondern auch dessen Freund und Helfer, den ausgesprochen netten, leicht spastisch behinderten Seifollah, der Zettel verteilt und Werbung macht für Mir Ghanbar, wo er nur kann. Der Film ist dokumentarisch im Ansatz, aber an cinema verité glaubt Mohammad Shirvani, wie so viele seiner iranischen Kollegen, nicht. Die rote Fahne zum Beispiel war seine Idee und immer wieder werden die Personen, die er zeigt, von ihm sehr bewusst im statisch gehaltenen Bild platziert.
Im Vordergrund sitzt Mir Ghanbar. Im Schneidersitz. Er blickt frontal in die Kamera, links weit im Hintergrund in der Ecke kauert schwarz verschleiert seine Frau, die er liebt und rumkommandiert. Der Film fragt sein Wahlprogramm ab und Mir Ghanbar antwortet mit mehr oder minder heiligem und jedenfalls durchweg sehr frommem Ernst. Wenn man das sieht, stellt sich die ethische Frage: Wie verhält sich der Film, wie verhält sich der Regisseur zu seinem Protagonisten? Führt er ihn vor, nutzt er ihn aus? Und wie ist es mit Sollfeitah, dem behinderten Helfer? Unweigerlich muss man, sieht man die beiden zusammen, an Don Quijote und Sancho Pansa denken, wie sie auf der Grenze zwischen wundersamer Entschiedenheit und lächerlicher Verblendung durch die Landschaft reiten. (Einmal fällt Mir Ghanbar vom Esel. Sollfeitah richtet ihn wieder auf.)
Eine Antwort auf die Frage nach seiner Haltung gibt Shirvani bereits in der allerersten Einstellung. Aus beträchtlicher Distanz sieht man ein paar Figuren auf einem Feldweg in freier Natur. Sehr klar zu hören sind ihre Stimmen. Es fällt der Vorwurf: Ihr nutzt mich doch nur aus. Man begreift schnell: Diesen Vorwurf macht Mir Ghanbar den Filmemachern, die hier sogleich mit im Bild sind. Es gibt ein Hin und Her, vielleicht ist die Szene gestellt, vielleicht nicht. Dann steigt Mir Ghanbar auf den Wagen, man kooperiert, er fährt mit den Filmemachern mit. Frontal also stellt sich der Film die entscheidende Frage, wie er seine beiden Helden präsentiert. Oder auch: Er stellt sich und seinem Film diese Frage als Aufgabe. Er löst sie, kurz gesagt: bravourös. In seinen großartig kadrierten Bildern gibt er der Seltsamkeit dieser beiden erstaunlichen Halt. Er geleitet sie, als Macher des Films immer wieder - wie der Tonmann - auch selbst im Bild, an ein Ende, das eine Würde, die die beiden anfangs nicht zu haben scheinen, nach und nach zielsicher herstellt.
Das Schöne ist: Dieser hoch interessante, wirklich ausgesprochen sehenswerte Film ist völlig legal online zu sehen. Bei cultureunplugged.com - man kann ihn sogar anderswo einfach einbetten. Hier etwa:
Bei Link.TV, einem US-amerikanischen Kleinstsender, gibt es eine Programmreihe mit dem Titel "Bridge To Iran". Da war - wie der bereits vorgestellte Tehran Has No More Pomegranates - auch President Mir Ghanbar zu sehen. Der Sender produziert für die von ihm ausgestrahlten Filme auch Interviews mit den Regisseuren - das aufschlussreiche Gespräch mit Mohammad Shirvani findet sich hier. Ein weiteres Gespräch gibt es auf der Website Persian Mirror, darin äußert sich der Regisseur zur Frage nach dem Verhältnis von Fiktion und Dokumentation so:
I feel that feature films are too contrived and contain in a way, too many lies. Documentaries on the other hand have very little imagination. Ideally, I would like to see us strike a medium between the two, which I like to call a manipulated reality, what Tarkovsky so aptly coined the “second reality”.
Mohammad Shirvani hat eine Website, darauf findet sich die folgende biografische Information:
Born in 1973 in Tehran, Mohammad Shirvani grew up in a religious family who did not permit their children to enter the world of cinema. His father forced him to join the army. Shirvani had to be there for 10 years, instead of his 2-year military service. In the meantime, he started to study painting at a college but fell in love with cinema there! <br>He longed to make films so he deserted the army after 7 years and made his 1st short film The Circle, which was among the 7 short films selected by International Critics’ Week in Cannes in 1999. <br>He has made 8 short fiction films and 6 documentary and experimental feature films, which have been screened in more than 200 festivals around the world and won prestigious awards. His first long feature film will be released in 2009. At present, he is the president of the independent Iranian Short Film Association (ISFA).
Auch die anderen Filme klingen alle sehr interessant. Nicht zuletzt sein jüngster von 2008, der den Titel 7 Blind Women Filmmakers trägt. Es ist in gewisser Weise gar nicht sein eigener Film, sondern der von Sara Parto, Mahdis Elahi, Shokoofe Davarnejad, Narges Haghighat, Banafshe Ahmadi, Naghmeh Afiat, and Neda Haghighat. Und zwar deshalb:
After a dream in which he lost his vision, Iranian filmmaker Mohammad Shirvani sought to explore the role of sight in cinema and organized filmmaking workshops for blind women. In this episodic compilation, seven Iranian women armed with digital cameras create intensely personal stories about their passions, familial bonds, and daily challenges. Together, they present new ways of observing blindness.
Besonders hübsch finde ich, dass der Film im Walker Arts Center von Minneapolis im März diesen Jahres in der Reihe "Women With Vision" gelaufen ist. Appell an die zuständigen Stellen: Mohammad Shirvani bitte entdecken!
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Public Enemies: Vor Ort
Shooting.
Kann es sein, dass ich Ignatiy Vishnevetsky sehr schönen Bericht mit sehr spannenden Grundsatzüberlegungen vom Set zu Michael Manns Film Public Enemies noch gar nicht verlinkt habe? Bei The Auteurs: Teil eins, Teil zwei, Teil drei.
Dort auch eine Menge Bilder vom Set, alle von Rob Olewinski und diese und noch viele mehr alle zu finden bei Flickr. Hier nur eins, zum Anfixen.
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Ha Ha Ha
Hong.
Schwer zu sagen, wann Hong Sang-Soos bisher letzter Film mit dem wunderbaren Titel Like You Know It All - in Cannes in einer Nebenreihe gelaufen, der Trailer war hier schon mal zu sehen - in einem deutschen bzw. Berliner Kino oder auf DVD zu sehen sein wird. (Als Torrent schwirrt er schon durchs Netz, jedoch: ohne Untertitel. Nicht, dass ich jemals...) Von Darcy Paquets Twitter weiß ich, dass dies der erste Film von Hongs Filmen war, der je sein Geld wieder eingespielt hat, was freilich mit den Produktionskosten von 150.000 $ nicht wenig zu tun hatte. (37.000 Zuschauer übrigens.)
Ebenfalls zuerst gelesen habe ich bei Paquet, dass Hong gar nicht faul ist und schon seinen nächsten Film dreht. Wiederum sehr schöner Titel: Ha Ha Ha. Die Inhaltsangabe - von hier - klingt, nun ja, sie klingt zu hundert Prozent nach einem Hong-Film. Gedreht wird seit gestern, voraussichtlich noch bis Ende des Monats. Zum Inhalt:
Movie director Moon-kyeong Jo (Sang-kyung Kim), who recently decided to immigrate to Canada, takes a trip down to the small sea-side town of Tongyeong, South Korea. There he meets acquaintance Jong-sik Bang (Jun-Sang Yu) who is a movie critic. The film director and movie critic sits down to have drinks and talk about their past.
They also come across Seong-wook Yang (So-ri Moon), who is an amateur poet and cultural guide in Tongyeong and a charming young woman (played by Min-sun Kim).
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Public Enemies
Bilder vom Set.
Bei Stop Smiling gibt es eine Sammlung von Fotografien von Anna Knott vom Set des neuen Michael-Mann-Films Public Enemies. Der Film läuft diese Woche in den USA an, die Reaktionen der Kritik werden in der ersten Folge des neuen Daily-Services von Indiewire zusammengefasst. (Dieses Daily versucht die mit David Hudsons vorläufigem Abgang gerissene Lücke zu schließen.) Genaueres zu den Fotos:
STOP SMILING was on hand to document some of scenes shot on Lincoln Avenue, the home of the Biograph Theatre, the spot where Dillinger was shot and killed in 1934 in a shootout with police.
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Harlan/Roehler
Projekte, die die Welt nicht braucht.
Aus der Reihe «Projekte, die uns an der Filmförderung verzweifeln lassen»: Oskar Roehler dreht einen Film über die Entstehung von Veit Harlans Jud Süss. Drehbeginn war gestern. Um Gottes Willen, denkt man da, auch mit Blick auf die Besetzungsliste (u.a. Armin Rohde als Heinrich George, Justus von Dohnanyi als Veit Harlan und eben Moritz «Baader» Bleibtreu als Harlans Fan Nummer Eins: Joseph Goebbels). Währenddessen bemüht sich ein wesentlich interessanterer Filmemacher, Romuald Karmakar, schon seit Jahren vergeblich um die Finanzierung seines Spielfilms über das Hamburger Reserve-Polizeibatallion 101 und die «Aktion Reinhardt» (Arbeitstitel: «Ich habe mich, und das war mir möglich, bemüht, nur Kinder zu erschießen»).
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Fucking Matt Damon!
Informant.
Hey, ain't that fucking Matt Damon? Tatsache. Steven Soderbergh: The Informant
Der Witz mit Fucking Matt Damon erschließt sich natürlich nur den Sarah-Silverman-Kennern. Und gemacht habe ich ihn einzig deshalb, weil ich schon länger die Erwiderung einmal hier posten wollte, die Jimmy Kimmel auf Silvermans Matt-Damon-Song produziert hat: I'm Fucking Ben Affleck
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Digitaler Verismus
Public Enemies ante portas.
Michael Mann wendet seine High Definition-Ästhetik ins Historische (dt. Kinostart 6.8.2009):
«Digital makes things feel more real, like you could reach out and touch them. You can see every pore on Depp's face. You get great depth-of-field, we got very close with the lenses, and you don't have that fuzzy lack of focus at night. That was why we went digital. I thought I was gonna shoot on film and I did these tests side-by-side. I came away from the tests - we just brought a Sony F23 camera out there to look at it, to be diligent - and I looked at them, and that [celluloid] looked like a period film, and this [digital] looked like what it was like to be alive in 1933. In the end it made total sense: video looks like reality, it's more immediate, it has a vérité surface to it. Film has this liquid kind of surface, feels like something made up.» (Guardian)
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Haneke Interview
Weggerückt.
Ein Interview mit Michael Haneke über historische Filme, Schwarz-Weiß, Recherche und weiteres zu seinem Cannes-Gewinner Das Weiße Band. [Dank für den Hinweis an Christopher Pückler.]
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Soderbergh Pitt Moneyball
Lektion.
Im aktuellen CARGO-Heft denkt Michael Sicinski über die seltsame Position des amerikanischen Filmemachers Steven Soderbergh nach und versucht, ihn als neoliberalen Auteur zu begreifen, der Auftragsarbeiten eigenwillig und mit Stil, aber ohne Haltung erledigt. Umgekehrt kann man Soderbergh auch als Sonde betrachten, die sichtbar macht, was das System erlaubt - und was nicht. Sauteure Spaß-Spektakel mit Superstarbesetzung und absurden Casino-Plots zum Beispiel sind drin (und zahlen sich für alle Beteiligten aus). Für einen Vierstünder über Che Guevara braucht's alternative Finanzierungsstrukturen, aber er ist in die Hollywood-Distribution teilweise überführbar. Jetzt aber, mit seinem neuesten teuren Studioprojekt, scheint Steven Soderborgh mit Wucht vor die Wand gefahren. Moneyball sollte der Film heißen, um Baseball - genauer: Baseball-Statistik - sollte es gehen, 57 Millionen Dollar (also nicht so wahnsinnig viel nach derzeitigen Maßstöben) kosten, Brad Pitt hatte für die Hauptrolle zugesagt. Das ganze klang, vom Thema her und auch aufgrund Soderberghs Ankündigung, er wolle mit Animationen arbeiten, schon eine Weile etwas seltsam. Der Drehbeginn stand jetzt aber kurz bevor, da zog die Sony-Chefin Amy Pascal die Reißleine. Anlass war, hört man, ein typischer auteuristischer Soderbergh-Zug: Er hatte das Drehbuch von Steve Zaillan gründlich umgeschrieben. Und er insistierte auf einem dokumentarischen Handkamera-Stil. Beides ließ Pascal offenbar entschieden genug an den Erfolgsaussichen des Projekts zweifeln. Spekuliert wird auch, dass Brad Pitt - es wäre nicht das erste Mal - der Boden zu heiß geworden ist unter den Füßen. In jedem Fall sieht keiner mehr eine echte Chance für Moneyball. Dafür ist das in jedem Fall: Die Fortsetzung des lehrreichen Karrierewegs des neoliberalen Guerillero Steven Soderbergh.
Bei The Playlist, einem vergleichsweise seriösen Hollywood-Gerüchte- und Nachrichten-Blog kann, wer mag, die jüngsten Entwicklungen beispielsweise nachverfolgen.
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New York Times: Bigelow
Porträt.
She was a student painter at the Art Institute of San Francisco and later the Whitney Museum’s Independent Study Program, where she studied with Vito Acconci and Susan Sontag. She joined a conceptual art group, appeared in the feminist movie “Born in Flames” and earned her master’s in the film division of theColumbia University School of the Arts, where she immersed herself in theories about signs and meaning and the cinematic spectacle.
Die Rede ist von Kathryn Bigelow, die auf dem aktuellen CARGO-Cover zu sehen ist (oder auch nicht). Manohla Dargis mit einem Porträt der Regisseurin in der New York Times.
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State of Play (Kevin Macdonald) USA 2009
Nicht sonderlich interessant, diesen Film von der Blog vs. Print-Seite her zu erzählen, wie es die meisten Rezensionen diese Woche getan haben. Großartig ist State of Play, weil er zeigt, wie viel routiniertes (und intelligent besetztes) Genrekino mit der Bewegung der journalistischen Recherche anfangen kann, wie mühelos es gelingt, das Sammeln von Erkenntnis in eine dramaturgische Konvention zu übersetzen, die drive hat. Überzeugend auch, dass der Film nicht versucht, dem 70er-Jahre-Pathos der infiniten Verschwörung nachzueifern (The Parallax View ist ein fabelhafter Film, ihn auf alle Ewigkeit zu wiederholen pointless). Wer recherchiert, findet etwas heraus, vielleicht nicht immer alles, aber auch nicht immer nur ein undurchdringliches Netz. Dass dieses journalistische Ideal in den Credits mit dem technischen Ablauf des Zeitungungsdrucks assoziert wird, funktioniert hier eher wie das Ausklingen einer Recherchebewegung, die sich sinnvoll materialisiert.
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Tetro
Wein, Schläuche.
Werbung für Coppolas neuen Film Tetro. Mit im Bild: Der Finanzier.[via ryland walker knight]
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Arnaud des Pallières
Prolegomena.
Ich weiß nicht viel über Arnaud des Pallières. Sogar das Internet weiß nicht sonderlich viel über Arnaud des Pallières. Er ist 1961 geboren, er hat Literatur studiert, er hat Theater gespielt, sogar eine eigene Theatergruppe gegründet. (Ein anderer aufregender französischer Regisseur, der vom Theater kommt, ist Eugene Green.) Er hat 1997 seinen ersten Spielfilm gedreht, er trägt den Titel Drancy Avenir und Richard Brody schreibt darüber:
Eschewing talking-head interviews and archival footage, des Pallières puts Holocaust testimony into surprising contexts. A survivor’s shocked description of the Drancy camp and his horror at returning to an indifferent France is heard over a view through a window into a courtyard in modern-day Drancy and continues over a clip of Orson Welles playing Shylock in a production of “The Merchant of Venice.” The juxtaposition suggests, as the history teacher declares, that what is at stake in reaching the truth about France’s role in the deportations is nothing less than “humanity’s cultural heritage.”
Den Film gibt es auf DVD, erstaunlicherweise auch mit deutschen Untertiteln. Ich habe ihn noch nicht gesehen.
Dann ist da ein Kurzfilm, der ist schon älter, von 1994, Les Choses Rouges, er spielt, lese ich in der Pariser Banlieue. Es geht wirklich um rote Dinge. Dieses Bild stammt aus dem Film:
Der einzige Film von Arnaud des Pallières, den ich kenne, heißt Adieu. Er ist aus dem Jahr 2004, er hat eine der verblüffendsten Vorspannsequenzen. Ich weiß auch, dass des Pallières seine Filme schneidet, dass die Phase des Schneidens viele Monate dauert und dass das Wichtige erst im Schnitt passiert. Adieu ist vielleicht ein Spielfilm, eher aber nicht. Es ist ein experimenteller Spielfilm, ich habe darüber geschrieben, das folgende ist ein Auszug aus dem Film. Die Kamera zittert in Adieu, es ist keine Manier, sondern es ist ein Film, der die Welt, selbst zitternd, als zitternde erfasst:
Im letzten Jahr hat Arnaud des Pallières einen weiteren Langfilm fertiggestellt. Er heißt Parc und lief in einer Nebenreihe in Venedig im letzten Jahr. Es gab nicht viele Reaktionen darauf, die wenigen, die ich las, waren nicht sehr freundlich. Ich habe ihnen aber nicht getraut. Ich weiß jetzt aber, wie Arnaud des Pallières aussieht. Die Hauptrolle in Parc spielt Jean-Marc Barr, dies ist über den Film in einer der unfreundlichen Reaktionen, denen ich nicht traue, zu lesen:Arnaud de Pallieres’ film is a would-be indictment of contemporary French malaise featuring entwined psychodramas: in one well-appointed suburban home, a miserable teenage boy suffers a nervous breakdown; next door, a miserable corporate type is also coming unglued. The latter takes time out to lunch with his poisonous mother, which gives him a rather nasty bit of inspiration and the filmmakers their rather ridiculous climax. All this after the de rigueur dispassionate sex sequence, of course — these new-school French provocateurs do love their anti-ooh-la-la.
Parc lief, irgendwie und sicher mit sehr wenigen Kopien, im Januar diesen Jahres in französischen Kinos. Deshalb gibt es einen Trailer, der ist hier:Es gab noch einen weiteren Kurzfilm, fürs französische Fernsehen entstanden, er heißt Disneyland, mon vieux pays natal und stammt aus dem Jahr 2002. Er ist wirklich in Disneyland gedreht, dieses Bild stammt daraus:
Dieser Eintrag hat einen Anlass. Es gibt nämlich einen weiteren Film von Arnaud des Pallières. Auch er entstand für das französische Fernsehen, eine Reihe über Schrifstellerinnen und Schriftsteller des 20. Jahrhunderts. Der Film heißt Is Dead (Portrait Incomplet de Gertrud Stein) und es geht wirklich um Gertrude Stein. Man sieht beschleunigte Aufnahmen von Père Lachaise (ein Grab wird ausgehoben), man sieht Aufnahmen von Gertrude Stein (dokumentarisch). Dazu zwei Stimmen, die eine ist die von Michael Lonsdale. Man hört Texte dazu, von Gertrude Stein. Die Texte sind französisch, keine Untertitel dazu. Dennoch. Der Film ist jetzt bei UbuWeb aufgetaucht, er ist zweiundfünfzig Minuten lang, er stammt aus dem Jahr 2002 und ich stelle ihn hier hin:
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Kein Rotes Zimmer 2009
Sehr schade.
Die Cargo-Blog-Seite lese ich seit einem halben Jahr jeden Morgen: manchmal mit wunderbaren Expeditionen im Internet, aber heute höre ich da ein Interview mit Klaus Lemke (nur Ton, kein Bild). Mein Gott, lieber Klaus, was erzählst Du da für Märchen!
Schreibt Rudolf Thome in seinem Moana-Blog. Ja, bat-shit crazy nennt man das auf Englisch wohl, was Lemke da so von sich gibt. Aber eigentlich: Erstens schöne Grüße an Rudolf Thome. Und zweitens: Aufrichtiges Bedauern, dass das mit der Finanzierung für den neuen Film Das Rote Zimmer in diesem Jahr nicht klappt. Ich drücke die Daumen für entweder ein Wunder oder, da man mit dem Ausbleiben von Wundern leider rechnen muss, dafür, dass es im nächsten Jahr dann funktioniert.
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After Last Season
As bad as it looks.
Im März diesen Jahres sorgte der Trailer eines neuen, als mittelgroßer ganz normaler Start angekündigten Films mit dem Titel After Last Season für konsternierte Reaktionen in der Film-Blogosphäre. Hier ist der Trailer und er dürfte klar machen, warum:
Es wurde viel gerätselt. Ist das ein Scherz? Gibt es den Regisseur Mark Region wirklich? Was ist mit den Druckern im Keller? Warum rutscht der Stuhl da über den Boden?
Nun ist der Film in ein paar ausgewählten Städten gestartet. Der Filmemacher David Lowery hat ihn gesehen und ist hinterher so schlau wie zuvor [via ifc daily]
The performances, the sets, the special effects (which, in spite of whatever the credits might state, did not require the work of two effects houses) ... are all symbols standing in place of real performances, real special effects, real physical space. And space! The film is obsessed with geography, without ever quite managing to establish it. The characters are constantly mapping out vague spatial boundaries. Everything is next to something else; nothing is ever empirical or definite. “I’ve never been to that town, but I’ve been through it” is one of the famous lines from the trailer, to which the film ads such bon mots as “is that the room in the middle of the hallway?’” and “we’re in the room next to the meeting room” and “we have another room next to the living room.” That last one is, in fact, the final line of the movie. Cut to black.
Zusätzliche Informationen, die aber auch eher zur weiteren Verwirrung beitragen, gibt es im Filmdrunk-Blog. Ein großes, sehr interessantes Rätsel.
Update: Im Blog des Filmmaker Magazin gibt es jetzt ein Interview mit dem Regisseur. Daraus geht hervor, dass es sich bei dem Film womöglich um ein schlicht und ergreifend dilettantisches Amateur-Projekt handelt, das es irgendwie geschafft hat, einen Verleiher zu finden und in ein paar Kinos zu kommen. Mark Region erklärt, warum er sich bei der Attrappe des Computer-Tomografen nichts gedacht hat:
The way it happened, first we made the MRI, and it looked pretty good from far away. We couldn’t tell it was made from cardboard or bits of plastic – it also has plastic. But when you shoot with 35mm, and sometimes because of the light, some lines across the front of the MRI became visible. When we shot, we couldn’t tell, but on film the lines are darker — you see it’s not a polished surface. That’s how the MRI came to be.
Auf der Facebook-Seite des Films schreibt eine Besucherin - und vermutlich ist der letzte Satz der entscheidende Punkt für die Weirdness der ganzen Sache. Auf Youtube hätte den Film vermutlich keiner bemerkt:
Saw it in Lancaster, CA also. This was a truly perplexing experience. I'm having trouble deciphering it. Is it a work of genius? I don't know. Is it an MST3K-worthy piece of trash? I DON'T KNOW. All I can say is that after seeing the movie, it raised even more questions than the trailer did. I still can't believe I just saw that in a normal movie theater.
Und noch ein Auszug aus einer sehr interessanten Kritik die den Film auf durchaus schlüssige Weise mit Hal Hartley in Beziehung setzt:
After causing a small splash on the internet due to its incredibly bizarre trailer, After Last Season has become hotly debated— is it a real movie? Is it a viral marketing campaign? Is it performance art? I’ll be completely honest here: I drove an hour to see the movie in the suburbs of a large city and I can’t conclusively tell you. What I can tell you is this: there is an actual motion picture called After Last Season, it is playing this week in four theaters, and regardless of what the director’s artistic intent is, this is a film that is completely unlike any you’ve ever seen before.
All this would seem to indicate that After Last Season is a joke, but there’s clearly something more going on here— the film is nothing less than a complete deconstruction of fiction films
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Del Toro Ulysses
Unfollow Bloom.
Ich habe noch keinen Film von Guillermo del Toro gesehen, der mich von meiner Überzeugung abgebracht hätte, dass er ein nicht verkehrter, aber nicht sonderlich interessanter Produzent sich immer ähnlicher und vor allem immer ganz ähnlich ausgestatteter Fantasien ist. Einem Wired-Interview entnehme ich jetzt, dass er gerade eine ganze Menge Projekte plant, darunter auch eine Neu-Verfilmung von Kurt Vonneguts "Slaughterhouse Five" und eine Verfilmung von Dan Simmons' Roman "Drood", der eine Hommage an Wilkie Collins und an Charles Dickens unvollendeten (bzw. erst von Fruttero & Luttencini vollendeten) Roman "The Mystery of Edwin Drood" ist. Nun habe ich auch noch nichts von Dan Simmons gelesen, das ich wirklich überzeugend fand. Egal. Im Wired-Interview spekuliert del Toro jedenfalls auch über mögliche Verbindungen, die Film, Literatur und Videospiel miteinander eingehen könnten. [via Nerdcore]
del Toro: We are used to thinking of stories in a linear way—act one, act two, act three. We're still on the Aristotelian model. What the digital approach allows you to do is take a tangential and nonlinear model and use it to expand the world. For example: If you're following Leo Bloom from Ulysses on a certain day and he crosses a street, you can abandon him and follow someone else.
Wired: You're describing a model that's more like a videogame. Is the merger of movies and games the first step?
del Toro: Unfortunately, I've found in my videogame experience that the big companies are just as conservative as the studios. I was disappointed with the first Hellboy game. I'm very impressed withthe sandbox of Grand Theft Auto. You can get lost in that world. But we're using it just to shoot people and run over old ladies. We could be doing so much more.
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Mickey Rourke
Whiplash.
Iron Man 2 wift seine Schatten voraus. Oder Bilder. Oder was zum Teufel das da mit Mickey Rourke auch immer ist. [via Fünf Filmfreunde]
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Godard "The Lost"
Apropos Godard. Der dreht jetzt einen Hollywood-Film. Und zwar die Verfilmung von Daniel Mendelsohns Bestseller "The Lost" - eine Recherche des Autors, bei der er dem Schicksal seiner eigenen Verwandten nachforscht, die im Holocaust ermordet wurden. Drehbuch: Oren Moverman, der für Todd Haynes' I'm Not There das Buch mitschrieb und bei der diesjährigen Berlinale sein nur sehr bedingt überzeugendes Regie-Debüt The Messenger vorgestellt hat. Das klingt alles schwer zu glauben, vor allem der Punkt mit der Hollywood-Finanzierung. Richard Brody, Autor einer hoch problematischen, aber genau recherchierten Godard-Biografie, schreibt jedoch in seinem New-Yorker-Blog: "It's official" - und zitiert eine entsprechende Meldung.:
The English-language film will be the first Jean-Luc Godard has directed within a Hollywood production structure….The Lost will be produced by Pressman, Lightstream president Lawrence Inglee and Godard’s long-time business associate Douchka, with Tom Luddy serving as the film’s co-producer.
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Allison Janney
Podcast.
The flamingo is a ridiculous looking bird. Allison Janney, den West-Wing-Fans als Pressesprecherin CJ bekannt, im Podcast mit Aaron Hillis von Daily Greencine. Der Anlass ist ihr neuer Film Away We Go, eine semi-verdächtig klingenden Komödie von Sam Mendes, nach Drehbuch von Dave Eggers und Vendela Vida. Hillis:
we sat down to discuss my home state of Arizona, why she appreciates political doublespeak, the reason she thinks she'd be an awful mother, and the illicit on-set behavior of Sam Mendes
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Hüser on the Money
arnoldshain, taz.
Bei den Arnoldshainer Filmgesprächen geht es in diesem Jahr ums Thema "On the Money. Kino in Zeiten des Risikokapitals" (Programm als pdf). Organsiert wird die Tagung von Margrit Frölich und Cargo-Autor Rembert Hüser. Das Programm ist hier. Ein höchst lesenswertes Gespräch mit Hüser, Filmwissenschaftler/Germanist in Minneapolis, gibt es heute in der taz. Kurze Auszüge:
Das Kino ist ein historisches Phänomen. Die Zukunft der bewegten Bilder findet an anderen Orten als dem Kino statt.
Die Filmförderung ist eher reaktiv, sie versucht, viel Geld in internationale Prestigeobjekte zu pumpen. Dafür bin ich wahrscheinlich zu old school im Sinne von Alexander Kluge: Blockbuster sind wichtig, genauso auch Filme, die nur zwei Zuschauer haben. In beides muss man ganz viel Geld reinstecken. Das Schlimme ist, dass das ganze Geld in den mediokren Mittelteil geht, der niemanden interessiert. Und das weiß man vorher.
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Oxhide II
Spuren.
Bisher hatte ich nirgends einen Bericht über Liu Jiayins in der Quinzaine gezeigte Fortsetzung ihres grandiosen Erstlings Oxhide (hier, weil der Film wieder und wieder gelobt werden muss, noch mal mein Berlinale-Text von 2005). Der Nachfolger heißt, wie bei Blockbustern dieser Art üblich, Oxhide II - und setzt tatsächlich die fiktionalisierte Autobiografie der Regisseurin und ihrer Eltern fort. Diesmal werden in neun Einstellungen und 132 Minuten Dumplings hergestellt. Jetzt habe ich doch zwei Reaktionen gefunden. Der Idiot Jay Weissberg macht bei Variety ganz kurzen Prozess:
Four years ago the arbiters of a certain breed of attenuated cinema crowned low-budget helmer Liu Jia Yin with near-genius status following her debut, "Oxhide." Encouraged by the accolades, she's made "Oxhide II" in exactly the same fixed-camera method, only now the originality is gone and the running time is even longer. Comprising just nine shots confined to one very tight room, the pic will find lone champions rhapsodizing over her studied engagement with space, but for most viewers this audience tester will merely spur heavy-duty ankling.
Sehr viel besser - und für mich auch überzeugender - Josef Lederle in seinem Filmdienst-Cannes-Tagebuch:
Man will es nicht glauben, aber wenn man die ersten zehn Minuten überwunden hat, entfaltet der Film Spannung und Komik... Das ist fast so spannend wie ein Krimi, auch weil sich Liu für die neun Einstellungen überraschende Perspektiven einfallen lässt. Sie gewährt einen authentischen Eindruck ins Leben ihrer Familie, die aus westlicher Perspektive am Hungertuch nagt, aber dennoch einen sehr vitalen und humorvollen Eindruck macht.
Und die allerbeste aller Nachrichten (wenngleich es nicht jeder so sieht):
Warning: Further installments have been promised. (Weissberg)
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Happy Holidays
One-man brand.
Neues von Alejandro Adams, Filmemacher, Blogger, Vorsichhindenker extraordinaire. (Neulich schon hier.) Oder doch erst: Etwas von seiner Frau und Mitarbeiterin Marya Murphy, die in ihrem eigenen Blog über einen Film schreibt, an dem Adams arbeitet, über den Filmemacher Caveh Zahedi (I Am a Sex Addict):
I’ve shot hours and hours of footage of Caveh talking. I’ve even impersonated him on camera for a movie my husband was/is making called The Caveh Experiment. Caveh, in the interview, says the filmmaker he relates to most is Lars von Trier. And Caveh, in the interview, quotes René Girard, my former professor, on whom my college roommate and I had a considerable crush, and in whose French-accented voice we would often whisper to each other, “Weel you bee my girlfriend?”
Das ist aus ihrem Blog, in dem sie, auch das muss ich zitieren, weil es an aktuelle Diskussionen so nahtlos anschließt, über Werner Herzog schreibt:
Grizzly Man is one of the best documentaries I’ve ever seen. Kasper Hauser – woo! But what is it about most of his films? They fascinate me, but they don’t make me feel, I guess. Herzog doesn’t love his crazy dreamer characters. He identifies with them closely, yes. Is it self-hatred that comes through, then? Is that what makes it hard for me to muddle through? His self-adoration comes through too, of course.
Aber eigentlich - Neues von Adams, aus seinem Blog. Ein Post, maßlos, endlos fast, in dem es um den Antrieb zur Kunst geht, Trieb, Zwang, Müssen - als etwas ganz anderes als Ehrgeiz. Was viel zu einfach klingt, denn der Text, der eine verbale Splitterbombe ist, fliegt in alle möglichen Richtungen auseinander, C.S. Lewis kommt vor, Stendhal auch, die englische Sprache wird verachtet, und seine Tochter kommt vor, größenwahnsinnig ist das alles, natürlich, sowieso, ah ja, Virginia Woolf, Orson Welles kommen vor, Einsamkeit, Alleinemachen, die Griechen, die Gegenwart und wieder zurück, all das kommt vor. Also, mit einem Wort, Alejandro Adams, von dem ich noch keinen Film gesehen habe, ist ganz bestimmt brillant und verrückt. Ich zitiere nur einen Absatz (einen Splitter), weil man sowieso alles lesen muss, um sich ein Bild zu machen von Adams, der eines auf jeden Fall ist, ein nervtötender und ganz großartiger Autor, mindestens im Blogformat, von vier unveröffentlichten Romanen ist an anderer Stelle die Rede:
As a historicist, I'm giddily aware of my influences. I've found many other writers and filmmakers resistant to historicism--everyone wants so badly to be "original." There is nothing original in me. "Me" is the product of carefully selected and regularly ingested influences. That's right: I carefully select them and I regularly ingest them. Without these ingredients, I wouldn't know "me" if it bit me in the ass.
Und dann gibt es einen Kommentar unter Adams' Blogeintrag, von einem anderen Filmemacher namens Tom Russell, einen Kommentar, auf den man vermutlich überhaupt nicht vernünftig reagieren kann, aus dem ich jetzt dies nur zitiere (es kann übrigens sein, dass Tom Russell und Mary Russell die Ed Woods des US-Independent-Films sind - obwohl, obwohl -, aber na und, und wer weiß):
I guess my point in all this is, I've done the whole isolated artist thing. I've made art for its own sake: sincerely, compulsively, without compromise. And as a result, my life is fucking terrible. There is no romance in poverty, no comfort in the knowledge of my own "purity". I am a desperate shambling lonely wreck struggling on a daily basis to keep myself together, to write optimistic blog posts and cheerful correspondence, to look my wife in the eye and lie to her that everything's going to work out for us, that we're going to be together for many years to come.
Michael Sicinski übrigens, der Canary gesehen hat, Adams' jüngsten Film, schrieb über Adams, von dem ich jetzt unbedingt wirklich einmal einen Film sehen muss, ohne dass ich genau wüsste, wie ich da rankommen soll:
But every so often some striking new filmmaker comes along who, almost right out of the gate, seems to take to the medium with such assurance and command of its language, to say nothing of his or her own unique slant on the world in front of the lens, that we can be glad that we're still paying attention. We've seen some very interesting new directors emerge in recent years (Rian Johnson, Shane Carruth, and Antonio Campos come to mind), and I'm inclined to add Alejandro Adams to that list.
Und hier, nicht sehr aussagekräftig, der kurze Trailer zu Canary. Happy Holidays:
Ach so. Drauf kam ich, weil Mike D'Angelo in seinem Blog "Listen Eggroll" über die beiden Filme von Adams schreibt. D'Angelo, einer der lesenswertesten US-Filmkritiker, zieht übrigens nach seiner Rückkehr aus Cannes jetzt zurück nach Kalifornien, zu seinen Eltern, weil er in New York von seinem Einkommen als Filmkritiker nicht mehr leben kann. Happy Holidays.
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Bad Lieutenant?
Iguanas.
Die beiden prominentesten von Cannes zurückgewiesenen Filme waren, soweit ich sehe, Jim Jarmuschs in der Tat sehr unerfreulicher The Limits of Control - und Werner Herzogs (Nicht)Remake von Abel Ferraras Bad Lieutenant. Jetzt ist ein erster Trailer zu Herzogs Film aufgetaucht oder wird jetzt jedenfalls erst breit rezipiert (das YouTube-Einstelldatum ist Ende April) - und die ersten Kommentare dazu sind vernichtend. Kann ich, mit der Ausnahme vielleicht der schlechten Noten für Nicolas Cages Frisur, nicht recht nachvollziehen. Sehr angenehm irre und trashig kommt mir das vor.
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Thomas Heise
Interview im Freitag
„Alles, was Menschen in Bewegung setzt, muss durch ihren Kopf hindurch. Aber wie das geschieht, hängt sehr von den Umständen ab.“ Das ist ein Satz von Friedrich Engels aus dem Film Barluschke. Kennenlernsituation beschreibt es gut.
Ein lesenswertes Interview mit Thomas Heise hat Michael Girke geführt - hier nachzulesen.
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Runpee
Pinkelpause.
Runpee ist ein Serviceangebot. Die Website empfiehlt, technisch aufwendig bis nervtötend gemacht (siehe etwa den Spoiler-Entscrambler), günstige Momente für Pinkelpausen in aktuellen Filmen. Darauf muss man auch erst mal kommen. [via kottke.org]
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Wildgras
Oh.
Ok, ab sofort gibt es einen zweiten Cannes-Film, den ich gerne auf der Stelle sähe:
It could be the most generous film ever made, since anything is possible, and that possibility is as joyous in its romantic whimsy as it is a mournful in the complete uncertainty of every moment and sensation.
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Funsy!
Glenn Kennys Tagebuch.
Der sowieso großartige Filmkritiker Glenn Kenny (formerly Premiere Magazine, jetzt eigenes Blog) schreibt im Auteurs' Notebook über seine Erfahrungen als Darsteller in Steven Soderberghs jüngstem Film (schreibe ich unter Vorbehalt, vielleicht hat er schon wieder einen neuen gedreht, gestern oder vorgestern) The Girlfriend Experience. Kenny spielt darin einen, also, wörtlich: "he’s like the Harry Knowles of internet escort reviewers". Lesen Sie das, es ist, ich sag mal: Funsy!
I join a website specializing in escort reviews. The lingo is fairly predictable Internet-tradition acronym stuff, describing acts clients most desire: BBBJ for “bareback blowjob,” “bareback” of course meaning without a condom. “BBBJTC” meaning “bareback blowjob to completion.” Then there’s “Bareback Greek,” also known as “Death Wish.” Funsy!
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Geschichte des israelischen Kinos
Von Raphael Nadjari.
Heute Abend bzw. Nacht um 23.55 auf arte: Der erste Teil von Raphael Nadjaris Dokumentation zur history of israeli cinema. Unter diesem Titel war sie auf der diesjährigen Berlinale zu sehen. Stefan Ripplinger schrieb sehr fasziniert darüber in CARGO #1. Der Film trägt inzwischen den deutschen Titel Israels Kino erzählt und ist in zwei Hälften zerlegt. Heute: Von 1933 bis 1978. [via tfunke twitter]
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Like You Know It All
Slant Rhyming.
Die Wahrheit ist, dass ich, bei aller Neugier auf viele von ihnen, eigentlich nur einen einzigen der in Cannes gezeigten neuen Filme auf der Stelle unbedingt sehen möchte. Den neuen Hong Sang-soo nämlich, mit dem sehr schönen Titel Like You Know It All. Und nach dem, was Daniel Kasman schreibt: erst recht.
Hong’s past work, up until Night and Day, tended to fold neatly in on itself. Not so here. Slant rhyming replaces the more diagrammatic plots of the past, and the Buñuelian surrealism of dreams, objects, and dangerous ellipses all fit so naturally into this film one might barely note the weirdness of it all. Like You Know It All is as quicksilver as a modest, slow, deadpan and very wayward drama can be. Every Hong film seems to point to the next, but this unexpected move towards something different, a new, more opaque sense of storytelling—and perhaps even an attempt at the mainstream—leaves one not knowing what to expect next.
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Martin Wuttke geht mit Einar Schleef ins Theater
Und sieht Murx.
"Ich war vor vielen Jahren mit Schleef in 'Murx den Europäer' von Christoph Marthaler, da saßen nur dreißig Leute drin, weil man diesen Abend damals noch nicht lesen konnte, bescheuert oder untheatralisch fand. Später wurde "Murx" zum gefeierten Volksbühnen-Klassiker. Manche Dinge brauchen Zeit."
Gespräch mit Martin Wuttke, FAS, 17.5. Anlass des Gesprächs ist Wuttkes Hitler-Rolle in Tarantinos Inglorious Basterds.
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The Happening
Für interessant befunden.
Ich habe lange darauf warten müssen, dass jemand auftaucht, der M. Night Shyamalans Film The Happening auf interessante Weise interessant findet. Selten ist etwas in den letzten Jahren, für meinen Eindruck jedenfalls, so einmütig verrissen worden. Sogar die Cahiers, die ungefähr letzte Bastion von Shyamalan-Fans, waren diesmal weggeknickt. Ich persönlich habe mit Shyamalan noch nie sehr viel anfangen können, aber das tut wenig zur Sache. Wichtiger sind immer kluge Verteidigungen von Dingen, zu denen mir der Bezug fehlt. Jetzt also ist es so weit. Einer der tollsten Autoren, die ich in jüngerer Zeit im Internet entdeckt habe (was heißt entdeckt: da sind halt Texte von ihm, wie dieser über Hiroshi Shimizu - ja, kann auch nichts dafür - und ich habe sie gelesen und fand sie alle sehr gut) - also: Ignatiy Vishnevetsky schreibt über The Happening und mag ihn und schreibt auch so darüber, dass ich jetzt große Lust habe, ihn zu sehen. Der Text ist in der Tisch Film Review, hier ein kurzer Auszug:
As in the films of Joseph H. Lewis, every image is not merely forceful, but seems to have been made forcefully. When the camera is stationary, it isn’t resting, it’s bolted down. When it moves, it’s a shove, not a glide. M. Night Shyamalan strips away all pretensions of verisimilitude: The Happening is a film without details. Every face is gigantic, even on the small screen, the features somehow distorted. Every line of dialogue is like a thudding footstep–a conscious progression.
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Zeichensprache
Universal Signs.
Universal Signs ist ein vollständig in Zeichensprache gedrehter Spielfilm, der in Kinos mit englischen Untertiteln zu sehen sein wird. Es gibt einen Score, aber, wenn ich recht verstehe, keinen innerfilmischen Ton. Es spielt unter anderem Margot Kidder mit, die vor dreißig Jahren einmal Lois Lane war und die für den Film wie weitere, nicht taubstumme Darsteller, extra Signing gelernt hat. Es ist angeblich der erste Film seiner Art - was wohl nicht ganz stimmt: Im Jahr 1977 gab es mal einen kanadischen Horrorfilm mit dem sprechenden Titel Young Deafula, der zu ganz anderen Genrezwecken auch schon auf gesprochene Sprache verzichtete. [alles via Bioscope; Link zur Website des Films] Hier der Trailer:
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Material (Thomas Heise)
Ab morgen in ausgewählten Kinos: Material von Thomas Heise. Hier noch einmal unser Text zur Berlinale (unten).
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The Usual Dreck
Die Ruhe bewahren.
Ich werde mich nicht aufregen über das zynische, hässliche Zeug, das Wolfgang Höbel, mit dem Bösen im Bund, im Spiegel über Cannes und Autorenfilm schreibt. Ich werde vielmehr die Nerven behalten und mir sagen: Wer liest schon den Spiegel, wer lachte nicht über Höbel? Und schon atme ich wieder ganz ruhig.
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Jean-Luc Godard: Socialisme
Godards Neuer.
Der Trailer - oder so etwas Ähnliches - zu Jean-Luc Godards nächstem Film Socialisme, via Auteurs:
ANNONCE FILM SOCIALISME GODARD from fabrizio del dongo on Vimeo.
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Machete
Der Film zum Trailer.
Texas-News 1: Richard Linklater, dessen neuer Film Me und Orson Welles länger schon fertig ist, aber derzeit ohne US-Start scheint, bekommt eine Auszeichnung, die den Titel Honorary Maverick Award trägt. In seiner Reaktion habe ich endlich gelernt, woher das Wort Maverick stammt:
"Although the term 'maverick' was greatly devalued in last year's election cycle, I'll humbly take on this honor and as a Texas filmmaker help reclaim the term in the tradition of the famous Texas cattleman Samuel Maverick who refused to brand his cattle. I would like to think it was for humane reasons, but the legend goes that he was just too lazy and uninterested in ranching to care. I think there may be an indie filmmaking analogy in there somewhere."
Texas-News 2: Offenbar hat der Staat Texas gerade ein neues Filmfördergesetz verabschiedet. Zu den Profiteuren gehört, versteht sich, Robert Rodriguez, der, Industrie-Maverick, der er ist, ein eigenes Studio vor den Toren von Austin aufgebaut hat. Eines der Projekte, die er nun ins Auge fasst: die Spielfilm-Version des Trailers (könnte auch eine Premiere sein?) zum nicht-existenten Film Machete. Angesichts des Fake-Trailers, der für Rodriguez'/Tarantinos Death Proof entstand, hat sich ja manch einer gewünscht, es gäbe den Film. Be careful what you wish for.
Texas-News 3: Endlich mal Gossip bei Cargo. Andrew Bujalski, dessen Film Beeswax wir bei der Berlinale sehr mochten, der sich beim Cargo-Video-Interview als ausgesprochen sympathischer Mensch erwies, hat geheiratet. Und zwar die Journalistin (Texas Monthly - hier ein einschlägiger Artikel: Human Mate Selection is a Many-Splendored Thing) und Romanautorin (Waterloo) Karen Olsson.
Alles aus dem Austin Chronicle.
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Passive-Aggressive
Interessantes Arschloch.
Fast ein bisschen seltsam, dass ich bisher nicht auf den Filmemacher Alejandro Adams gestoßen bin. Er scheint ein recht außergewöhnliches Talent zur Eigen-PR zu besitzen und hat es jedenfalls geschafft, die US-Film-Blogosphäre mit seinen ersten beiden Filmen Around the Bay und Canary auf sich aufmerksam zu machen. Er hat ein eigenes Blog, in dem er über Peeping Tom und Mumblecore und gerade über das Verhältnis von Filmemachern und Kritik schreibt. Und anderes, natürlich. Ich zitiere aber nicht daraus, sondern aus einem der Kommentare dazu (dem ersten), von Filmbrain - da geht es nämlich um die Berliner Schule:
For the past few months I've been trying to write a piece about the new Berlin school of filmmakers, and I've had the opportunity to chat with a handful of people within the non-movement (as they refer to it.) What became immediately clear is that they are incredibly critical of each other's work, mostly to prevent complacency and to create an environment that strives for the creation of more challenging work -- challenging for the audience as well as themselves. I'm not seeing that in many of the efforts from the American equivalent. The passive-aggressive nature of the characters in front of the camera seems to extend to behind it as well.
Unter den Links links auf der Blog-Seite findet sich auch der zu einem Interview mit Karina Longworth, das wirklich erstaunlich ist. Was für ein interessantes Arschloch, habe ich nach der Lektüre gedacht und sehr große Lust bekommen, Adams' Filme zu sehen. Hier ein kurzer Auszug. Es geht darin, Achtung!, auch um Stellet Licht und darum, was daran hoch problematisch ist:
I realize my way of thinking about films is inverted from almost everyone else’s. I make films because I hate films. And I feel safe telling you that because you hate films too. You’re a critic, not a cineaste (or, more colloquially, a “cinephile”). And I’m a filmmaker, not a cineaste. Mencken maintained that the critical impulse and the artistic impulse are the same. A buff’s review will never look like a critic’s review because a buff doesn’t care if cinema gets any better–the critic is the family doctor, the buff is the drinking buddy. I’m fortunate to know some real critics, as vicious as they are perspicacious. It’s probably a foregone conclusion that they’re my core fanbase. One glance at my films and they can see I hate films as much as they do.
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Stories on Human Rights
Kurzfilme von Weerasethakul u.a.
Eigentlich geht das nie gut: Omnibusfilme. Und dann noch mit Botschaft. Menschenrechte. Was soll man dazu schon sagen oder zeigen. Im letzten Jahr hat das UN-Hochkommissariat für Menschenrechte zum 60. Jahrestag der Menschenrechtserklärung einen Omnibusfilm produziert, mit EU-Mitteln, französischen und brasilianischen Geldern. Heraus kamen 22 Filme à ca. 3 min. Seit Anfang Januar werden sie, einer nach dem anderen, offiziell bei YouTube reingestellt, inzwischen sind 16 davon in guter Qualität dort zu betrachten. Ich habe erst rund die Hälfte davon gesehen - Tipps zu in diesem Eintrag nicht erwähnten Hightlights jederzeit willkommen.
Zwar ist manches nicht so toll (der Lassofilm von Teresa Serrano, naja), insgesamt aber würde ich sagen: Erstaunlich. Kann man mal sehen, dass großartige Filmemacher auch bei der Überbringung von Botschaften sehr Interessantes zustandebringen. In der Mehrzahl der gelungenen Filme nicht durch Verkünstelung, sondern durch Einfachheit.
Sehr beeindruckend finde ich etwa Abderrahmane Sissakos Beitrag zum Thema "Würde":
Gelungen auch Jia Zhang Kes Black Breakfast, ein eigentümlich surreales Stück über Umweltverschmutzung:
Sehr überzeugende Bildfindungen im Kindersoldaten-Beitrag Dangerous Games von Marina Abramovic, der Performance-Künstlerin, um deren zweiten Kurzfilm es sich dabei handelt:
Und dann ist da noch Apichatpong Weerasethakuls sehr schöner Mobile Men:
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Kritiker im Film
Filmkritiker in Filmen.
Der (exzellente: so witzige wie gelehrte wie kluge) Filmkritiker Glenn Kenny spielt in Steven Soderberghs jüngstem Film The Girlfriend Experience einen (ekligen, nach allem, was man so hört) Filmkritiker. In einem Blogpost sammelt er nun Filme, in denen (echte) Filmkritiker (alles Mögliche) spielen.
Researching this piece, I noticed that, with the exception of Peranson's Joseph, all of the characters played by the critics are of vexatious, unpleasant, and/or just downright villanous bearing. I can't imagine why this is the case.
Hier Mark Peransons Joseph in Albert Serras Film Birdsong:
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Nolot etc. (Indielisboa 2)
Begegnung mit Jacques Nolot.
Wegen Festivalbetrieb (Indielisboa) wenig Blogbetrieb. Filme gesehen. JCVD - tatsächlich ist der Monolog von van Damme, über den alle schreiben, ganz und gar groß. Außerdem gestern bei Terence Davies und seiner Liverpool-Elegie Of Time and the City zwischen Begeisterung und mittlerer Genervtheit geschwankt, aber immer solidarisch geblieben. Heute aber das erste Mal aus einem Film rausgegangen, Critico, einer Doku, die wahllos talking heads zum Thema Regisseure und Filmkritiker befragt. In den fünfundvierzig Minuten, die ich aushielt, so gut wie kein origineller Gedanke, weder von Michel Ciment noch von Richard Linklater, weder von Carlos Saura noch von ungezählten Schar mir unbekannter brasilianischer Stimmen. Elia Suleiman nehme ich aus, der ist auch da geistreich.
Der Höhepunkt des gestrigen Tags allerdings war ein Interview mit dem hier als "Independent Hero" gefeierten Schauspieler, Drehbuchautor, Regisseur Jacques Nolot. Ungewöhnliche Karriere: Frühe Jahre als Gigolo, Lover von Roland Barthes, Freundschaft mit André Techiné, Arbeit mit Claire Denis, mit Paul Vecchiali, von dem ich rasend gern einmal ein paar Filme sähe. Über Nolots Filme demnächst etwas mehr, hier nur ein paar Worte zu seiner Interview-Performance. Nolot, Mitte sechzig, erlesen gekleidet, immer Zigarette in der Hand, gibt die ganz coole Sau, die er, muss man zugeben, auch ist. Referenzen, Theorien, Vorbilder interessieren nicht. Er liest nicht, er hat das Gesamtwerk von Roland Barthes, wegen früher, aber reinschauen tut er nicht. Zu seinem Schreiben, seiner Arbeit als Regisseur sagt er wenig. Er kokettiert - jetzt sind Sie sicher enttäuscht -, wirft dann doch wieder eine spannende Information hin, zündet sich eine Zigarette an, weicht aus, wird etwas interessierter, als wir über eine einzelne Szene sprechen. Echte Erschöpfung nach so einem Interview, noch dazu mit Übersetzung über Bande geführt. Aber: Kokett, cool, faszinierend, toller Regisseur, egal, ob er wissen will oder nicht, was er tut.
Hier der Trailer von Indielisboa zur Nolot-Retro:
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Meeting Lucki Stipetic (Indielisboa I)
Gesprächsnotizen.
Nach den Dankesreden der drei Festivalchefs kommt ein schlanker Herr auf die Bühne, spricht frei ein paar Worte in ziemlich gutem Portugiesisch (sage ich mal) und liest dann einen Brief seines Bruders vor. Der Herr ist Lucki Stipetic und sein Bruder ist Werner Herzog (geb. Stipetic). Herzog hat soeben seinen jüngsten Film mit dem Titel My Son, My Son, What Have Ye Done abgedreht. Dafür war er zuletzt noch für einen einzigen Drehtag nach China geflogen und, schreibt er im Brief, den sein Bruder vorliest, dachte ernsthaft, als er erwachte, er sei in Lissabon.
Wo er nun nicht ist, obwohl er alles versucht hat, obwohl man ihm hier, wo alles so entspannt und großzügig und freundlich ist, ganz sicher einen großen Bahnhof bereitet hätte. Das Festival Indielisboa zeigt eine Herzog-Retrospektive, die sich nicht ausschließlich, aber doch stark auf die Dokumentarfilme bezieht. Zur Eröffnung lief der jüngste, das auf erhabene Weise komische Antarktik-Werk Encounters at the End of the World. Darin geht ein Pinguin aus eigenem unerforschlichen Ratschluss allein in die Eiswüste und damit in den sicheren Tod. "Warum?" fragt Werner Herzog im Voiceover-Kommentar. My Son, My Son, What Have Ye Done.
Vorhin traf ich Lucki Stipetic dann beim Espresso im Hotel zum Gespräch. Seit Jahrzehnten produziert er die Filme seines Bruders - erst neuerdings bei den Hollywood-Produktionen nicht mehr. Was produzieren so heißt in den freischwebenden Zusammenhängen, in denen Herzog sich mit seinen Filmen so bewegt. Er ist vor Ort meist dabei (nicht in McMurdo, was er schon sehr bedauert), er stellt Kontakte her mit Geldgebern und hält dem Bruder den Rücken frei. Sie haben ein harmonisches Verhältnis, meint er, und das seit Jahrzehnten, der eine vertraut dem anderen und genau so funktioniert es.
Mit einem Gerücht räumt er auch gleich auf: David Lynch hat mit der Produktion von My Son, My Son, What Have Ye Done persönlich gar nichts zu tun; seine Produktionsfirma ist an Stipetic/Herzog herangetreten und hat gefragt, ob es vielleicht ein Projekt gibt. Die Antwort versteht sich von selbst, meint Stipetic, bei Werner Herzog gibt es immer ein Projekt, und wenn es keins gibt, dann erfindet er eins aus dem Stand. Der Film ist ein Krimi, soviel ist zu erfahren, und am Ende tötet ein Sohn seine Mutter mit dem Schwert. Der Film ist jetzt abgedreht und Werner Herzog, der inzwischen fast ganz in Los Angeles lebt, braucht ein paar Tage Ruhe auf seinem Bauernhof in der Steiermark.
Ein überzeugter Amerikaner ist Herzog inzwischen, versichert sein Bruder, der dennoch durchblicken lässt, dass einem Europäer wie seinem Bruder da doch etwas fehlt. Wir sprechen darüber, wie es kam, dass Deutschlands aufregendster noch aktiver Regisseur (das sage jetzt ich) aus den großen Zeiten des Neuen Deutschen Films seiner Heimat so vollständig abhanden gekommen ist. Im Spielfilm Invincible steckt noch ein wenig nordrhein-westfälisches Fördergeld, sonst aber: Fehlanzeige in Deutschland. Bedenklich werden bei Verleihern Köpfe gewiegt, wenn der Name Herzog fällt, mit Finanzierungsanfragen versucht es Stipetic schon gar nicht mehr. In England, in Frankreich reißen sich die Leute darum, Herzogs Filme zu finanzieren, in Deutschland: nichts und wieder nichts.
Stipetic hat keine Erklärung, außer: Herzog schleimt nicht rum. Er ist nicht in Talkshows oder sonstwie in Deutschland präsent; er macht, ohne allzuviel Rücksicht zu nehmen, immer sein Ding und geht nicht mit den richtigen Leuten essen. Meinem Seufzer, dass die deutsche Filmproduktionslandschaft und alles, was hier so gern Industrie wäre, zum Verzweifeln provinziell ist, widerspricht Stipetic denn auch nicht. Filmpreis, Filmakademie, Kosslick-Berlinale: einvernehmlich schütteln wir schweigend die Köpfe.
Und sprechen über Hollywood: Jederzeit ist in Los Angeles, meint Stipetic, die Verehrung zu spüren, die Herzog dank seiner legendären Filme aus den siebziger Jahren genießt. Er freut sich, so eitel ist er schon, aber er geht auch, versichert Stipetic, ziemlich gelassen mit diesem Ruhm um. Und natürlich ist er auch nicht mehr als die "gun for hire" bei Produktionen wie Bad Lieutenant, er hat nicht das Recht auf den Final Cut, aber wirklichen Ärger gab es bisher nicht. Das Ende von Bad Lieutenant war den Produzenten allzu düster, jetzt gibt es, versichert Stipetic, einen Kompromiss. Einen US-Verleihtermin gibt es noch nicht.
Dann noch Spannendes zum nächsten Projekt, wieder ein Dokumentarfilm. Ausgangspunkt war ein Auftragsjob, wieder Oper (Stipetic, stellt sich heraus, ist ein Opernfan und war auch das Movens für die Operninszenierungen seines Bruders), ein dreiminütiger Film zu einer Arie aus "La Boheme". Es ergab sich, zufällig, dass Herzog in diesem Kontext auf die Fotografien von Hans Silvester aufmerksam wurde. In den siebziger Jahren machte Silvester Aufnahmen von Mitgliedern eines von der Welt abgeschieden lebenden Stammes in Äthiopien. Den hat Herzog, fasziniert von den - übrigens völlig inszenierten - Bildern, aufgesucht, ein paar Bilder gemacht für den Dreiminutenfilm.
Es stellte sich heraus, dass darin ein Filmprojekt ganz nach seinem Herzen steckt. Der Stamm lebt bis heute in einer anderen, von der modernen ganz abgeschiedenen Welt. Zwar sichern die Männer mit Kalaschnikoffs das Revier (sie leben im Grenzgebiet zum Sudan), aber von der modernen Welt, in der sie leben und nicht leben, sind, erklärt Stipetic - der mit Herzog zu den Aufnahmen für den Kurzfilm dort war -, die Mitglieder des Stamms bis heute unberührt. Von ihnen wird Herzog dann erzählen, in diesem Jahr noch geht es nach Afrika. Stipetic, der ein ganz in sich ruhender Mensch ist, der auch glaubhaft versichert, dass ihn das Kino eigentlich weniger interessiert als Literatur oder Oper, der glücklich ist, mit dem was er tut, der gar nicht mehr sein will für die Welt als der Produzent (und der Bruder) seines Bruders, Stipetic klingt da jetzt doch ganz ausgesprochen vorfreudig.
P.S.: Stipetic erklärt ausdrücklich, dass die kürzlich auch hier verlinkten YouTube-Herzog-Filme, die Starzmedia ins Netz gestellt hat, völlig illegal dort stehen. Das Cease-and-Desist haben sie bereits im Briefkasten. (Dreist, sehr dreist findet Stipetic diese Aktion. Und recht hat er.) Der folgende Ausschnitt aus Encounters ist auch einfach so upgeloadet worden, aber ich persönlich finde Exzerpte dieser Länge okay, deswegen hier auch der Auftritt des traurigsten Pinguins der Welt (RIP). Ansonsten: unbedingt ansehen, toller Film. (S. auch Ludger Blanke im CARGO-Heft: "Der schönste Dokumentarfilm der letzten hundert Jahre"):
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Fehlanzeige
Wo ist Hong?
Cannes-Lineup so lala. Bruno Dumont vermisse ich gewiss nicht. Aber: Wo ist Hong Sang-Soos neuer Film You Don't Even Know? Ich protestiere hiermit, in Unkenntnis näherer Umstände. Kleiner Trost: Hier ist der Trailer. (Ah, Schwenk, Zoom, alles da.) (Update: Zum Cannes-Programm gibt es eine großartige Übersicht bei David Hudsons IFC Daily.)
Update: Wie David Hudsons Kommentar zu entnehmen ist, wird der Film in der Nebenreihe Quinzaine des Réalisateurs zu sehen sein. Dort auch Neues von Nobuhiro Suwa, Luc Moullet, Axelle Ropert (vgl. Serge Bozon), Pedro Costa und - äh - Francis Ford Coppola. Eine würdige Umgebung, andererseits sieht das langsam so aus, als würde alles, was aus dem einen oder anderen (eingebildeten) Grund nicht fürs ganz große Rampenlicht taugt, jetzt dahin abgeschoben.
Update II: Bei der ersten Durchsicht habe ich es übersehen, aber in der Quinzaine läuft ein weiterer Film, auf den ich ganz ausgesprochen gespannt bin. Der sehr autobiografische Film Oxhide der ganz jungen chinesischen Filmhochschulstudentin Liu Jiayin war eine der allertollsten Überraschungen der Berlinale der letzten Jahre (hier mehr). Offenbar hat sie jetzt eine Fortsetzung gedreht, der Titel jedenfalls lautet Oxhide II. Ob da mal wieder die Berlinale gepennt hat? Aber vielleicht ist er auch gerade erst fertig geworden...
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Claire Denis Fundgrube
Das ist wohl das, was man im Englischen einen Treasure Trove nennt. Catherine Grant stellt auf Film Studies For Free Links zu mehr als fünfzig frei verfügbaren Texten von, zu, mit Claire Denis zusammen. Außerdem macht sie auf ein Denis-Symposium aufmerksam, das Anfang Mai an der Universität von Sussex stattfinden wird: Drifting. The Films of Claire Denis.
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Gondryana
Gondry en famille.
Also, der Reihe nach. Michel Gondrys neuer Film (nach der Superheldenverfilmung Green Hornet, von und mit Seth Rogen) wird den Titel Megalomania tragen. Es ist ein Animationsfilm. Und er dreht ihn gemeinsam mit seinem Sohn Paul, der gerade mal 18 Jahre alt ist. Den Inhalt beschreibt Gondry père wie folgt:
“We’re translating our relationship into a futuristic story with a dictator and a rebel,” he explained of the film’s rudimentary outline. “He’s the dictator in the story [and] it will be based on [his] art.”
Drehbuch: Niemand anderer als Daniel Clowes (Ghost World). Mitspieler (Stimme): Steve Buscemi.
Paul Gondry hat schon vor zwei Jahren Regie geführt, bei einem Musikvideo für die Willowz (kurz gesagt: Punx not dead). Das wäre hier:
Wo ich gerade schon dabei war, habe ich auch noch dies entdeckt, ein Werbevideo von Hewlett Packard. Zu sehen ist Michel Gondry, beteiligt auch sein Sohn Paul. Regie geführt hat allerdings Michels Bruder Olivier. Es ist, das mindeste zu sagen, extrem Gondryesk.
[von hier]
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Luftgitarristen des Lebens
Paar Notizen zu Dominik Grafs "Süden und der Luftgitarrist"
Von einer Straße ist die Rede, im Luitpoldpark, die keiner mehr kennt. Dass man von da den Fernsehturm sieht, daran erinnert sich Süden. Und dass der Mann, den sie suchen, von Anfang an suchen, dort stecken könnte, in einem Volvo, in Lebensgefahr, das ahnt er intuitiv auch.
"Süden und der Luftgitarrist" ist ein Film über München und seine Straßen, es ist ein Film über Süden und seine Erinnerungen, es ist ein Film über falsches Timing und übers Unglücklichwerden, das den Umständen, einem Verstocktsein der Dinge, dem eigenen Willen zum Unglück oder, naja, hier oder da einfach auch Friedrich Ani verdankt ist.
Traumatisiert sind sie alle. Vom Tsunami. Von der Kindheit her. Von den Männern. Von den Frauen. Vom Erfolg. "Süden und der Luftgitarrist" zeigt München im Winter, München als Stadt, in der einer erfrieren kann, in der es einem kalt und dann nie wieder warm wird.
Großartig ist, wie der Film von Anfang an einfach nicht zulässt, dass eine der Geschichten, die er erzählt, so ähnlich sie sich auch sind, ins Zentrum rückt. Er bewegt sich durch seine Geschichten, wie sich die Kamera durch seine Räume, durch die Straßen der Stadt bewegt. Mal stößt ein Zoom von oben herab, aber die Bewegung verliert sich danach. Es ist viel Bewegung im Film, aber es ist zerstreuende Bewegung, ein Treiben und ein Zerstreutsein. Ein Gehen durch Räume, in dem das Vergehen der Zeit und das Nicht-Vergangen-Sein des Vergangenen seltsam untrennbar schon steckt.
Was vielleicht auch der Grund ist, dass die Räume des Films, die innen, die außen, die Zimmer, die Wege, die Häuser, die Kneipen anfällig sind für die Zeit. Manchmal ist es, als biege der Film mit seinen Bildern um eine Ecke, oder folge dem Blick durch ein Fenster und dann ist da der Vater, der wahrscheinlich lang tot ist. Oder auch: Vom totalen Stillstand, in dem nichts als Trauer zum Ausdruck kommt, zum raschen Bei-der-Hand-Packen und Ins-Hotel-Rennen und Miteinander-Schlafen: das geht ganz schnell, ganz übergangslos.
Und das Luftgitarrespielen als symbolisches Handeln ist wirklich ganz toll. Es geht um eine Verausgabung um nichts, um ein Handeln, ein Fühlen, ein Sich-Vergessen im Ersatz. Dabei muss man's schon können, muss aber das Können, wenn's Ernst wird (ganz am Ende, haarscharf und famos an der Grenze zum Exzess: Alexander Scheer), auch wieder vergessen können. Wie hier auf diese Subkultur geschaut wird, ist sehr, sehr schön; wie sie Jeepster sagen und Vagabond. Dieses Möchtegernhinausgehen durch die Namen allein in die Welt. Auch das ja sehr Siebzigerjahre. Und dass Süden lachen muss, obwohl er wirklich nicht darf und ja versprochen hat, nicht zu lachen. Und wie sein Kollege es hinnimmt, weil er schon weiß, dass Süden sich nicht lustig macht. Es ist komisch, an sich, aber so, wie es dann ist, ganz konkret, ist es gar nicht so komisch. Sondern eindrucksvoll fast, das Luftgitarrespielen.
Und so erzählt "Süden und der Luftgitarrist" von ganz verschiedenen Dingen: Von einer Wiederbegegnung als Wunder, das sich dann als Alptraum erweist. (Nichts schlimmer als ein tiefer Wunsch, der sich erfüllt.) Davon auch, wie einer aus dem Loch, in das er sich verkrochen hat, nicht mehr rauskommt. Erklärt wird da weiter nichts, das ist sehr schön. Man sieht vielmehr zu, man sieht rückwärts noch zu, wie das kam und da genügt Dominik Graf eine Bewegung der Kamera über die Wand mit all den Fotos des Jungen, der einmal so viel versprach; oder eine Postkarte und eine Hand, die sich krampfhaft darum schließt. Oder die Super-8-Bilder, die Gitarre, eine Assoziation und mit der Vision, die er hat, reiht sich auch Süden ein in den Reigen derer, die mit der Wirklichkeit nur gerade so noch zurande kommen.
Der Trauer, um die sich die Süden-Krimis so sehr, und manchmal auch so ausgestellt drehen, nimmt Dominik Graf alles Erlesene. Indem er sie in Bildern präsentiert, die an Filme und mehr noch deutsche Fernsehkrimis der 70er Jahre erinnern. Leicht körnig sind sie, leicht verwaschen, fast selbst ein bisschen verstockt sind diese Bilder, auch wenn sie, in Zooms und wenn der eine die andere packt, hochschrecken können. Wenn sie dann Sex aber haben, ein bisschen, klar, à la Roeg, im Hotel, in einer Zeit, die sie sich nehmen, wenn nicht gar stehlen (und wieder ausgeschlossen Kollege Jeepster, der das irgendwie weiß und spürt, weswegen er so insistent nachfragt), das ist schon eine Idee vom Glück, die gilt.
Über die Musik, die Dieter Schleip dafür komponiert hat, könnte man sagen, dass sie alles moduliert und pointiert, aber ganz selbständig, im Gespräch mit den Bildern, der Atmosphäre des Films; nichts wird einfach nachgesprochen oder vorbuchstabiert. Es geht in der Musik wie in allen anderen Tönen, die der Film findet, sehr darum, solidarisch zu sein mit den, etwas seltsam-pathetisch gesagt, Luftgitarrespielern des Lebens, auch wenn man schon komisch, oder, sei's drum, sogar peinlich finden kann, was sie da tun.
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Dr. Ma & Co
China Independent Documentary Archive.
Im Überbau berichtet Lukas Foerste von einem tollen Fund - das reichen wir auf der Stelle weiter:
Ich bin auf ein großartiges Projekt gestoßen, das bereits seit 2006 zu existieren scheint: Das China Independent Documentary Archive. Kernstück der Seite sind eine ganze Reihe chinesischer Dokumentarfilme, die online als Stream ansehbar sind und zwar nicht in Youtube-Qualität, sondern in wirklich guter und außerdem fast alle mit englischer Untertitelung. Die meisten Filme stammen aus den letzten drei, vier Jahren, es ist aber auch der Klassiker Bumming in Beijing aus dem Jahr 1990 zu sehen. Unter den neuen Produktionen findet sich unter anderen der vielleicht schönste Film der letzten Berlinale: Dr. Ma's Country Clinic.
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Blockbuster: John Rabe
Interessante Pressmitteilung zum in Deutschland gefloppten John Rabe:
Wir freuen uns Ihnen mitzuteilen, dass JOHN RABE am 29. April in China in den Kinos starten wird. Mit über 750 Kopienwird dies nicht nur der mit Abstand größte Kinostart eines deutschen Films in China, sondern der größte internationale Kinostart aller Zeiten für einen deutschsprachigen Film.
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Comfort Zone
Woody Allen - Larry David
Larry David (Curb Your Enthusiasm) spielt die Hauptrolle in Woody Allens neuem Film Whatever Works. Im New York Observer jetzt: Woody Allen über Larry David. Larry David über Woody Allen. Und Larry David über Larry David:
"I was kind of uncomfortable. I was out of my comfort zone,” he said. Then he laughed. “Of course, the comfort zone is not very big! I take one step to the right and I’m out of my comfort zone.”
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Paarbildungen
Binoche/Kiarostami. Allen/David.
Interessante Paarbildungen. Abbas Kiarostami dreht seinen neuen Film Certified Copy mit Juliette Binoche (die zuletzt schon in Shirin im Publikum saß und überhaupt ins Guinness-Buch zu wollen scheint als die Darstellerin, die mit den meisten Weltkino-Regisseuren gearbeitet hat...) [via Andisheh]
Auch gerade erst gemerkt habe ich, dass Larry David (Curb Your Enthusiasm) in Woody Allens neuem Film Whatever Works die männliche Hauptrolle spielt. Hier gibt es Szenen von den Dreharbeiten:
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TV-Tipp: Klaus Lemke: Dancing With Devils
Der neue Lemke.
Heute Abend, 23.45 Uhr, ZDF: Klaus Lemkes neuer Film Dancing With Devils. Ort: Hamburg, Nachtclub Fundbureau. Geschehen: Sex, Crime. Hauptdarstellerin Saralisa Volm. Ankaufspreis ZDF: 110.000 Euro. Gage für DarstellerInnen: 50 Euro am Tag. Titel des geplanten nächsten Lemke-Films: Die Wüste lebt - son kleiner Schwabing-Porno. Presse, menschelnd: Tagesspiegel, Süddeutsche. Clip, falsches Format, ohne Sound (wg. Musik-Copyright): YouTube.
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Cargo als SciFi-Thriller
Na sowas.
Na, so haben wir nicht gewettet. Da dreht doch glatt einer einen Film mit dem Titel Cargo. Einen Sci-Fi-Thriller noch dazu. Der geht so:
The story of CARGO takes place on rusty space-freighter KASSANDRA on its way to Station 42. The young medic LAURA is the only one awake on board while the rest of the crew lies frozen in hibernation sleep. Only in 4 months will Laura's shift be over. During her daily patrols, through the eerily empty ship, LAURA begins to get the feeling that she is not alone on-board. A discovery mission in the dark and ice-cold cargo hold ends in catastrophe. The remainder of the crew is awakened. A cat and mouse game begins in which nothing is what it seems. What lies hidden in the strange freight containers and who, or what, is also on-board?
Regisseur ist ein Schweizer namens Ivan Engler. Zu lesen ist das hier. Den Hinweis verdanke ich Sebastian Selig. Und Bilder gibt es auf der Website auch schon. Hier ist eines davon::
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Wolverine Leak
Wolverine Hoopla.
Viel Aufregung gerade in USA um die unfertig ins Netz geleakte Kopie des neuen Wolverine-Films. Eine der Nebenwirkungen: Roger Friedman, Fernseh-Filmkritiker bei Fox News, dem Sender des Wolverine-Studios Fox, hat es gewagt, die illegale Kopie zu besprechen. In vorauseilendem Enthusiasmus versteht sich. Hat aber nichts genützt, er wurde auf der Stelle gefeuert:
"Roger Friedman's views in no way reflect the views of News Corp. We, along with 20th Century Fox Film Corp., have been a consistent leader in the fight against piracy and have zero tolerance for any action that encourages and promotes piracy. When we advised Fox News of the facts they took immediate action, removed the post, and promptly terminated Mr. Friedman."
Wie nicht anders zu erwarten, hat sich Wolverine sofort an die Spitze der BitTorrent-Download-Hitparade gesetzt. (Auch interessant: The International von Null auf Drei.)
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The Problem With 3D
The Problem With 3-D: It hurts your eyes. Always has, always will. (...) Let me go on record with this now, while the 3-D bubble is still inflating: Katzenberg, Quittner, and all the rest of them are wrong about three-dimensional film—wrong, wrong, wrong. I've seen just about every narrative movie in the current 3-D crop, and every single one has caused me some degree of discomfort—ranging from minor eye soreness (Coraline) to intense nausea (My Bloody Valentine).
Daniel Engber erklärt bei Slate die Probleme mit 3 D.
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Minority Report
«Stellet Licht» (Carlos Reygadas)
Vielleicht bin ich ja was Transzendenzfilme angeht besonders unmusikalisch - aber Stellet Licht als Film des Jahres? Ernsthaft? Allein die scheußlichen Großaufnahmen. Für einen Dokumentarfilm über die mennonitischen Bauern von Raymond Depardon könnte ich mich allerdings jederzeit erwärmen. Die Seitensprung-Story inklusive Motel-Sex (auch fürchterlich, wie er das filmt, das Schweißtuch der Veronika immer griffbereit usf.) zum kaum mehr irdisch prozessierbaren Glaubenskonflikt hochzurechnen, ist schon ein starkes Stück. Immer dieses Gedreyere bei diesem Reygadas! Jedenfalls haben die Einheimischen realiter wohl weniger Probleme mit säkularen Vorstellungen als der scheinheilige Autorenfilmer, wie deren Einsatz moderner Mähdrescher und Melkmaschinen beweist. Im schönsten Entlastungsmoment des Films zwinkert der alte Mann, der Johans Vater spielt, fröhlich in die Kamera, nachdem er zuvor mit bierernster Miene Sätze von alttestamentarischer Schwere aufsagen musste. Er war wohl, wie R und ich gestern, froh, dass der Spuk überstanden ist und alle wieder an die frische Luft können.
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Fielding Offers
Francis Ford Coppola im Schaukelstuhl.
Francis Ford Coppola hat Ende März in Argentinien mit den Dreharbeiten zu seinem neuen Film Tetro begonnen (mit Vincent Gallo, Javier Bardem, Alden Ehrenreich). Die Stimmung ist gut, alle sind relaxt. Woher ich das weiß? Daher:
[via Movie City Indie]
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Sita Sings The Blues
Nina Paleys fantastischer Animations-Film Sita Sings the Blues ist seit März komplett zu haben - umsonst bzw. spendenbasiert. (Eine etwas komplizierte Geschichte, die mit den Musikrechten zu tun hat, alles Nötige dazu erklärt die Wikipedia.) Der Film ist eine, vorsichtig gesagt, wilde Mischung aus autobiografischen Elementen (aus dem Leben von Nina Paley) und Animationen, die Episoden aus dem indischen Ramayana-Epos illustrieren. Völlig unterschiedlich sind auch die Animationsstile. Der Vorspann allein aber ist schon derart hinreißend, dass ich ihn hier zwar mal reinstelle, aber sehr empfehle, zu Youtube durchzuklicken, wo der ganze Film in HD zu genießen ist.
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Die Einsamkeit der Zugführer
Auteurs-Interview mit Claire Denis.
A long time ago there was a retrospective of Ozu in Paris in the summer. And I took my mother with me one night to see Late Spring. And I remember my mother was terribly moved. And she started tellng me all these things about her father. It was not a secret at all, the role of her father, and I knew my grandfather well enough. And my mother is not a film critic and she had never seen an Ozu movie, and to see her so deeply touched by a film with subtitles made me think more of this belief in narration and ellipses, than in things like, for instance, the low angle, which is beautiful but my purpose is different. it was really to trust something that I felt. He had this trust and I think he's one of the only ones.
Claire Denis im Auteurs-Interview mit Kevin Lee - nicht ausschließlich - über 35 Rhums.
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See It With Someone You ****
Soderberghs "The Girlfriend Experience", Poster
Das viel bewunderte Poster zu Steven Soderberghs neuem Film The Girlfriend Experience. (Ja, der vorletzte, der mächtige, vierstündige Che-Film, läuft erst demnächst in deutschen Kinos. Soderbergh filmt mal wieder schneller als sein Schatten.)
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Neoneo in USA
Zur amerikanischen Neoneorealismusdebatte.
In den USA wird seit kurzem recht heftig über ein neoneorealistisches US-Independent-Kino diskutiert. Auslöser war ein sehr ausführlicher Artikel von A.O. Scott im Magazine der New York Times. Darauf erwidert hat der Godardien Richard Brody im Blog des New Yorker. Auf die Erwiderung erwidert A.O. Scott im Blog der New York Times. Daraufhin bedankt sich Brody für Scotts Antwort und bestärkt und erläutert seine Kritik wie folgt:
[Scott] brings up some interesting matters that merit discussion. Behind his enthusiasm for the films he discusses, I sensed a design that was less aesthetic than political; in his response, he expresses it:
What do we mean to one another. What are the limits of compassion and solidarity in a world defined by individualism and organized around acquisition and consumptionàI’m interested in movies that raise these questions with clarity, nuance and feeling, even if the questions themselves ultimately belong not to cinema but to the murkier realms of ethics, politics and religion.
But how the questions are raised and the answers suggested are matters not only for ethics, politics, and religion but also for the cinema itself. Scott positions himself as an “incorrigible humanist” against my “diehard formalist.” I call myself a humanist too, but I look to art to challenge my assumptions, my prejudices, even my deepest humanistic convictions. I want the work of artists who dare to offer up disturbing ideas, shocking facts, dangerous emotions to reinforce, even expand, my humanism. It’s a hope—and a risk.
Eine alte Debatte. Aber eine, die stets aufs Neue zu führen ist.
Auslöser des Ganzen ist - neben Kelly Reichardts (Old Joy) neuem Film Wendy and Lucy - das jüngste Werk von Ramin Bahrani (Man Push Cart, Chop Shop): Goodbye Solo. Im Greencine-Daily-Blog spricht Aaron Hillis mit dem Regisseur, auch über den Artikel von A.O. Scott. Roger Ebert hat unterdessen Bahrani zum "new great American director" ausgerufen. In den Kommentaren schlägt er sich übrigens - wie zu erwarten war - auf Scotts Seite:
Is "The Bicycle Thief" materialist? Brody writes like a person who never had a bicycle stolen as a boy. I did, and there was nothing materialist about it. I lost my freedom, my speed, my transportation, my bike! If he doesn't believe a bicycle has spiritual values, he must never have been a boy.
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Deutschland 09 im Spiegel der Welt
In der Welt äußert sich nun endlich auch Ulf Poschardt zu Deutschland 09. Interessanter als seine Einschätzung des Films und die etwas hilflosen Versuche, daraus Lagerwahlkampfstoff für seinen Auftraggeber abzuleiten («Das politische Scheitern der Linken findet in dem Film sein kulturelles Denkmal») und auch interessanter als rare Zitatfunde zum politischen Film («Godard machte keine politischen Filme, sondern Filme politisch.»), sind die Kommentare der Welt-Online-Leser. Kostprobe gefällig? «Deutschland ist eine Industrienation und kann alles sehr, sehr gut, was damit zusammen hängt. Aber Kino und Musik sind eine sehr große Schwachstelle, um nicht zu sagen katastrophal.» («Anna»); «Ha ha, endlich mal 'ne geile Kritik. Einige der Regisseure, allen voran Fatih Akin, halte ich sowieso für total überschätzt. Als ich gehört hatte, dass er auch noch einen Film über den hauptberuflichen Jammerlappen Murat Kurmaz drehen wollte, hat sich mir bereits der Magen umgedreht.» («KBDM») und «Wenigstens verliert sich Ulf Poschardt nicht in diesem stereotypisch verheulsusten und von penaelerromantischen Pathos triefendem Deutschlandbild: Paezise und schonungslos deckt er die Wirklichkeit auf. Danke!» («Svenster») usf. Dank gebührt ihm natürlich vor allem dafür, die eigene Leserschaft derart repräsentativ zur Meinungsäußerung motiviert zu haben.
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Garagecore
Mumblecore-Verarschung.
Hilarious. Funny or Die verarscht kongenial die Mumblecore-Bewegung: [via filmmakerblog]
The Dirty Garage - watch more funny videos
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Francis Ford Coppola: Tetro
Tetro, der neue Film von Francis Ford Coppola.
Der Mann rechts im Bild ist Francis Ford Coppola, der gerade dabei ist, sich selber zu filmen in seinem Arbeitszimmer in Kalifornien. In dem kurzen Video stellt er - auf ziemlich diy-sympathische Weise - sein neues, offenbar bereits abgedrehtes Projekt Tetro vor, und zwar als zugleich sehr persönlich und im wesentlichen doch fiktional. Es ist der erste Film nach Originaldrehbuch von Coppola seit The Conversation, also seit einiger Zeit. Es geht, sehr viel mehr ist nicht zu erfahren, um einen dominierenden Vater und um die Rivalität von Brüdern. Es spielt, schlechte Nachricht, Klaus Maria Brandauer mit. In der Hauptrolle, gute und ziemlich erstaunliche Nachricht: Vincent Gallo. Das alles und mehr: auf der Website zum Film - für das Video auf die Motte klicken. [via the curator corner]
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Update Heftinhalt: Im Angesicht des Verbrechens
Gemeldet wird, dass die Produktionsfirma Typhoon - geleitet vom ehemaligen RTL-Chef Marc Conrad - Insolvenz anmelden musste. Und zwar wegen immens gestiegener Produktionskosten für die von Dominik Graf gedrehte ARD-Serie Im Angesicht des Verbrechens. (Mehr zur Serie im CARGO-Heftbericht von den Dreharbeiten.) Die Produktion der auf acht Folgen angelegten Premium-Qualitäts-Produktion hatte während der über viele Monate sich hinziehenden Dreharbeiten große arbeitsrechtliche Probleme bekommen und musste auf deutlich begrenzte tägliche Arbeitszeiten umstellen. Die Drehzeit hat sich dadurch um viele Wochen verlängert. Typhoon versucht nun, die Gelder, die es zur Beseitigung seiner Finanzengpässe benötigt, beim öffentlich-rechtlichen Auftraggeber WDR einzutreiben. [mehr dazu bei dwdl]
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Hochhäusler/Peltzer im Freitag
Und das Leben der Banker ist noch viel schriller und grausamer und perverser, als wir uns das vorgestellt haben. Da sind wir beide kleinbürgerlich. Wir hatten die Vorstellung von einer funktionierenden Maschine, vom Hochkapitalismus als etwas Effizientem. Und haben dann festgestellt, dass das nicht effizient, sondern selbstzerstörerisch ist. Vieles, was in dem Top-Banking passiert, funktioniert nach dem Motto alle gegen alle.
Filmemacher Christoph Hochhäusler und Autor Ulrich Peltzer sprechen im Freitag-Interview über das Filmprojekt Unter dir die Stadt (Arbeitstitel), für das sie gemeinsam das Drehbuch geschrieben haben.
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Michael Mann: Public Enemies
Michael Manns Public Enemies kommt bei uns im August in die Kinos, jetzt gibt es einen ersten Trailer. Der Film basiert auf dem gleichnamigen und absolut lesenswerten Sachbuch von Bryan Burroughs, das im Kern rekonstruiert, wie sich das FBI als Institution selbst erfand, indem es einen «War on Crime» ausrief, der den legendären Depressionszeit- Outlaws John Dillinger, Lester Gillis a.k.a. «Baby Face Nelson», Clyde Barrow & Bonnie Parker und Fred Parker galt.
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Apatows Männer
Ein Beleg dafür, wie sehr die ganze Apatow-Familie (Seth Rogen, Jason Segel et. al.) inzwischen im Medien-Mainstream angelangt sind, ist die jüngste Foto-Session, für die sie berühmte Momente der Filmgeschichte sowie auch mehr oder minder legendäre Star-Fotografien mehr oder minder, meist mehr als minder, komisch nachstellen. Auf den Seiten der amerikanischen Vanity Fair (muss man ja jetzt eigentlich wieder nicht mehr dazusagen, "amerikanische") ist das ganze als Slide-Show zu bewundern [via The Playlist]
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Christian Bale goes berserk
Neulich am Set zum neuen «Terminator»
Christian Bale schreibt sich eindrucksvoll in die Klaus Kinski-Tradition ein:
(via Michael Althen)
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Analphabetismus, historisch, sprachlich
Schlechte Ideen guter Menschen.
Zu den ganz schlechten Ideen, die man als wohltätige Organisation haben kann, gehören solche:
"Der Vorleser. Zusammenarbeit von Senator Film Verleih mit dem Bundesverband Alphabetisierung und Grundbildung."
Ganz schlechte Idee, weil diese verkorkste Vermischung von Analphabeten- und KZ-Wächtertum schon von Schlink her ihre nicht nur dummen, sondern auch obszönen Seiten hat. Und weil, was nicht zusammengehört, wenn es aus PR-Gründen zusammengespannt wird, sprachliche Unglücke der folgenden Art produziert:
"In Deutschland leben nach Schätzungen des Bundesverbandes Alphabetisierung und Grundbildung e.V. vier Millionen funktionale Analphabeten. Noch vor fünfzig Jahren, der Zeitspanne, in der die Geschichte des VORLESERS ihren Anfang nimmt, waren geringere Kenntnisse notwendig als in unserer heutigen komplexen und mediengeprägten Gesellschaft. Der Bundesverband Alphabetisierung und Grundbildung e.V. setzt sich seit Jahren für diese stark benachteiligte Bevölkerungsgruppe ein."
Gewagte Behauptung, dass die Geschichte des Vorlesers in der Zeitspanne vor fünfzig Jahren ihren Anfang nimmt. War da als eher nicht wegzudenkende Vorgeschichte nicht eine ganz andere, eher tausendjährige Zeitspanne im Spiel, von der man von Seiten dieser Kooperationshirnlosigkeit offenbar lieber nichts wissen will? In unserer komplexen und mediengeprägten Gesellschaft hilft Lesen allein halt nicht viel. Ein bisschen Denken muss manchmal schon auch sein.
[via Pressemeldung]
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Kate Winslet und David Kross
Fotos von Kate Winslet und David Kross von unserer Fotografin Kristin Hoell.
Fotos von Kate Winslet und David Kross von unserer Fotografin Kristin Hoell
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John Cleese is a Mess
Berlinale-related, seltsam genug. John Cleese auf Promotion-Tour für den Wettbewerbsbeitrag (außer Konkurrenz) "Pink Panther 2":
D
Da es auch um Terry Gilliam geht (sulvustur stullune), kann ich das auch gleich unterbringen:
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Die wilde Punk-Dichterin
Erste Ausschnitte aus Rudolf Thomes "Pink".
Der deutsche Filmemacher Rudolf Thome ("Detektive", "Die Sonnengöttin", "Das Sichtbare und das Unsichtbare" - um jetzt mal ein ganz willkürliche Auswahl aus seinem umfangreichen Oeuvre zu treffen) hat einen neuen Film gedreht. Der Titel ist Pink. Wahnsinnig gefreut hätte Thome sich, hätte die Berlinale den Film in den Wettbewerb eingeladen, das war in seinem Online-Tagebuch, ach, sagen wir: Blog, bei Moana.de nachzulesen. Es hat nicht sollen sein. Immerhin aber läuft Pink jetzt in der in diesem Jahr als Neben-Hauptreihe oder Nebenreihen- oder Wettbewerbskonkurrenz figurierenden Berlinale Special-Reihe, in der auch der neue Chabrol, der neue de Oliveira und der neue Olmi zu sehen sein werden. Das ist ja mal schon eine Gesellschaft, in der Thome sich halbwegs wohl fühlen dürfte. Eigenhändig - das betont er -, also ohne Hilfe seiner Schnittmeisterin, hat er nun Ausschnitte aus Pink zusammen- und bei seinem eigenen Youtube-Kanal reingestellt. Thome wird dieses Jahr siebzig, aber an Technik-Aufgeschlossenheit ist ihm unter den nicht mehr ganz jungen Filmemachern wohl nur Chris Marker voraus. Hier sind die Ausschnitte und Thomes Überzeugung, dass das nun noch einmal ein ganz anderer Film sei, als das, was man zuletzt von ihm sah, teile ich, bis mich der Film dann vielleicht doch eines besseren belehrt, nicht:
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Better Than
Der notorisch kontrarianische New-York-Press-Kritiker Armond White (mehr über ihn in diesem verdächtig freundlichen Wikipedia-Eintrag) hat, wie jedes Jahr, seine "ist besser als"-Liste veröffentlicht. Wie jedes Jahr könnte man sich - was man auch soll - endlos darüber aufregen. "Twilight" besser als "Let the Right One In"? "Transporter 3" besser als "The Dark Knight"? Begründung jeweils in ein bis zwei Zeilen. Wütende Kommentar gibt es natürlich auch schon.
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My Name is Button, Forrest Button
Drüben bei Spiegel Online muss ich mir sagen lassen: Wer anlässlich des "Seltsamen Falls des Benjamin Button" kein Herz hat, dem wächst keines mehr. Na, sei's drum, wer braucht schon ein Herz, wenn er ein Netz hat, das vor Augen führt, was für ein Selbstplagiat das Buch zum Film ist, das einem einen Gump für einen Fitzgerald vormacht:
The Curious Case of Forrest Gump - watch more funny videos
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Jeunesse Doree
Ein kleiner Spaziergang durch ein Hipster-Netzwerk. In den Hautprollen: Jordan Galland, Sean Lennon, Asia Argento und Michele Civetta.
Der Titel ist auf jeden Fall clever: Rosencrantz and Guildenstern are Undead. Der Film, der jetzt beim Slamdance-Festival zu sehen war (noch keine Kritiken), ist das Langfilmdebüt von Jordan Galland. Zu ihm gleich mehr. Ganz schwer zu sagen, ob das Werk irgendwann in einer Videothek in Ihrer oder meiner Nähe auftaucht, ich bin auch nicht sicher, wie viel ich mir davon verspreche, aber sehen möchte ich es schon. Hier jedenfalls ein paar Informationen zum Film, zu den Machern und zu den Freunden der Macher und den Freunden der Freunde der Macher. Einigen der Protagonisten eilt der Ruf voraus, nichts als prätentiöse Hipster-Arschlöcher zu sein. Die Zusammenhänge sind in jedem Fall recht interessant, bleiben Sie dran.
Wie der Titel vermuten lässt, setzt der Film auf Tom Stoppards Theaterstück (von Stoppard selbst auch verfilmt) Rosencrantz and Guildenstern are dead noch einen drauf. Oder sogar zwei oder drei. (Stoppard übrigens hat offenbar seinen Segen zu der Sache gegeben.) Schauplatz der Handlung ist New York, das East Village genauer gesagt. Den Helden namens Julian Marsh spielt Jake Hoffman, der wiederum nicht nur der Sohn von Dustin ist, sondern auch keineswegs das einzige Kind berühmter Eltern, das im weiteren Fortgang dieses Postings auftaucht. Ebenfalls mit dabei: John Ventimiglia, der bei den Sopranos Artie Bucco und Jeremy Sisto, der in Six Feet Under Billy war.
Julian Marsh soll, so geht die Geschichte, ein Theaterstück inszenieren, das Titeltheaterstück des Films. Im Stück im Film ist Horatio ein Vampir, und Hamlet sowie seine Wittenberger "Freunde" Rosencrantz und Guildenstern sind es auch. Ophelia ertränkt sich, bevor Horatio kraftvoll zubeißen kann - und damit wäre das auch geklärt. Hamlet will sich erlösen, aber dazu muss er vom Gral trinken, der ist also gleichfalls im Spiel. Die Wikipedia-Seite erklärt die näheren Einzelheiten zum Meta-Theater-Aspekt:
The battle for the Grail between Hamlet and Horatio lasts for centuries and leads to the creation of four plays, each concealing a secret message. The first is Shakespeare's Hamlet, written at Horatio’s bidding. The second is Rosencrantz and Guildenstern, written in the Nineteenth Century by W.S. Gilbert (half of the duo of Gilbert and Sullivan). The third is Tom Stoppard's Rosencrantz and Guildenstern Are Dead, written in 1964. The final play in the cycle is this one, Rosencrantz and Guildenstern Are Undead, written by Horatio himself under the name Theo Horace. Its purpose: to lure the real Hamlet into a final confrontation.
Von dem tatsächlich existierenden Theaterstück ohne Sullivan-Musik von W.S. Gilbert habe ich bisher nichts gewusst; die Grundpointe scheint darin zu bestehen, dass Gertrud und Claudius sich ernste Sorgen machen um ihren (Stief)Sohn Hamlet, der nämlich eine gefährliche Tendenz zum ständigen Monologisieren hat. Zu heftigen Konflikten kommt es, als Hamlet, auf den Rat der zu seiner Zerstreuung an den dänischen Hof geholten Freunde Rosencrantz und Guildenstern, ein Theaterstück aufführt, das Claudius in seiner Jugend geschrieben und dessen Aufführung er streng verboten hat. Aber egal, darum geht es jetzt nicht, wer sich im Detail dafür interessiert, hat Glück: Das Stück ist komplett im Netz zu bekommen.
Bevor es mit Informationen zu Jordan Galland weitergeht, der entweder nur ein schlauer Hipster ist oder doch ein interessanter Mann, gibt es erstens den Link zu einem ganz aktuellen Interview des Filmmaker Magazine mit Galland, zweitens einen Link zu einem nicht ganz aktuellen Interview und den Trailer zu seinem Film Rosencrantz and Guildenstern are Undead:
Jordan Galland, das ist auf seiner Website nachzulesen, hat mit 13 Jahren sein erstes Theaterstück geschrieben. Er hat mit 18 Jahren eine Band gegründet, des Namens "Dopo Yume", und ist mit dieser Band ein bisschen halb berühmt geworden, immerhin durch die Welt getourt mit größeren Stars wie zum Beispiel Rufus Wainwright, der der Sohn berühmter (und jedenfalls musikalisch grandioser) Eltern ist, nämlich von Kate McGarrigle und Loudon Wainwright III (der dem Filmfreund aus diversen Judd-Apatow-Abenteuern bekannt ist und in der ziemlich tollen Apatow-College-Fernsehserie Undeclared sogar eine Hauptrolle spielt; aber darum soll es nicht gehen, wer sich für die Serie interessiert, kann diesen Ausschnitt genießen, in dem Loudon Wainwright in der Gegenwart von Adam Sandler, der Adam Sandler spielt, einen sehr peinlichen Gesangs-Auftritt hat:
Sorry, das war eine Abschweifung, die gar nicht intendiert war. Es kommt aber noch dicker. Einer der engsten Freunde von Jordan Galland ist Sean Lennon, der Sohn von Yoko Ono und John Lennon. Von Lennon stammt der Score zu Rosencrantz and Guildenstern are Undead, mit Sean Lennon gemeinsam hat Jordan Galland das Buch zu seinem ersten Kurzfilm Smile for the Camera (Informationen bei Wikipedia) geschrieben, in dem es um Seelendiebstahl durch Fotografie geht. Milla Jovovich hat einen Cameo-Auftritt, auch Sean Lennon, den man im übrigen im Clip zum Dopo Yume-Song Igloo an einem großen Lolli schlecken sieht:
Als Dritter im Bunde taucht immer wieder auf: Michele Civetta. Er hat Regie geführt bei obigem Music-Clip, aber auch, nur zum Beispiel, dieses Video zu Lou Reeds Song "Ecstasy" gedreht. Er ist jedoch auch, und wir beginnen uns langsam den Töchtern berühmter Väter zu nähern, der Regisseur einer ungewöhnlichen Folge von kurzen Video-Clips oder, man kann das offenbar unterschiedlich sehen, eines gut fünfzigminütigen Films, den Sean Lennon seinem zweiten Album, das den Titel "Friendly Fire" trägt, als Bonus beigelegt hat.
Dieses Album hat einen persönlichen Hintergrund, es dreht sich nämlich um die Trennung Sean Lennons von seiner Freundin Bijou Phillips. Diese ist nicht nur die Tochter von John Phillips - ja, genau, von The Mamas and the Papas - und das Patenkind von Andy Warhol, sondern auch eine Scientologin, eine Musikerin, ein Model und eine Schauspielerin (mit unter anderem einer Hauptrolle in Eli Roths sehr unangenehmem Osteuropa-Slasher Hostel, Part II). In Rosencrantz and Guildenstern are Undead hat sie einen Cameo-Auftritt. Sean Lennon, dessen Freundin sie war, hat sie mit dessen bestem Freund Max LeRoy betrogen und bevor es zur Versöhnung kommen konnte, starb dieser bei einem Motoradunfall. Diese Geschichte also wird aufgearbeitet auf dem Album - das Max LeRoy gewidmet ist und musikalisch sehr schönen und freundlichen und etwas arg harmlosen Gitarrenpop enthält - und auf der dazugehörigen DVD eben die Clips/den Film von Michele Civetta.
Das wäre nur halb so interessant, wäre nun Civetta nicht der nachmalige Ehemann von - ich kann auch nichts dafür - Asia Argento, deren berühmten Vater man ja gewiss nicht vorstellen muss. Und schon in den Videos zum Sean-Lennon-Album spielt neben Bijou Phillips (die sich selbst spielt) und Lindsay Lohan (weiß nicht, wo die jetzt herkommt) und Carrie Fisher (dito) und Jordan Galland eben auch Asia Argento mit. Das ganze ist sehr aufwendig gedreht, mit Kostümen etc., wovon man sich in diesem Clip ein erstes Bild machen kann:
Alle miteinander werden sie im nächsten Jahr beim bisher größten Projekt, an dem sie beteiligt sind, auftauchen. Nämlich der Verfilmung des Kultromans "Coin Locker Babies" von Ryu Murakami. Das Drehbuch dazu haben Sean Lennon und Jordan Galland schon vor einigen Jahren geschrieben, nun wird der Film - mit umgeschriebenem Drehbuch, koproduziert von Don Murphy und Wild Bunch - wohl tatsächlich gedreht. Regie: Michele Civetta. Hauptrollen: Val Kilmer, Tadanobu Asano und Asia Argento. Ein paar giftige Worte - Stand vor einem Jahr - hat dazu Grady Hendrix. Wir bleiben am Ball.
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Bonus-TracksWebsite mit Video-Interviews verschiedener Darsteller auf dem Set von Rosencrantz and Guildenstern are Undead
MySpace-Seite von Jordan Galland, da sind auch recht hübsche Songs von seinem im letzten Herbst selbst-veröffentlichten ersten Solo-Album "Airbrush" zu hören
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Was macht eigentlich...
James Gandolfini in In the loop, eine Komödie über die britisch-amerikanischen Vorbereitungen des Irakkriegs, die gerade in Sundance Premiere feierte und hier gelobt wird.
(via The Daily)
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Fernsehhinweis
Nach allem, was man hört, ist es kein guter Film - wie auch, wenn der Regisseur Oliver Stone heißt. Dennoch auch an dieser Stelle der kurze Hinweis, dass "W" nur drei Monate nach dem US-Kinostart im deutschen Fernsehen ausgestrahlt wird. Heute Abend, um 22.25h auf Pro7.
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Berlinale Wettbewerb I: Chen Kaiges "Mei Lanfang"
Erster Teil einer losen Serie zur Einstimmung auf den Berlinale-Wettbewerb: Notizen zu Mei Lanfang, dem Gegenstand von Chen Kaiges Biopic, dem einzigen asiatischen Beitrag im Wettbewerb.
Der chinesische Artist ... verzichtet auf die restlose Verwandlung. Von vornherein beschränkt er sich darauf, die darzustellende Figur lediglich zu zitieren. Aber mit welcher Kunst tut er das! Er benötigt nur ein Minimum von Illusion. Was er zeigt, ist sehenswert auch für den, der nicht von Sinnen ist. Welcher westliche Schauspieler der alten Art (der eine oder andere Komiker ausgenommen) könnte wie der chinesische Schauspieler Mei Lan-fang, mit einem Smoking angetan, in einem Zimmer ohne besonderes Licht, umgeben von Sachverständigen, die Elemente seiner Schauspielkunst zeigen?
Bertolt Brecht, Verfremdungseffekte in der chinesischen Schauspielkunst
Die Szene ist datierbar. Das Zimmer ohne besonderes Licht muss in Moskau gewesen sein, der Zeitpunkt das Frühjahr 1935. Zu einem Theaterkongress in der Sowjethauptstadt war, was im Theater seiner Zeit Avantgarde war, zusammengekommen. Als Deutscher im Exil mit dabei war der in der Hauptstadt lebende Erwin Piscator, Brecht kam aus Kopenhagen angereist. Auch Sergei Eisenstein, der führende Filmregisseur der Sowjetunion und der Theatertheoretiker Edward Gordon Craig waren mit von der Partie.
In der Woche vom 23. bis 28. März des Jahres war auch Mei Lanfang (1894-1961) in Moskau, damals nicht nur der berühmteste Star der Peking-Oper, sondern auch ein großer Exportschlager Chinas im Westen, junge Frauen in Japan fielen bei seinen Auftritten in Ohnmacht, er war, das ist nicht übertrieben, tatsächlich weltberühmt. Mit Chaplin befreundet, und der Vermittler schlechthin der Kunst der chinesischen Oper, auf die sich Brecht, aber auch Eistenstein oder Piscator ihren anti-illusionistischen, anti-realistischen Reim machten. (Einen Aufsatz zu Brecht und dem chinesischen Theater gibt es als pdf hier. Interessanterweise waren zum selben Zeitpunkt auch Lee Strasberg und Konstantin Stanislawski vor Ort, die ganz andere oder auch gar keine Schlüsse aus Mei Lanfangs Auftritt zogen.)So fanden in diesem Frühjahr des Jahres 1935 durchaus unterschiedliche, aber verwandte Vorstellungen zur Überwindung des herkömmlichen Schauspiels für einen Moment in dieser einen exemplarischen, zur Projektion wie geschaffenen Figur aus dem fremden, fernen Osten ihren Schnittpunkt. Positionen, muss man hinzufügen, weil es die Sache noch spannender macht, die durchweg die ästhetische und die politische Avantgarde zusammenzudenken versuchten - auch das eine Konjunktion, die wenig später in Moskau nicht mehr vorstellbar gewesen wäre.
Den Mann, der 1935 im Smoking so freundlich war, Proben seiner Kunst abseits der Bühne zu geben, wurde bereits 1924 von einem westlichen Reporter im Backstage-Bereich aufgesucht. Mei Lanfang war damals noch nicht in den Westen gereist, so dass dies sehr wohl der erste westliche Bericht über ihn sein könnte. Hier ein kurzer Auszug, der Text ist komplett im Netz nachzulesen, nämlich hier.
He appeared on that occasion in the greenroom a model of self-respecting humility far removed, of course, from emphatic self-depreciation, which would have been completely out of place. Characteristic of him was his action in personally dashing for a cigarette and lighting the match for his guest. None of the numerous attendants who were at beck and call was summoned to procure them. His manners, as has, been said, are without fault, hnd his natural shyness, even if it is not now very pronounced, is sufficiently apparent to increase one's interest in him.
Der Mann im Smoking, Mei Lanfang, hieß von Geburt Mei Lan. In der Endung fang, die er seinem Namen hinzufügte, kondensiert eine der entscheidenden Pointen der Nicht-Identität der zwei Körper des asiatischen Artisten - diese Endung nämlich feminisiert den Mann. Das ist kein Zufall, denn als Darsteller von Frauen wurde Mei Lan(fang) zum Star, als Darsteller, um mit Hilfe der Wikipedia noch genauer zu sein, jener eher reifen Frauen im Rollenfach der qingyi (oder guimen dan), deren hohen, durchdringenden Gesangsstil wir bis heute wohl am ehesten mit der Peking-Oper verbinden. Eine seiner berühmtesten Rollen spielte er in der - durch Chen Kaiges Film gleichen Titels berühmt gewordenen - Peking-Oper Lebewohl, meine Konkubine. Eine Aufführung der Oper, bei der Mei Lanfang bereits sechzig Jahre alt war, existiert als Film, einen Auszug daraus können Sie hier sehen, einen weiteren Auszug aus einer Aufführung der Oper Peony Village gibt es gleichfalls bei Youtube:
Zurück nach Moskau. Es gibt ein Bildzeugnis der Begegnung zwischen Sergei Eisenstein und Mei Lanfang, denn der Regisseur war so beeindruckt von dessen Auftritt, dass er eine fünfminütige Szene auf Film festhielt, freilich ohne Ton. Einen immerhin dreißigsekündigen Ausschnitt daraus gibt es bei Youtube:
Der bedeutendste Ausflug des Opernstars ins Kino ist das freilich nicht. Im Jahr 1946 nämlich drehte der chinesische Regisseur Mu Fei - verantwortlich auch für einen der ganz großen Klassiker des chinesischen Kinos, Springtime in a Small Town von 1948 - den ersten chinesischen Farbfilm Sheng Si Hen (Regrets Eternal). Es ist eine Opernverfilmung und die Hauptrolle spielt, genau, kein anderer als Mei Lanfang. Die ersten acht Minuten des Films sind, man sehe, höre und staune, online:
***Der Anlass zu diesen Notizen ist Chen Kaiges jüngster Film Mei Lanfang (in der englischen Übersetzung Forever Enthralled ins Kitschige verallgemeinert). Der in China sehr erfolgreich angelaufene Film geht zwar auf Mei Lanfangs erfolgreiche US-Tour ein, wohl kaum aber auf die hier vorgestellten Zusammenhänge. Ins Zentrum scheint er - wie dieser ersten, sehr lauen Kritik zu entnehmen ist - eine Liebesaffäre mit einer von Zhan Ziyi gespielten Schauspielerin zu stellen. Zu befürchten ist leider, dass er sich auch und gerade für die Schauspieltheorien, in deren Zentrum Mei Lanfang ohne Absicht geriet, nicht interessiert und ganz auf die tumben Identifikationsdarstellereien des konventionellen Biopic zurückfällt. Der Schluss lässt sich - inklusive Begründung - aus einem Interview Kaiges mit Newsweek ziehen:
I started 25 years ago, in a different time. We didn't have pressure from the audience. We just did what we wanted to do. We were crazy about creating a new cinema language. Now you have to negotiate with your investors about how much money you put into your production, and of course, you care about the box office. But this is just the situation; it's nothing to complain about.
Bis man sich dann selbst ein genaueres Bild machen kann, darf man erst mal aus dem Trailer des Films seine Schlüsse ziehen (auch ein Making of gibt es bereits zu sehen):
Manchen Hinweis verdanke ich dem - dringend zur zusätzlichen Lektüre empfohlenen - Eintrag zu genau diesen Zusammenhängen im Blog Click Opera des sowieso grandiosen schottischen Musikers und Kritikers und Allround-Denkers Momus, dessen in jeder Hinsicht irren musikalischen Output ich allen aufgeschlossenen LeserInnen sehr gerne und dringend ans Herz lege.
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Vierundzwanzig.de
Die Deutsche Filmakademie hat ihre eigene Website, auf der sie die Gewerke der Profession in Bild, Schrift und Ton vorstellt.
Erkenntnisse wie die, dass es "aufs Menschliche ankommt" (Hans Weingartner) und dass Stummfilme vielleicht nicht spannend sind, aber wie Träume (Tom Tykwer), kann man auf der technisch aufwendigen neuen Seite der Deutschen Filmakademie mit dem Titel vierundzwanzig.de gewinnen. Das Prinzip der Seite: Alle Bestandteile - "Gewerke" heißt es sehr schön - des Berufsfelds Kino an Einzelbeispielen vorstellen. In Video-Interviews mit VertreterInnen ihres Gewerkes, sehr bedienerfreundlich aufbereitet und in die Gefahr, intellektuell überfordert oder mit irgendwelchen Errungenschaften des Web 2.0 konfrontiert zu werden, gerät man ganz sicher nicht.
Das Interessanteste, was ich bisher entdeckt habe, sind ein Gespräch mit Drehbuchautor Christoph Fromm über Dominik Grafs Film Die Katze, und eines mit der Produzentin Bettina Brokemper, die erzählt, wie sie es damals mit Christoph Hochhäusler hingekriegt hat, den Falschen Bekenner, den skandalöserweise keiner finanzieren wollte, doch auf die Beine zu stellen.
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Terminator Kalte Seelen
Neues zu Terminator: Salvation, Sundance, The Informers, Auslands-Oscars.
Kleiner Spaziergang durch die US-Blogs heute Morgen:
Im Blog des Film Comment wirft Paul Brunick einen ersten Blick auf McGs Versuch, das "Terminator"-Franchise durch Rückverdüsterung neu zu beleben:
While it’s hard to fault McG for not matching the plate-spinning complexity of a James Cameron set piece, what’s less forgivable is how he’s seemingly drained the franchise of its playful postmodern irony. McG said he wanted to “reboot” the Terminator films by taking them in a “darker” direction. That he repeatedly referred to The Dark Night as if it were Citizen Kane gives you a pretty good idea of what he’s aiming for.
Freudig das Schlimmste erwartet The Playlist von der in Sundance zu sehenden Bret-Easton-Ellis-Verfilmung "The Informers". Hier der Trailer:
Hier die long shortlist (wird dann noch auf fünf reduziert) der Auslandsoscar-Nominierungen. Leider dabei: Baader Meinhof. Nicht dabei, weil von Mexiko nicht eingereicht: Carlos Reygadas' grandioser Stellet Licht. Nicht dabei, weil ausgeschieden: Gomorra. Erfreulichste Überraschung: Götz Spielmanns wirklich exzellenter Film Revanche, zum Glück demnächst auch in deutschen Kinos.
Revanche (Österreich)
The Necessities of Life (Kanada)
Die Klasse (Frankreich)
Der Baader Meinhof Komplex (Deutschland)
Waltz With Bashir (Israel)
Departures (Japan)
Tear This Heart Out (Mexiko)
Everlasting Moments (Schweden)
Three Monkeys (Türkei)Im Filmmaker-Magazine-Blog geht Scott Macaulay das Sundance-Programm durch und notiert, wasinteressant sein könnte, und was nicht, und warum. Dies zum Beispiel:
Cold Souls (pictured): Writer/director Sophie Barthes was one of our "25 New Faces" last year, and I love the concept of this movie. A depressed stage actor decides to lighten his load by having his soul extracted; the soul is then sold to a Russian soap opera actress.
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Golden Globes
Die Golden Globes - die Verleihung ging erst vor ein paar Stunden zu Ende - waren in diesem Jahr ein britischer Triumph fast auf der ganzen Linie. Bester Film, Beste Regie: Danny Boyles' damit wohl endgültig zum Oscar-Favoriten aufgestiegener Slumdog Millionaire über einen jungen Mann, der aus den Slums von Bombay kommt und in der indischen Fassung von "Wer wird Millionär?" kurz davor steht, die zwanzig Millionen Rupien zu gewinnen, die der Hauptpreis sind. Die Sendung gibt es in Indien - natürlich - tatsächlich, sie wurde jahrelang von keinem Geringeren als Amitabh Bachchan moderiert, dessen Nachfolger dann wiederum kein Geringerer als Shah Rukh Khan wurde. (Im Film wird der Moderator, der hier alles andere als sympathisch ist, vom Bollywood-Schurken-Darsteller Anil Kapoor gespielt.) Sehr schön, dass bei den Globes der Film von Superstar Shah Rukh Khan präsentiert wurde - an seiner Seite die Slumdog-Schauspielerin Freida Pinto (den Film selbst finde ich alles andere als großartig, das nur nebenbei):
Den Preis als beste weibliche Hauptdarstellerin in einer Komödie erhielt Sally Hawkins für ihre Rolle in Mike Leighs "Happy Go Lucky". Sehr schöne Dankesrede, auch schon online bei Youtube - verleihen darf den Preis Johnny Depp:
Bester Männlicher Darsteller: Mickey Rourke und im Ausschnitt sehen Sie, wie Darren Aronofsky ihm freundschaftlich den Mittelfinger zeigt:
Summarisch der Rest: Weibliche Haupt- und (!) Nebendarstellerin (Drama) Kate Winslet, posthum auch ein Darstellerpreis für Heath Ledger (Nebenrolle Dark Knight). Der ärgste Kelch, der an uns vorüberging: Auslands-Globe für Waltz With Bashir - und nicht den gleichfalls nominierten Baader Meinhof. Beste Komödie: Vicky Cristina Barcelona von Woody Allen (der nicht anwesend war). Bester Soundtrack: A.R. Rahman für Slumdog Millionaire. Beste Fernsehserie (Drama): Mad Men. Beste Fernsehserie (Komödie): 30 Rock - Darstellerpreis TV (Komödie): Tina Fey, damit endgültig so etwas wie die Gewinnerin des Jahres im US-Showbiz (gute Gelegenheit, auf Maureen Dowds großes Fey-Porträt in der US-Vanity-Fair zu verweisen).
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Albert RWF Serra
Der katalanische Regisseur Albert Serra, der zuletzt Don Quijote aufs Wesentliche reduzierte (Honor de Cavalleria) und mit den Heiligen Drei Königen in Island herumsaß und dabei dem Gesang der Vögel lauschte (El Cant del Ocells, ein Meisterwerk, findet der stets bescheidene und sympathische Serra), will jetzt ein Fassbinder-Biopic drehen. Oder so. Der da neben ihm steht, im Video, ist Mark Peranson, der im Vögel-Film mitspielte und Hebräisch sprach und einen Film über den Vögel-Film gemacht hat und außerdem der höchst umtriebige Herausgeber der exzellenten englischsprachigen Filmzeitschrift Cinema Scope ist.
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Holz Schnee Dunkelheit Stifterdinge
Was ist eigentlich mit Philippe Grandrieux' neuem Film "Un Lac"? Was man hört im Netz wie Knacken von Holz draußen im Dunkeln.
Seltsam wenig habe ich bisher über Philippe Grandrieux' neuen Film "Un Lac" gehört. Der lief in Venedig in der Nebenreihe "Orizzonti" und wurde immerhin mit einer "besonderen Erwähnung" ausgezeichnet, einem der üblichen Ratlosigkeitspreise, die Filme dann bekommen, wenn sie auf faszinierende, aber irgendwie nicht ganz geheure Weise sui generis sind. Aber Kritiken, ausführlichere Reaktionen: Fehlanzeige, meines Wissens. Dabei gibt es doch viele, die Grandrieux für einen der ganz großen Gegenwartsregisseure halten, die französische Filmwissenschaftlerin Nicole Brenez nur zum Beispiel - ein Interview, das sie mit Grandrieux für das Filmmagazin Rouge geführt hat, 2003, ist hier nachzulesen.
(Eine Anekdote, ohne genaue Gewähr, weil ich mich nicht mehr sehr genau erinnere: Zum 60. Geburtstag Harun Farockis in Berlin vor ein paar Jahren hatte jemand einen Film von Grandrieux - war es "Sombre"? ja, es war "Sombre" - ausgewählt. Viele sind, dem Anlass der Vorführung zum Trotz, geflohen und kamen nicht wieder. Alle, viele jedenfalls waren sauer, Farocki angeblich auch. Bei new filmkritik habe ich mal aufgeschrieben, warum ich bei aller Faszination große Probleme habe mit Grandrieux. Johannes Beringer hat dann weiter gedacht und Kluges aufgeschrieben, auch bei new filmkritik.)
Über den neuen Film "Un lac" hatte ich nur irgendwann noch gehört, er habe etwas mit Stifter zu tun oder jedenfalls sei Philippe Grandrieux ein großer Stifter-Fan und wenn man auf seiner Website die Synopsis zum Film nachliest, dann stimmen die Rahmenbedingungen jedenfalls, wenngleich es keinen direkten Stifterbezug gibt. Aber die Familie, der Schnee, das Haus, die Isolation. Das sind Stifters Dinge.
SYNOPSIS
The story takes place in a country about which we know nothing: a country of snow and dense forests, somewhere in the North.
A family lives in an isolated house near a lake.
Alexi, the brother, is a young man with a pure heart. A woodcutter.
An ecstatic, prey to epileptic fits, he is entirely opened to the nature that surrounds him.
Alexi is terribly close to his younger sister, Hege. Their blind mother, their father, and their
little brother are the silent witnesses to their overwhelming love.
A stranger arrives, a young man barely older than Alexi…
Ein paar Kurzkritiken gibt es übrigens doch. In der von David Cox beim Film Comment heißt es: "This fable-like tale of a woodchopper, his beautiful sister, their blind mother, and a young interloper takes place largely in either swirling snow or complete blackout, with only Grandrieux’s painstakingly constructed soundscape—creaking trees, chopping wood, cracking ice—to guide us." Und Jonathan Romney schreibt im Programmheft fürs Londoner Filmfest: "Grandrieux doesn't make events easy for us to follow, often shooting in near-darkness, with sparse dialogue sometimes pitched barely above a whisper. But narrative apart, the film is distinctive for the unique, self-enclosed world that Grandrieux creates with a palette reduced almost to monochrome: a world of stillness and near-silence, of forbidding yet alluring landscapes whose affinities are as much with the Romantic paintings of Caspar David Friedrich, as with the cinematic ilk of Alexandr Sokurov, Bela Tarr and Fred Kelemen." Vielleicht war was in den Cahiers, das weiß ich nicht.
Auf der verdammt unhandlich navigierbaren Homepage von Grandrieux gibt es auch einen kurzen Auszug aus dem Drehbuch, aus dem ich hier wiederum einen Auszug zitiere:
SCREENPLAY (extract)
…
The next day.
Alexis is alone with the horse in the forest.
He chops away with his axe, attacking the base of a tree.
He knows his job.
His face is without shadows. Of pure heart.
The camera is near him.Heute habe ich, was eigentlich nichts zur Sache tut, auch einen gesehen, der immer mit seiner Axt hieb, aber nicht auf den Stamm eines Baums, sondern auf schon gefälltes Holz. Das war in Götz Spielmanns sehr schönem Film "Revanche", aber der Unterschied zwischen einem, der den Baum an der Wurzel fällt und einem, der das Holz, das schon nicht mehr lebt, kleinhackt, ist der Unterschied zwischen dem Kino des Spielmann (und auch der Berliner Schule, hier darf man kurz einmal verallgemeinern, und dem Kino, das Philippe Grandrieux will, dem Kino, das Nicole Brenez dann auch bei Abel Ferrara erkennt. Das war eine Abschweifung.)
Ebenfalls auf der Homepage ein Auszug aus dem Film selbst, sehr kurz nur, und den hat jemand auch bei Dailymotion reingestellt, auf Wunsch von Grandrieux oder auch nicht, mit seinem Wissen oder auch nicht. In Frankreich startet "Un Lac" am 18. März in den Kinos. Was immer "den Kinos" in diesem Fall heißt.
Was es auch noch gibt, auf der Website, aber auch bei Youtube ist ein Video, das Philippe Grandrieux gedreht hat, 2007, für Marilyn Manson:
Update: Und hier noch, mit Dank an Volker Pantenburg für den Hinweis, englisch untertitelte Gespräche mit Philippe Grandrieux und der oben erwähnten Nicole Brenez:
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Schokopulver
Kurzzusammenfassung eines Werner-Schroeter-Interviews aus den Cahiers du Cinema.
Im aktuellen Heft der Cahiers du Cinéma (nebenbei: der Führungskampf zwischen Emmanuel Burdeau und Jean-Michel Frodon scheint nach vor nicht entschieden) gibt es ein langes Interview mit dem zuletzt schon totgesagten, schwer krebskranken Werner Schroeter, der nach Auskunft von Cyril Neyrat dabei einen ziemlich lebendigen Eindruck machte. Er erklärt darin unter anderem, dass er seinen jüngsten Film "Nuit de Chien" (lief in Venedig im letzten Jahr, wo Schroeter auch einen Goldenen Löwen fürs Lebenswerk erhielt) in Porto gedreht hat, weil die Stadt viel magischer sei als Lissabon. Dass er eigentlich James Baldwins Roman "Giovannis Room" verfilmen wollte, das Geld dafür aber nicht zusammenbekam. Dass Isabelle Huppert ihn zwang, sich schulmedizinisch behandeln zu lassen. Dass "Der Baader Meinhof Komplex" eine reaktionäre Telenovela ist, die "nicht den Blick klärt, nichts erhellt, sondern alles stumpf macht und verschleiert". Dass er keinen anderen Film auf der Welt liebt als "La Passion de Jeanne d'Arc". Dass das doch nicht ganz stimmt. Dass er Marianne Hoppe geliebt hat. Dass er sich vor vierzig Jahren in Rosa von Praunheim verliebt hat. Dass er kein Schokopulver auf der Schokolade mag, weil dann der Schaum zusammenfällt. (Das ist vielleicht die großartigste Stelle im Interview und toll vom Interviewer Cyril Neyrat, dass er sie drin lässt, einfach so, zwischen all den ernsthaften Fragen.)
Andererseits ist auch das hier sehr schön. Schroeter erzählt von seiner Freundschaft mit Gilles Deleuze und dass die beiden Streiche verübten wie diesen: "Einmal, nachts, war ich mit ihm in den schönen Vierteln unterwegs, in der Nähe des Bois de Bologne, und meinte zu ihm: 'Komm, wir dringen in eins dieser Häuser ein, wie die Diebe.' Ich wusste, wie man Türen aufbekommt mit einer Kreditkarte. Ich sagte: ' Man muss seine Angst loswerden und wenn was passiert, dann wird uns was einfallen.' Wir haben nichts angefasst, versteht sich. Aber wir haben's getan."
Einen Trailer zu Schroeters "Nuit du Chien" gibt es hier:
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Bluesman in the life of the mind
Astra Taylor, die in "Žižek!" bereits Žižek mit der Kamera verfolgte, does it again. Žižek diesmal in Knallorange, und mit Verstärkung, unter anderem: Avital Ronell, Judith Butler, Peter Singer, Cornel West, Michael Hardt und Martha Nussbaum. Der Film, der die DenkerInnen beim Denken im Auto, auf der Straßen, in Parks und sonstwo unterwegs begleitet, heißt "Examined Life" und einen Trailer gibt es bei Youtube:
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Goldberg maschine
Über Goldberg-Maschinen. Mitwirkende: Fischli/Weiss, Tom & Jerry, der Honda Accord, eine japanische und eine amerikanische Maschine und Rube Goldberg selbst.
Der große Filmpaß für die ganze Kunstfamilie ist immer und überall - zuletzt gerade im "Grand Palais" in Paris beim Riesen-Videokunst-Nacht-Spektakel "Dans la nuit, des images" (dazu gibt's dann mehr im Heft) - Fischli/Weiss' lakonisch betitelter, ohne Sinn und Verstand durch eine Halle torkelnder "Lauf der Dinge". Greg.org machte sich kürzlich Gedanken über die offensichtlichen und nicht so offensichtlichen Schnitte und Blenden in diesem Film, der vollständig in drei Teilen à zehn Minuten bei Youtube ist. Hier Teil eins:
Bei greg.org findet sich auch der Hinweis auf die ihrerseits reichlich ingeniöse Adaption des Fischli/Weiss-Films für einen Werbespot der Firma Honda. Wie in der Realwirtschaft üblich, muss dabei dann am Ende aber was rauskommen, das nicht nur sich fortbewegt.
Wobei zur Ökonomie der Kunst zu sagen ist, dass Fischli/Weiss ihren auch auf DVD erhältlichen Film jüngst für eine Million verkauft haben - und zwar das Original-Filmband inklusive allerlei Mitwirkende Dinge, die hier - das Bild wieder von greg.org - ins Regal gestellt sind (müsste nun eigentlich "Der Stand der Dinge" heißen, aber den gibt es ja schon als deutsche Schwerkunst):
Zurück geht das alles mutmaßlich auf den Cartoonisten Rube Goldberg, der immer wieder solche unnötig komplizierten Teile grafisch entwarf. Hier nur ein kleines Beispiel:
Große Fans dieser Maschinen waren ganz offenkundig auch die Animationsgenies William Hanna und Joseph Barbera. In ihrem Film "Designs On Jerry" von 1953 gibt es eine als Goldberg-Maschine gebaute Falle. Dass das ganze dann auch noch als Meta-Comic durchsophistiziert ist, gibt's gratis obendrauf:
Und noch mehr schöne Sachen findet man bei Youtube, nämlich reichlich Goldberg-Maschinen. Welche aus Japan:
Und dann gibt es da noch einen alljährlichen Goldberg-Machine-Wettbewerb. Der Sieger des vergangenen Jahres ist hier zu bestaunen:
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Gus van Hockney
Das, sagen Sie, sieht aus wie ein Gemälde von David Hockney. Stimmt auch. Fast. Denn in Wahrheit ist ein Mashup aus einem Hockney - und Gus van Sants neuem Film "Milk". Der da schwimmt, ist James Franco und die Szene im Film ist eine Hommage. Dass van Sant einen Sinn für derlei Dopplungen hat, weiß man ja seit seinem "Psycho"-Remake, spätestens. Die Montage stammt von der Seite Towleroad. A Site With Homosexual Tendencies, wo dann auch das Original und die Kopie separat zu bewundern sind.
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2008
Ekkehard Knörer
Wes Anderson: Darjeeling Limited (2007)
Lav Diaz: Evolution of a Filipina Family (2004)
Lav Diaz: Death in the Land of Encantos (2007)
Lav Diaz: Melancholia (2008)
Todd Haynes: I’m Not There (2008)
Jacques Doillon: Le Premier Venu (2008)
Dennis Dugan: You Don’t Mess With the Zohan (2008)
Carlos Reygadas: Stellet Licht (2007)
Hong Sang-soo: Night and Day (2008)
Serge Bozon: La France (2008)
Pere Portabella: El Sopar (1984)
Mitchell Leisen: Midnight (1939)
Abdellatif Kechiche: Couscous mit Fisch (2007)
Aditya Chopra: Rab ne bana di jodi (2008)
Alexander Kluge: Nachrichten aus der ideologischen Antike (2008)
Albert Serra: Honor de Cavalleria (2006)
Luc und Jean-Pierre Dardenne: Lornas Schweigen (2007)
James Benning: RR (2007)
Leo McCarey: Make Way For Tomorrow (1937)
Stephen Dwoskin: Dyn Amo (1972)
Jacques Rivette: Out 1 - Noli me tangere (1971)
Guy Maddin: My Winnipeg (2007)
Acceptance Speech von Barack Obama 5. November 2008
Das Gelübde (Dominik Graf) D 2007
Bert Rebhandl
Eure Kinder werden so wie wir (2007, Andree Korpys/Markus Löffler) Ausstellung
Mad Men (Matthew Weiner) Season 1.13: The Wheel DVD
Touche pas à la femme blanche (Marco Ferreri 1974) DVD
You Don’t Mess with the Zohan (Dennis Dugan, 2008) Kino
L’an 01 (Jacques Doillon 1974) Arsenal Kino
The Wire I-V (David Simon) DVD
Kiss (Anna Jermolaewa 2006) Ausstellung
Acceptance Speech von Barack Obama 5. November 2008 Fernsehen
Souvenance (Thomas Harlan 1991) DVD
Turumba (Kidlat Tahimik 1983) Kino
Simon Rothöhler
Our Beloved Month of August (Miguel Gomes) PT 2008
Chop Shop (Rahman Bahrani) USA 2007
Un conte de Noel (Arnaud Desplechin) F 2008
Manila in the Fangs of Darkness (Khavn) PH 2008
Wendy and Lucy (Kelly Reichardt) USA 2008
Profils paysans: La Vie moderne (Raymond Depardon) F 2008
Of Time and the City (Terence Davies) GB 2008
Melancholia (Lav Diaz) PH 2008
La France (Serge Bozon) F 2007
Hunger (Steve McQueen) GB/IR 2008
Into the Wild (Sean Penn)
Mad Men – Season 1-2 (Matthew Weiner) USA 2007/2008
Serras da desordem (Andrea Tonacci) BR 2006
4 Little Girls (Spike Lee) USA 1997
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Trouble Everyday
Unser Filmtip zum Jahresende: "Lät de rätte komma in" - "So finster die Nacht", ein Vampirfilm aus Schweden
Die Kritik von Michael Althen in der FAZ und sein Cargo-Rating für den Film "Lät den rätte komma in" von Thomas Alfredson haben mich bewogen, die Weihnachtsruhe durch einen Spaziergang ins Berliner Traditionshaus Moviemento zu unterbrechen und mir "So finster die Nacht", der leider nur in dieser deutschen Synchronfassung verfügbar ist, anzusehen. Den Schnee, den ich in Berlin vermisse, habe ich dort zur Genüge gesehen. Vor allem aber einen völlig überraschenden, originären Film, der es schafft, sozialen Wohnbau in Schweden zum Schauplatz einer Geschichte zu machen, die das europäische Kino mit der amerikanischen B-Tradition wieder in Kontakt bringt. Jacques Tourneur muss hier als der heimliche Pate erscheinen. "Lät den rätte komma in" war ursprünglich ein Buch von John Ajvide Lindquvist, was nicht verwundert, denn eine solche Geschichte denkt man sich wahrscheinlich nicht sofort in Bildern aus; diese müssen vielmehr zuerst einmal literarische Freiheit genießen und stellen dann für den Film, zu dem Lindquvist selbst das Drehbuch geschrieben hat, eine Herausforderung dar. Sie wird mit schöner Radikalität angenommen und bewältigt.
"Schrei wie ein Schwein!" Schon dieser erste Satz, der lange rätselhaft bleibt, gibt den Ton vor. Fenster an Fenster leben in einem Stockholmer Vorort im Jahr 1982 zwei Zwölfjährige. Oskar und Eli. Oskar ist blond und hat helle Haut, Eli ist ein dunkler Typ mit langen, schwarzen Haaren. Oskar ist ein Junge, aber Eli ist kein Mädchen. Der Film nimmt der Sexualität gegenüber genau jene Position ein, die es dem Jungen erlaubt, diese Aussage einfach hinzunehmen. Denn Eli ist auch kein Junge. Sie ist ein Vampir. Sie lebt von Blut und unterliegt allen Gesetzen der einschlägigen Mythologie: sie muss das Licht meiden, sie ist ansteckend. Kaum einmal aber wurde im Kino das Raubtierhafte so ernst genommen, die unbedingte bestialische Gewalt, die auch in diesem kindlichen Wesen steckt und das große Geheimnis des Films bildet. "Lät de rätte komma in" verzweigt sich in beide Richtungen, in das Teenagerdrama von Oskar und in die Welt des Unheimlichen, aus der Eli kommt. Die schockierenden Momente sind gut dosiert, dabei aber so wild, dass sich jeder Rückzug in pädagogische Betulichkeit (die wilde Phantasie eines Halbwüchsigen!) verbietet. Das Vampirische ist hier keine Sache der Psychologie, sondern der eigentliche Test auf das Leben. Ob es sich lohnt, mit dem Erwachsenwerden weiterzumachen, oder für alle Zeiten zwölf zu bleiben. Das Paar, das aus dieser Überlegung entsteht, könnte irgendwann eine Familie sein, wie in Kathryn Bigelows "Near Dark". Ein unheilige Familie mit Zugängen zu einer Hölle, die selbst das Slasher-Kino geflissentlich ignoriert, und zu einem Himmel, dessen Prinzip nicht die Ewigkeit ist, sondern der (sublimierte) Exzess.
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Torpedo
Ich habe Helene Hegemanns Film "Torpedo" leider noch nicht gesehen, würde mich aber sehr freuen, wenn er so interessant wäre, wie viele schreiben und sagen. Das Interview, das sie dem Schul-Spiegel gegeben hat, ist jedenfalls ziemlich beeindruckend. Es beweist zum Beispiel, dass Hegemann supergut altklug sein kann (was jetzt alles andere als böse gemeint ist; schließlich fand Adorno es einst auch sexyer - in jedem Sinn des Wortes - mit dem allerdings doch noch nicht 65jährigen Kracauer über Kant zu diskutieren als mit Teenagern rumzurennen):
Aber dieses ganze kollektive, hilflose Teenager-Rumgerenne finde ich unsexy - und nicht annähernd so spannend, wie mit einem 65-Jährigen über Adorno zu diskutieren.
Helene Hegemann kann auch supergut das deutsche Theater, mit dem sie sich dank Vater Hegemann ganz gut auskennt, beleidigen und hat zu guten Teilen wiederum Recht damit:
Solange es nicht um einen Abend von Regisseuren wie René Pollesch, Frank Castorf oder Christoph Schlingensief geht, betrachte ich Theater als Aufrechterhaltung alter Brauchtümer. 90 Prozent der Theaterbesuche sind wirklich langweilig. Ich empfinde es als Körperverletzung. Es werden keine Fragen gestellt, sondern halb ausgegorene Antworten gegeben. Im Theater wird diese Langeweile einfach nicht in Frage gestellt.
Und diese fürs Leben der Kunst wichtige Einsicht würde man viel mehr Menschen so früh in ihrer Biografie sehr wünschen:
Ohne meinen Vater hätte ich "Torpedo" nie als ernsten Lebensinhalt betrachten können. Und mir wäre nie klar geworden, dass Leute Geld verdienen können, indem sie hysterisch über eine Bühne hüpfen oder Drehbücher schreiben.
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Jessica Schwarz am Telefon
Zur Tonästhetik von Breloers "Buddenbrooks"
Eine Beobachtung noch zu Breloers Verfilmung der Buddenbrooks (dann ist aber auch gut): Dass der Film „Fernsehen“ und nicht „Kino“ sei, wird häufig kritisch angemerkt, selten aber ästhetisch präzisiert. Wenn, dann als Fehlen einer visuellen Qualität, die „Kino“ anzeigen soll, dort aber auch nicht immer zu finden ist und vielleicht deshalb als Kriterium der Mediendifferenz irgendwie nicht funktioniert. Natürlich ist da etwas dran, zum Beispiel filmhistorisch gesehen – der amerikanische Filmwissenschaftler David Bordwell hat in empirisch materialreichen Studien zur US-Kinoindustrie statistisch verifiziert, dass in Hollywood-Produktionen nach der Durchsetzung des Fernsehens eine Konzentration der Spielhandlung auf die Bildmitte stattfand. Die an den Rändern sieht man nicht. Auf den Sets war das Fernsehformat als zukünftige Schnittdrohung und kommerzlogische Rekadrierung stets präsent. Die Studios hatten schnell erkannt, dass das Fernsehen weniger Konkurrent, sondern vielmehr zusätzliche Abspielstation ist, die die Auswertungskette filmischer Waren verlängert. Wie dem auch sei: Bei den "Buddenbrooks" merkt man bereits nach einer Minute, dass es sich um eine Fernsehproduktion handelt. Nicht weil da etwas mit dem Bild nicht stimmt (natürlich stimmt da einiges nicht, aber nicht so, dass man sinnvoll sagen könnte, das sei jetzt aber kein „Kino“ mehr), sondern weil die 16 Millionen Euro-Produktion eine völlig banale Fernsehtonästhetik verwendet. Eine nachsynchronisierte Überverständlichkeit des Dialogs, die offenbar schon die Schwerhörigkeit eines nicht mehr ganz jungen TV-Publikums antizipiert. Gleich in der ersten Ballszene gibt es praktisch überhaupt keinen Raumton, der den Namen verdient. Klingt alles wie Mono aus der Dose. In einem hochwertigen Dolby-Surround-Kino wie dem Berliner Cinestar, in dem üblicherweise die hochkomplexen Soundtexturen der Blockbuster zur Aufführung kommen, wirkt das wie ein schlechter Witz, den sich das Fernsehen mit den aktuellen Möglichkeiten des Kinos macht. Als hätte man Jessica Schwarz am Telefon.
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Was die Welt so dreht
Neuigkeiten von entstehenden Filmen.
Ari Folman, dessen "Waltz With Bashir" auf vielen Jahresbestenlisten figuriert (und unsere sehr partielle Liste anführt), will nun zurück in die Zukunft. Er hat, wie der Hollywood Reporter meldet, die Rechte zu Stanislaw Lems Erzählung "Der futurologische Kongress" erworben und will daraus einen Realfilm-Animations-Hybrid machen.
Abgemachte Sache scheint nun, ist einem Artikel in der Seattle Times zu entnehmen, dass David Cronenberg ein Remake von Nacho Vigalandos spanischem Zeitreise-Thriller "Timecrimes" dreht. Der Film schickt seinen Helden genau eine Stunde zurück in der Zeit, wo er dann den Kampf gegen sein früheres Selbst aufnehmen muss.
Der bisher in Sachen Spielfilm eher glücklose Mark Romanek - "One Hour Photo" war interessant, aber nicht mehr; sein Projekt "The Wolf Man" scheiterte dann - soll nun Kazuo Ishiguros Nicht-Ganz-SciFi-Roman "Never Let Me Go" verfilmen, nach Drehbuch von Alex Garland ("The Beach").
Sylvester Stallone kommt gewaltig schon wieder zurück. Für seinen neuen Film "The Expendables" hat er Jason Statham, Jet Li und wohl auch Dolph Lundgren verpflichtet. Die Jungs nehmen es in dem Film, der im nächsten Frühjahr gedreht werden soll, mit einem südamerikanischen Diktator auf. (Hm, angesichts der politischen Neigungen von Stallone ist die realweltliche Vergleichs-Auswahl ganz sicher aufs linke Spektrum beschränkt.)
Gedreht wird gerade Terrence Malicks neuer Film "Tree of Life" mit Brad Pitt in der Hauptrolle. So richtig viele Details sind, wie bei Malick üblich, noch nicht bekannt. Als "kosmisches Epos, als Hymne ans Leben" (ähem) feiert die Produktionsfirma das entstehende Werk schon mal in leicht bedenklicher Wortwahl. Es geht, so viel erfährt man, um einen Jungen, der seinen unschuldigen Blick auf die Welt verliert. Ein paar Anekdoten und Bilder sind immerhin schon in die Öffentlichkeit gelangt. (Und es heißt, dass der Film für Cannes 2009 fertig werden soll.)
Bret Easton Ellis schreibt ein Drehbuch. Interessant. Über die so schreckliche wie faszinierende Geschichte des Doppelselbstmords der Computerspieldesignerin Theresa Duncan und des jungen Kunst-Stars Jeremy Blake. (In P.T. Andersons "Punch Drunk Love" gab es auch im Kino Kunst von Blake zu sehen - etwa in der Vorspann-Sequenz.) Hoch interessant. Sehr spannend sogar. Das Schicksal der beiden hatte außerordentlich viel Aufmerksamkeit erregt, weil sie ein sehr erfolgreiches, schönes, unzertrenntliches Paar schienen, das ohne ersichtlichen Grund Selbstmord beging. Darsteller, Regie: noch unklar.
Eher gleich vergessen kann man vermutlich das US-Remake des herausragenden südkoreanischen Blockbusters "The Host". Produziert wird das ganze nämlich vom Karibik-Piraten Gore Verbinski, Regie führt der Werbefilmer Fredrik Bond als Spielfilm-Debütant. Die Monster-Effekte, die im Original schon nicht schlecht waren, kriegen sie vermutlich beeindruckender hin. Aber der Witz und die rasanten Tonlagen-Wechsel und, nicht zuletzt, die scharfe US-Kritik?
Und dann noch mutmaßlich exzellente Neuigkeiten für alle "Battlestar Galactica"-Fans, die dem im nächsten Frühjahr bevorstehenden Ende der Serie mit Bangen entgegensehen. Es gibt nämlich grünes Licht für das Spinoff "Caprica", das auf dem titelgebenden Erd-Ersatz-Planeten spielt, den dessen Erdbewohner zu Beginn von "Battlestar Galactica" bekanntlich in Richtung Kampfstern im Weltall verlassen mussten. Logischerweise spielt "Caprica" deshalb zeitlich vor "Battlestar" und ist weitgehend frei von Weltraumkämpfen und Kampfsternen aller Art. Im Zentrum stehen die Schicksale zweier Familien. Dass die Adamas darunter sind, wird den Kenner nicht überraschen. Die Familie der Greystones (angeführt von Eric Stoltz) ist bisher noch nicht in Erscheinung getreten.
via Vanity Fair, Empire, Hollywood Reporter, Greencine Daily, Coudal
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Mumble More
Über den neuen "Mumblecore"-Star Kentucker Audley.
"Mumblecore" ist der Name für ein amerikanisches Filmgenre, das - für viele Betrachter - die Schwächen eher als die Tugenden des US-Independent-Films auf den Punkt bringt. Dadurch vor allem, dass eher gar nichts auf den Punkt gebracht wird, sondern junge amerikanische Menschen herumhängen, nichts tun, frei sind von Affekten und Leidenschaften, unverständliches Zeug ohne größeren Belang nuscheln etc. etc. "Slacker", Richard Linklaters auf seine Art wichtiges Do-it-yourself-Werk, ist dabei so etwas wie der Ur-"Mumblecore"-Film. In Deutschland waren die Filme von Regisseuren wie Andrew Bujalski, Joe Swanberg oder Aaron Katz kaum zu sehen. Am Rande gehört, dem ersten Anschein nach jedenfalls, auch ein Film wie Kelly Reichardts "Old Joy" in die Nähe dieser Werke - wobei an der Frage, wie deutlich "Old Joy" den Horizont vom Privaten ins Politische weitet, in Sachen genauerer Einordnung einiges hängt.
Als viel versprechender Neuzugang dieser Richtung wird nun ein Mann mit dem Künstlernamen Kentucker Audley gehandelt. Sein Straight-to-DVD-Film "Team Picture" (2007) gilt manchem als neues "Mumblecore"-Spitzenprodukt (nicht dem imdb-Kommentator, der das Genre aber mit seiner Überschrift "A pointless film starring pointless losers" gut auf den Punkt bringt). Der "Mumblecore"-skeptische Kritiker Michael Atkinson muss in einem längeren Artikel jedenfalls zugeben:
Andrew Nenninger's "Team Picture"(2007) is a new fave, differentiated from the Swanberg-Katz-Bujalski pack by being decidedly Southern-suburban (the low-rent Tennessee neighborhoods here are one heavy rain from simply being decaying weed jungles), and by being decidedly unhip. Nenninger (who directed the film as "Kentucker Audley," supposedly to shield his family from the shame of it) plays himself, essentially, a nowhere guy in the Middle Earth of rotten farmhouses, blow-up lawn pools, no-business strip malls and routines for time killing.
Für den, der sich nun selbst ein Bild machen will - hier ist der Trailer des Films:
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Bestenlisten
Die ersten, aber nicht die ersten besten Bestenlisten 2008.
Bestenlisten gibt's wie Sand am Meer. Hier aber der Verweis auf drei, die ausgesprochen interessant und wichtig sind, weil die Kritiker bzw. die Institution dahinter ausgesprochen interessant und wichtig sind.
Glenn Kennny von "Some Came Running" hat sich mit sich selbst auf 21 Filme des Jahres verständigt. Hier die ersten fünf:
1) Ne Touchez pas La Hache (a.k.a. The Duchess of Langeaise) (Jacques Rivette)
2) Une Vielle Maitresse (a.k.a. The Last Mistress) (Catherine Breillat)
3) Razzle Dazzle/The Lost World (Ken Jacobs)
4) The Romance of Astree and Celadon (Eric Rohmer)
5) Synechdoche, New York (Charlie Kaufman)Hier der Rest.
Michael Sicinskis ("Academic Hack") ganzjährig aktualisierte Top Ten nähert sich naturgemäß nun auch einem endgültigen Stand:
1. When It Was Blue (Jennifer Reeves, U.S. / Iceland)
2. Origin of the Species (Ben Rivers, U.K.)
3. Jerichow (Christian Petzold, Germany)
4. Hunger (Steve McQueen, U.K. / Ireland)
5. Speechless (Scott Stark, U.S.)Und hier dann die restlichen fünf - plus eine zweite Liste.
Zum vorläufigen Schluss noch die wichtigste US-Institution - nämlich der "Film Comment" (mit zwanzig Filmen):
1. Wendy and Lucy Kelly Reichardt, U.S. 580
2. Flight of the Red Balloon Hou Hsiao-hsien, Taiwan/France 564
3. A Christmas Tale Arnaud Desplechin, France 557
4. Happy-Go-Lucky Mike Leigh, U.K. 538
5. WALL·E Andrew Stanton, U.S. 534Eine aggregierte Liste; die Namen der beteiligten Kritiker (Glenn Kenny ist dabei, Michael Sicinski nicht), eine zweite Liste mit besten Filmen ohne US-Verleih und natürlich die fehlenden fünfzehn Titel finden sich hier.
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Gott des Kontrafaktischen
Warum die "Buddenbrooks" das ganze Elend des deutschen Films verkörpern.
Interview mit Heinrich Breloer über seine "Buddenbrooks" in der Welt:
Auch der Film war ja ein Geschäft von einiger Größe. 16 Millionen, das kosten heute fast drei durchschnittliche Filmeprojekte ...
Breloer:Nee nee nee! Drei kriegen sie dafür nicht mehr hin. Sechs, sieben Millionen brauchen Sie heute auch für einen kleineren Film.Starkes Stück. Das ist die Amphibien-Welt aus Fernsehen und Vernebelung von Restverstand, in der einer wie der Herr Breloer lebt. Christian Petzolds "Jerichow", mit ziemlicher Sicherheit der beste Film, der in Deutschland 2008 entstanden ist (kommt Anfang Januar 2009 in die Kinos), hat - wenn ich mich jetzt richtig erinnere - 1,8 Millionen gekostet. Dabei sind die "Buddenbrooks" die vollendete Verkörperung des ganzen Elends deutscher Film- und Fernsehförderung - mehr zu deren längst katastrophalen Strukturen in einem instruktiven Artikel von Katja Nicodemus aus der Zeit der letzten Woche. Der Film - mehr dazu demnächst bei "Cargo" - hat im Kino nichts verloren. Er ist Mann-Verdummung und filmhandwerkliche sowie intellektuelle Bankrotterklärung in einem. Entstanden ist er als sogenannte "Amphibien"-Produktion - als Volker Schlöndorff (manchmal hat er auch recht) vor einem guten Jahr gegen diese längst gängige Praxis der Vermischung von Fernsehen und Film wetterte, hat ihn die Constantin gefeuert. Für die nämlich saß er an einer Verfilmung des Bestsellers "Die Päpstin" und protestierte gegen die "Panscherei", zu der er sich da genötigt sah. Selbst mit im Grunde gern mittuenden Kritikern macht man in diesen Kreisen gerne ganz kurzen Prozess. (Jetzt macht's Sönke Wortmann.)
An dem Bohei, das gerade um die nächste Woche anlaufenden "Buddenbrooks" veranstaltet wird, lässt sich auch die - extrem freundlich gesagt - gute Vernetzung von Produktion und Politik und Bericht erstattenden Journalisten beobachten. Der Spiegel schreibt seitenweise über den Film - mit ein paar kritischen Anmerkungen zwar -, aber dreister hat einer selten die Tatsachen verdreht als Nikolaus von Festenberg, der diese ödeste und konventionellste aller Literaturverfilmungen offenbar allen Ernstes als "Unterhaltungsfeuerwerk" lobt. Die FAZ hat zur Hofberichterstattung den Thomas-Mann-Experten Edo Reents an den in Essen ausgerollten Roten Teppich entsandt, von wo er nun einen Bunte-kompatiblen High-Society-Artikel schickt. (Nur dass High Society in Deutschland zum Beispiel und vor allem Horst Köhler heißt - immerhin, es gibt also etwas wie Gerechtigkeit.) Am letzten Wochenende schon durfte ein weitestgehend handsamer Willi Winkler in der SZ den arg strengen Stallgeruch verbreiten, den er sich bei den Dreharbeiten zum Riesenprojekt redlich verdiente. Damit ist das ganze Elend sicher noch nicht beschrieben - ich will gar nicht wissen, wo die Produktions-Phalanx der "Buddenbrooks" (Bavaria Film, in Koproduktion mit Pirol Film Production, Colonia Media, WDR, NDR, SWR, BR, Degeto, ORF und ARTE) noch so überall ihre Freunde sitzen hat und eifrig dem Gott des Kontrafaktischen huldigen lässt.
Die größte Lüge steckt übrigens in der Web-Adresse der Produktion: www.buddenbrooks-derfilm.de. Was immer die "Buddenbrooks" sind, ein Film im engeren oder weiteren Verstand dieses Begriffs sind sie nicht. Auch wenn man, ja Herr Breloer, sagen wir großzügig: acht brillante "kleine" Filme für dies so ganz und gar sinnlos verbrannte Geld hätte drehen können.
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Chandni Chowk to China
Warner Brothers steckt dahinter. Ramesh Sippy - der Regisseur des Klassikers "Sholay" - produziert. Nikhil Advani, der den auch im Westen erfolgreichen SRK-Heuler "Kal Ho Naa Ho" (2003) drehte, macht die Regie. Akshay Kumar, der Action-Superstar des indischen Kinos spielt die Hauptrolle. Er ist ein Koch, den ein chinesisches Dorf mit seinem Befreier verwechselt. Der Trailer lässt bunteste Mischungen erwarten. Start im Januar. (In viel besserer Qualität als auf YouTube gibt es den Trailer hier.)
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Antonio Campos: Afterschool & The Last 15
Antonio Campos gilt als großes Talent unter den jungen amerikanischen Independents. Nun ist sein Kurzfilm "The Last 15" online zu sehen.
23 Jahre alt war Antonio Campos, als er seinen ersten langen Spielfilm "Afterschool" drehte. Er lief in einer Nebenreihe in Cannes und manch einer, der ihn gesehen hat, hält Campos für das vielversprechendste Talent der jungen amerikanischen Independents. Es geht in "Afterschool" um die Auswirkungen von Gewalt und Pornografie auf jugendliche Psychen. Brutal, direkt, überzeugend, findet zum Beispiel Mike d'Angelo. Andere finden den Film schrecklich didaktisch. Beide Seiten verweisen zum Vergleich auf einen Regisseur, dessen Name offenkundig als Lob wie als Beschimpfung taugt: auf Michael Haneke.
Nun kann man sich selbst ein Bild machen. Noch nicht von "Afterschool", aber von einem davor entstandenen Kurzfilm "The Last 15", der, um Titeldirektheit nicht verlegen, die letzten fünfzehn Minuten im Leben eines Teenagers erzählt. Der beendet sein Leben nämlich in der ersten Szene des Films mit einem Schuss in den Mund. Der Rest ist trockene, klare Ursachenbehauptung: was wir zu sehen bekommen, sind genau kadrierte Einstellungen aus dem Alltag einer dysfunktionalen Familie. Einblendungen sprechen vom Geld. Wasser kommt durchs Dach. Nichts wird gut.
Bei "The Vulture" ist der Film, den auch "Cargo"-Mitarbeiter Michael Sicinski als - und er meint es freundlich - Haneke-nah begreift, nun komplett als Video zu sehen. Hier drei Ausschnitte, darunter ein Video-Gespräch mit dem Filmemacher von Filmcatcher:
Links:
Hier ein Video-Gespräch mit Antonio Campos
Director Antonio Campos-Afterschool - Watch a funny movie hereAntonio Campos über seinen Film "Afterschool"
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Was die Welt so dreht
Neuigkeiten aus der Welt geplanter, entstehender, zukünftiger Filme.
Didion Linney Graham
"Tonio, Sie sind hart wie Stein, wenn sie weh tun wollen", schrieb Agnes E. Meyer, Mäzenin, Journalistin und Fördererin Thomas Manns nach einem Zerwürfnis an eben diesen. Überhaupt unterhielt sie mit Thomas Mann ein in einem Briefwechsel dokumentiertes schwieriges Verhältnis. (Dies nur als Reminiszenz an Heinrich Breloers "Buddenbrooks", die Weihnachten anlaufen.) Die zweite Tochter von Agnes E. Meyer hieß Katherine und wurde als Katherine Graham zur Legende. Als Herausgeberin der "Washington Post" nämlich, die sie auch durch die heroischsten Zeiten des Blattes leitete: die Watergate-Affäre. HBO dreht nun ein Katherine-Graham-Biopic, an dem das Interessanteste weder der Regisseur ist (der solide Veteran Robert Benton, "Kramer gegen Kramer") noch die Hauptdarstellerin (Laura Linney), sondern die Autorin des Drehbuchs: Joan Didion, die große alte Dame des US-Journalismus bzw. -Essayismus, die zuletzt auch in Deutschland, wo sie lange eher unbekannt war, mehr Beachtung gefunden hat.
Sfar geht zum Film
An "Serge Gainsbourg (vie heroique)", einem französischen Biopic, ist es auch nicht der Hauptdarsteller (Eric Elmosnino), der den Betrachter aufmerken lässt. Eher noch Laetitia Casta, die Brigitte Bardot spielen soll. Nein, das eigentlich Faszinierende ist der Regisseur und Drehbuchautor Joann Sfar. Der hat sich im letzten Jahrzehnt einen großen Ruf als Szenarist und Zeichner einer Unzahl brillanter, verspielter, fantasievoller Comics erworben, teils in Zusammenarbeit mit dem nicht minder grandiosen und ebenso unfassbar produktiven Lewis Trondheim ("Donjon"). Sfars Serie über "Die Katze des Rabbiners" (mehr hier und hier) erscheint auch in Deutschland und gehört zu den Meilensteinen der jüngeren Comic-Geschichte.
To As To Can
Nicht mehr hinterher kommt man bei Johnnie To, der - denkt man manchmal - Hongkongs Filmindustrie mit seiner Firma "Milky Way" fast im Alleingang auf Weltniveau hält. Mit großen Erwartungen blickt die Welt auf sein schon länger angekündigtes Remake von Jean-Pierre Melvilles Klassiker "Le Cercle Rouge" ("Vier im roten Kreis"), für das er Liam Neeson, Orlando Bloom (ist das jetzt bestätigt?) und, last but not least, Alain Delon gewinnen konnte. Dann ist da aber auch noch "Vengeance", den er gerade dreht und dessen Besetzung sich wie ein Burroughssches Cut-Up der Who-is-Whos verschiedener Länder und Künste liest. Mit von der Partie bei diesem Thriller nach Buch von Wai Ka-Fai (das verspricht immer hellen Wahnsinn) sind nicht nur Simon Yam und Anthony Wong, sondern auch - und hier wird es seltsam - Sylvie Testud und Johnny Hallyday. Und dann ist da noch "Death of a Hostage", den zu drehen To jedenfalls schon begonnen hat; die künstlerischeren Projekte ziehen sich ja gerne mal über Jahre. Hauptrolle hier der frühere To-Dauerstar Lau Ching-Wan.
Schrader Macht Musik
Paul Schrader goes Bollywood. Kein Scherz. Während sein jüngster Film "Adam Resurrected" (mit Jeff Goldblum, der als Jude den Holocaust überlebt, indem er einen Nazi-Kommandanten spielt) demnächst bei uns anläuft, hat Schrader seinen vorläufigen Abschied aus Hollywood bekannt gegeben. Zitiert wird er mit Sätzen wie "Ich habe all die Jahre unabhängige Filme gemacht. Aber jetzt sehe ich mich um und sehe nur einen toten, leblosen Ort - die Finanzierung, das Publikum, die Verleihe betreffend. Es ist kalt da draußen." Also geht er nach Indien und dreht dort den Action-Thriller "City". Produziert vom Bollywood-Regisseur Anubhav Sinha, auch von Song-and-Dance-Einlagen ist die Rede. Welche Bollywood-Stars mitspielen: noch unklar.
Ruiz Mission Rolandslied
Raul Ruiz verfilmt das mittelalterliche altfranzösische "Rolandslied". Yep. Mit John Malkovich, Saffron Burrows, Michael Madsen, Peter O'Toole, Virgine Ledoyen und anderen. Yep. Die Musik dazu macht Lalo "Mission Impossible" Schiffrin. Yep. Das Original spielt zur Zeit Karls des Großen. Was Ruiz daraus macht? Weiß der Teufel.
via Twitch, Variety, Film Comment, Yahoo News
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Der doppelte Kluge
Woran es liegt, wenn die Meinungen über Alexander Kluges "Nachrichten aus der ideologischen Antike" weit auseinandergehen.
Thomas fragt im Filmtagebuch, wem er glauben soll - mir, der ich begeistert war von Kluges Marx-Projekt oder der Runde in der Jungle World, die beinah kein gutes Haar lässt am Barte des Propheten Alexander und seiner Suhrkamp-Runde.
Wem man glaubt, hängt sehr davon ab, was man erwartet und will. Was Kolja Lindner zum Schluss des Gesprächs zur "Methode Walfisch" sagt, ist sehr richtig: "Kluge geht wie Eisenstein nach der von Hans Magnus Enzensberger beschriebenen Walfisch-Methode vor, alles einsaugen und gucken, was hängen bleibt. Nur dass Kluge ein Walfisch ohne Methode ist, anders als Marx, der mit dem Material gerungen hat, und Eisenstein, der die 49 Kilometer Filmmaterial für 'Oktober' auf zwei Kilometer runterschneiden musste. Kluge zeigt uns einfach alles, was er in die Hände bekommt." Lindner und die anderen mögen das nur nicht.
Systematisch ist an dem ganzen Projekt sehr genau gesagt: gar nichts. Das kann man ungut finden, als Marxist, als strenger Denker, als politisch Engagierter oder einfach als Freund des Systematischen.
Ich spreche davon, dass Kluge das Marxsche Werk als eine Installation begreift. Er klettert mit ein paar anderen Jungs und Mädels darin herum. Er findet Dinge, die ihm total gut gefallen. Die anderen finden auch Dinge, die ihnen total gut gefallen. Ich glaube auch, dass sie vieles falsch verstehen. Dass sie oft ziemlich kindisch sind.
Aber es macht Spaß, ihnen zuzusehen, wie sie sich freuen und wie sie kluge Sachen sagen. Doch, doch, das tun sie. Nicht alle, aber ziemlich viele. Und wirklich klug, wenn auch nicht immer als Marx-Egese. Übrigens gibt es Dinge die klug sind, dabei aber nicht unbedingt richtig. (Joseph Vogl!) Es ist ein bisschen, als weigertenn sie sich, auch das scheint all die ja nun gleichfalls sehr klugen Diskutierenden im Dschungel sehr zu empören, letzte Verantwortung zu übernehmen für das, was sie reden. Sie sprechen sie als Denker und Theoretiker an. In Wahrheit macht Kluge sie alle miteinander zu Performance-Künstlern.
Es ist ein Mummenschanz. Es ist Theater. Man muss das sehr von Helge Schneider her lesen. Ich würde ja nicht sagen, dass die bei der Jungle World versammelten Gesprächsteilnehmer keinen Humor haben. Den von Kluge verstehen sie aber nicht. Oder wollen es nicht. Sie nennen gute Gründe, aber mit diesen Gründen auch die Perspektive, aus der sich das anzusehen wirklich nicht lohnt.
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SMS vom Sultan
Ein liebeskranker Mann herrscht am Bosporus: Die osmanische Republik von Gani Müjde
Ein liebeskranker Mann herrscht am Bosporus:
Die osmanische Republik von Gani MüjdeIm Karli-Kino in Neukölln sehe ich mir donnerstags manchmal türkische Mainstreamfilme an. Das Thema begann mich zu interessieren, als die deutsche Berichterstattung über "Tal der Wölfe" seinerzeit eine Menge Sachverstand vermissen ließ. Diese Woche ist "Osmanli cumhuriyet" (Die osmanische Republik) von Gani Müjde angelaufen, in dem es um eine interessante historische Spekulation geht.
Zu Beginn klettert der kleine Kemal Atatürk auf einen Baum, ein Ast bricht, der Junge stürzt zu Boden und bleibt leblos liegen. Schnitt in das Istanbul des Jahres 2008, das mit der heutigen türkischen Hauptstadt identisch ist, nur mit dem Unterschied, dass immer noch ein Sultan regiert: Osman VII (Ata Demirer, ein bekannter türkischer Standup Komiker) ist allerdings ein schwacher Herrscher, denn er steht unter der Fuchtel seiner konsumfreudigen und beischlafmüden Ehefrau und ist zudem Opfer einer Palastintrige von Menschen, die sich an die Besatzungsmacht USA und an die EU andienen. Das Osmanische Reich ist also 2008 nur mehr eine symbolische Größe, reduziert auf ein paar Traditionsorte in Istanbul.
In Anatolien sprechen die Männer im Teehaus nur vom Aufstand, der Eifrigste, der ständig mit neuen (altmodischen) Waffen daherkommt, straft die Ernsthaftigkeit ihrer Bereitschaft zum Terrorismus aber Lügen. Am Ende ermannt sich Osman VII, nachdem er sich in eine junge Frau verliebt hat, die vom Widerstand auf ihn angesetzt worden war. Die Beziehung durchläuft mehrere Stadien, das Mobiltelefon spielt dabei eine wichtige (komische) Rolle. Schließlich schlägt sich der Sultan auf die Seite des (nationalen) Aufstands, aber da ist die Sache schon zu spät: In einer Kommandoaktion, deren Inszenierung durchaus an Medienbilder vom Vorgehen der USA im Irak denken lässt, setzen sich die Besatzungstruppen im Verbund mit den korrupten türkischen Kräften durch. Osman VII dankt ab und geht nach Bursa.
Hier endet das historische Alternativszenario, und "Osmanli cumhuriyet" nimmt spektakulär doch noch die kemalistische Kurve. Interessant ist, wie offen skeptisch der Film dem EU-Beitritt gegenüber steht, der ausdrücklich angesprochen wird und trocken auf "geschäftliche Beziehungen" reduziert wird (denen gegenüber der türkische Nationalismus einen idealistischen Kern hat).
Für gelegentliche Zuschauer wie mich ist auch auffällig, wie unverhohlen, ja zotig von sexuellen Dingen die Rede ist, und wie beiläufig das islamische Erbe integriert wird (zu Beginn kommt Osman VII aus der Moschee und findet seine Pradaschuhe im großen Haufen der Schuhe nicht mehr, den die Männer während des Gebets hinterlassen).
Der Regisseur Gani Müjde hat in seinem ersten Spielfilm "Kahpe Bizans" (2000) eine Hommage an jene türkischen Filme geschaffen, die vom Osmanischen Reich erzählen, das in der Nationalkinematographie so etwas wie den Western oder das Martial-Arts-Genre vertritt. Nun hat er dieses Motiv stärker politisiert, ohne deswegen einer osmanischen Renaissance oder gar einem lokalen Imperialismus das Wort zu reden: "Osmanli cumhuriyet" ist staatstragend und antiwestlich, souverän und locker wird mit den Topoi der Geopolitik hantiert – ein Film aus einer selbstbewussten Nationalkinematographie.
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